«PART» de Tanit Plana

La galería Alalimón inaugura mañana viernes 16 de julio a las 18h la exposición «PART» de Tanit Plana.

«PART» es una singular visión del momento de nacimiento de forma directa y performativa en la que tanto la madre como el bebé toman todo el protagonismo como cuerpos en acción. Esa intencionalidad queda amplificada por una minimalista puesta en escena basada en los colores rojo, blanco y negro filtrando la realidad desde un personal punto de vista. Un nacimiento que se muestra ante el espectador como una danza preformativa hilando a la perfección con la producción escénica dirigida por la autora en el marco del Festival GREC de Barcelona así como de l’Auditori Nacional de Catalunya de las que se incluyen unas imágenes de gran formato en B/N.

Fecha: Del 16 de julio al 10 de septiembre de 2021
Lugar: Alalimón, C/ Mèxic, 15, 08004 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«À la ville de…» de Eugeni Gay

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centre Cívic Parc Sandaru acoge del 5 al 29 de julio la exposición «À la ville de…» de Eugeni Gay.

«À la ville de… Barcelona» fue la frase pronunciada por Juan Antonio Samaranch a las 13:32 h del 17 de octubre de 1986. Barcelona se convirtió en la sede olímpica de 1992. Una ilusión colectiva se apoderaba de la ciudad, cambiarían muchas cosas, Barcelona se reencontró con el mar, se construyeron las rondas, la Villa Olímpica y un largo etcétera de infraestructuras que mejorarían la ciudad que se abría al mundo.

Bajo eslóganes de ciudad como “Barcelona ponte guapa” y “Barcelona la mejor tienda del mundo” poco a poco la ciudad se convertía en un bonito escaparate donde cada vez es más difícil vivir.

Barcelona ha perdido población desde 1992, mientras que en Cataluña ha aumentado un 23%. El precio de la vivienda ha crecido 5 veces más que la inflación. 15 millones de turistas nos visitan cada año. La palabra gentrificación ha entrado en nuestro vocabulario habitual y cada día hay más gente obligada a dejar su barrio y la ciudad.

Las imágenes que propone Eugeni Gay son un recorrido de fuera hacia centro de la ciudad en el que el espectador transita metafóricamente el cambio lento que va de la ilusión por una ciudad mejor a la actual que está expulsando a sus habitantes. Comienza en espacios naturales donde no hay presencia humana y termina en los escaparates de Paseo de Gracia, máximo exponente de la pérdida de identidad y comercialización.

Juega con el lenguaje fotográfico y las sensaciones que percibe el espectador ante las fotografías. Empieza con imágenes de paisajes horizontales, claras, con luces agradables y mediante una lenta transición llega al final donde las fotografías son verticales, confusas y expresamente desagradables.

Fecha: Del 5 al 29 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Parc Sandaru, C/ Buenaventura Muñoz 21, 08018 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«Fotógrafas» de Estela de Castro

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centre Cívic Sagrada Família acoge del 2 al 28 de julio la exposición «Fotógrafas» de Estela de Castro.

Judith Prat escribió sobre el trabajo que se presenta: «Tras retratar a los máximos exponentes de la fotografía española y dejarnos hipnotizados con la belleza e intención de sus imágenes, Estela de Castro vuelve la mirada a los autores de su generación para encontrarse con ellas, las fotógrafas. Quizá aquellas pioneras, que en franca minoría lograron brillar en un mundo mayoritariamente masculino, hayan sido las responsables de que ahora la situación sea otra y, a ojos de la autora y quizá por eso, merezcan el protagonismo absoluto.

La delicadeza con la que Estela mira e impregna todo lo que hace tiene como resultado esta serie de honestos y bellos retratos que, desprovistos de artificios, muestran con hondura la esencia de las fotógrafas en su espacio cotidiano. Pero estáis además ante un trabajo en el que la fotografía trasciende lo figurativo para tejer una pequeña constelación de identidad compartida en torno al oficio».

Fecha: Del 2 al 28 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Sagrada Família, C/ Provença 480, 08025 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«The Boss is Here» de Rafael Arocha

El Centre Cultural La Farinera del Clot acoge del 1 al 25 de julio la exposición «The Boss Is Here» de Rafael Arocha.

La corporalidad se encuentra integrada en las estructuras de control que establecen los sistemas económicos como el capitalista. Los cuerpos, sometidos a la tensión jerárquica, albergan de forma manifiesta el poder coercitivo ejercido desde la ostentación de una posición dominante.

Rafael Arocha nos muestra en este proyecto el desequilibrio entre la posición de sometimiento y quien ostenta la autoridad. «The Boss is Here» se construye a partir de una secuencia sistemática de cuerpos cuya inanición los convierte en contenedores de las estructuras invisibles de dominación.

Las imágenes que lo conforman son un estudio obsesivo de la expresión corporal que queda oculta a quien con su sola presencia genera un estado de tensión manifiesta. «The Boss is Here» se centra en un reducto de liberación a espaldas del poder coercitivo, un gesto que alberga simbólicamente una manifestación pasiva de resistencia.

Fecha: Del 1 al 25 de julio de 2021
Lugar: Centre Cultural La Farinera del Clot, Gran Via de les Corts Catalanes 837, 08018 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«The Taste of the Wind» de Carlos Alba

La Biblioteca Esquerra de l’Eixample-Agustí Centelles acoge del 30 de junio al 27 de julio la exposición «The Taste of the Wind» de Carlos Alba.

Landskrona es una ciudad de Suecia caracterizada por refugiar a migrantes y exiliados a lo largo de la historia moderna y de forma más patente tras la crisis industrial que le hizo perder gran parte de su población a principios de los 80. Carlos Alba se traslada a esta localidad en mayo de 2017 auspiciado por Landskrona Foto para ahondar en la forma de evolucionar y adaptarse de sus habitantes, tanto de los locales como de los procedentes de realidades muy diversas. Plantea un viaje psicológico entre presente y pasado a través del material de archivo y la imagen actual.

«The Taste of the Wind» pone el énfasis en la política de las imágenes, su veracidad y su información objetiva o no. Como esa imagen procedente del archivo conforma la historia colectiva a través de su dirigida mirada.

Al sumar a este archivo su propia imagen actual fruto de la investigación y recopilación de testimonios, quiere abrir ante nuestros ojos una nueva mirada sobre los movimientos individuales, las mutaciones colectivas que provocan y como son usadas y olvidadas creando una memoria colectiva concreta y no carente de motivaciones. Su trabajo compone un tributo a quienes buscan la libertad reflexionando desde el pasado con el presente como punto de anclaje e inevitablemente hacia el futuro.

Fecha: Del 30 de junio al 27 de julio de 2021
Lugar: Biblioteca Esquerra de l’Eixample-Agustí Centelles, C/ Comte d’Urgell 145, 08036 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«Welcome to the barrio» de Oriol Miñarro

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Pati Llimona acoge del 29 de junio al 30 de julio la exposición «Welcome to the barrio» de Oriol Miñarro.

Bienvenido al barrio. Está usted en el barrio.

La ruta es por el barrio, ese barrio de la mente, con sus círculos concéntricos, sumergido, chillón, vicioso, oculto y ocultado, una visión de las calles en las que el orden debe pactar con el caos. La ruta por el barrio que no queremos ver, el barrio que es negado, el desfile grotesco, el que complica la vida, el que se retuerce y sobrevive, imaginario mental donde realidad y ficción conforman una narración descarnada de nuestro yo, relato de lo inconfesable como sociedad.

El barrio, inframundo donde transcurre un flujo de realidades ajeno a lo inteligible, un marco donde la entraña del ser se expone sin tapujo alguno, un entramado de redes sociales que acaban por conformar celdas de muy distinto corte y realidad, un espacio crudo, sin filtros, sin prejuicios, sin dogma moral que reconduzca la realidad, donde extraños compañeros de viaje rigen sus vidas por extrañas leyes no escritas, dueños del secreto de su pasado, portadores de una esencia que rezuma barrio por los cuatro costados, cancerberos de la tolerancia velada de los vicios, legados de la dictadura, degradación del cuerpo y salvación del alma.

El ojo informa a la mente, la mente ordenada al dedo, un ligero ajuste, una mediación, una captura de imagen… escruta hacia nuestros adentros para confrontarnos y enfrentarnos. El barrio se manifiesta, declara lo que es, revela lo que somos.

Bienvenido al barrio. Está usted en el barrio. El barrio está en usted.

Fecha: Del 29 de junio al 30 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Pati Llimona, C/ Regomir 3, 08002 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«L’Índia velada» de Joaquim Seguí

La galeria fotogràfica il mondo inaugura el proper divendres 11 de juny a les 18h l’exposició «L’Índia velada» de Joaquim Seguí.

«L’Índia velada» és un petit tribut a la dona índia. Les fotos seleccionades són preferentment de dones, quasi sempre amb vel, en una Índia teòricament laica però amb l’omnipresència constant de la religió, majoritàriament hindú seguida d’altres religions, principalment la musulmana i en menor proporció sikh i altres de minoritàries. En totes elles, en comú, la dona en segon pla i sempre socialment discriminada.

Una nodrida col·laboració d’autores en castellà de l’Associació Genialogías de dones poetes, al costat d’altres poetes en llengua catalana, amb especial esment a les versions en català de Maria Josep Escrivà i de Josep Vicent Cabrera de l’afganesa Nadià Anjoman assassinada pel seu marit als 25 anys, així com la de Bina Sarkar des de Bombai en anglès, ha permès una bella selecció poètica que finalment s’ha conformat com un poemari de 26 dones poetes que han escrit o han seleccionat els seus versos i textos poètics per a aquest llibre. També s’ha inclòs un bellíssim poema cedit per Antonio Colinas. Els textos de Rocío Moriones, Carme Riera, Fanny Tur i Agustí Villaronga ens introdueixen les seves especials aproximacions literàries i visuals a «L’Índia velada».

Data: De l’11 de juny a l’11 de juliol 2021
Lloc: Galeria fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

«The Brown Sisters» de Nicholas Nixon

KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre la exposición «The Brown Sisters» de Nicholas Nixon.

La fotografía constituye uno de los ejes fundamentales de la programación de exposiciones y de la política de adquisiciones de Fundación MAPFRE. Su colección, iniciada en 2007 y centrada sobre todo en la segunda mitad del siglo XX, tiene como principal objetivo la fotografía artística, especialmente, aquella que se inserta en la tradición documental.

La serie de «Las hermanas Brown» de Nicholas Nixon fue la primera adquisición significativa de Fundación MAPFRE y señalaba la que sería una de las principales señas de identidad de la colección: el interés por el retrato.

Nicholas Nixon es uno de los autores que más ha explorado el retrato y la fotografía social desde los años setenta. El tiempo, la fragilidad humana y el abandono son temas recurrentes en su obra. El humanismo y el interés por representar su propia relación con el mundo se refleja en varias de sus series, como las centradas en los ancianos que viven en asilos o en los enfermos terminales de sida, pero en particular en la más conocida de todas: la dedicada a «Las hermanas Brown». La proximidad que transmiten sus imágenes, la evocación de un sentimiento que traslucen, hacen que afloren en el espectador profundas emociones.

«Las hermanas Brown» se encuentra a medio camino entre la objetividad documental y la intimidad emocional. Acompañamos a esta familia desde su juventud a la madurez; somos espectadores privilegiados de su lento envejecer. La serie se convierte así en un metódico anuario, pero también en un inteligente y poderoso ensayo sobre el retrato y el paso del tiempo. Nixon explota aquí con naturalidad una de las cualidades primarias de la fotografía: la nostalgia que provoca su capacidad de detener el tiempo y que hace de esta disciplina un arte capaz de mostrar la implacable vulnerabilidad de las personas, el paso irremediable de la vida.

La serie, desde su inicio en 1975, comparte algunas constantes formales. Para su realización, Nixon viene utilizando una cámara de 8 × 10 pulgadas (20,3 × 25,4 cm), formato hoy en desuso, pero al que se mantiene fiel por la notable calidad de los resultados que obtiene. En cuanto a la forma de captar a las hermanas, estas aparecen siempre en el mismo orden: el que ocuparon por azar la primera vez que fueron fotografiadas, y ocasionalmente en pose frontal, mirando a la cámara. Por lo general, las fotografías se realizan en exteriores, aprovechando una luz natural que inunda toda la composición. La perfección técnica, precisión y claridad de las imágenes hacen de esta serie una obra maestra, que entronca perfectamente con la tradición del formalismo de la fotografía americana del siglo XIX.

Estas fotografías están cargadas de significados, pero, ante todo, el tema principal es el tiempo, que se nos escapa inasible y que provoca en el espectador una emoción en la que el recurso a la repetición –que enlaza con la serialidad desarrollada ampliamente por las vanguardias– consigue un efecto narrativo por acumulación, de manera tranquila, sin dramatismos. La serie nos muestra una escena privada, familiar –la mujer y las cuñadas del artista–, pero en la sucesión de las imágenes descubrimos que hay una aproximación personal a una de las protagonistas, a Bebe, la segunda por la derecha, la que siempre mira a la cámara, a Nick. «Las hermanas Brown» es también un homenaje a una persona extraordinaria que ha acompañado a Nixon en la aventura de la vida.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

Exposición de Garry Winogrand

KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre una exposición retrospectiva de Garry Winogrand.

Garry Winogrand nació en el barrio neoyorkino del Bronx en 1928. Tras estudiar en la Universidad de Columbia, donde tuvo como compañero de estudios al fotógrafo documental George S. Zimbel, con el que trabó amistad, se incorporó como fotoperiodista a Pix Inc., una agencia que proporcionaba imágenes a revistas ilustradas de noticias. A partir de 1954, bajo la tutela de la agente Henrietta Brackman, el artista comenzó a vender sus fotografías a revistas de ocio como Collier’s, Look, Pageanty Sports Illustrated. Con una cámara de 35 mm y un flash solía capturar a deportistas en acción, músicos o actores durante sus actuaciones, así como la energía de la vida nocturna en Nueva York. A partir de 1955, impulsado por un interés personal, se embarcó en distintos viajes a lo largo y ancho de Estados Unidos. Recorrió Los Ángeles, San Francisco, Dallas, Houston, Chicago, Ohio, Colorado y el suroeste del país. En sus obras recoge las manifestaciones y los movimientos pacifistas y contraculturales de la década de los sesenta, derivados de la guerra de Vietnam o la Crisis de los Misiles, reflejando en sus fotografías un sentimiento de desintegración nacional.

A partir de 1959, abandonó prácticamente todo tipo de trabajo comercial para dedicarse por completo a su carrera como artista, que combinó con la de docente. En 1973 se mudó a Austin (Texas), como profesor de fotografía de la universidad local, para volver a Nueva York solo de visita. En 1978 obtuvo su tercera beca Guggenheim y se trasladó a Los Ángeles, donde vivió durante seis años. En febrero de 1984 le fue detectado un cáncer de vesícula biliar y falleció dos meses después, con tan solo 56 años.

Su trabajo de este último periodo parece visualmente más sencillo que el anterior, contiene menos movimiento y menos desorden. Algunas imágenes tomadas en Los Ángeles evitan por ejemplo los eventos multitudinarios tan significativos en la época y se centran en una única persona o dos, a menudo concentradas en sí mismas.

Desde 1971 Winogrand había dejado de editar sus fotografías confiando en que lo haría cuando volviera a Nueva York. Puesto que no regresó nunca, dejó en el momento de su muerte 4.100 carretes revelados sin pasar a hojas de contactos y 2.500 sin revelar. A pesar de que el artista es más conocido por su obra en blanco y negro, desde finales de los años cincuenta y durante los sesenta realizó más de 45.000 diapositivas a color, una parte de su producción poco conocida y que se presenta en esta exposición por primera vez en España a través de tres proyecciones.

Su modo de trabajar, casi de forma compulsiva, muestra una producción centrada en pequeños detalles o en motivos que a primera vista pudieran parecer irrelevantes, como si el artista estuviera más interesado en las imágenes por cómo transmiten el mundo que por lo que cuentan de él. En 1963, en la solicitud de su primera beca Guggenheim, señaló: «He estado fotografiando Estados Unidos para intentar […] averiguar quiénes somos y cómo nos sentimos, observando nuestra apariencia mientras la historia se producía y se sigue produciendo a nuestro alrededor en este mundo», y expresaba, a la vez, la consternación que sentía al descubrir que los sueños de los estadounidenses son «baratos y triviales» y están construidos sobre «apariencias y fantasías».

Las 169 fotografías que conforman la exposición ponen de manifiesto en su recorrido las contradicciones de una sociedad a lo largo de tres décadas: el encanto y el desencanto, la extrañeza y la alegría, la velocidad y el movimiento, la ironía y la duda. Un trabajo que le llevó a ser considerado «el fotógrafo principal de su generación», tal y como lo enunció John Szarkowski, conservador de fotografía del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York desde 1962 y uno de los personajes más influyentes en la formación del gusto fotográfico contemporáneo, en el catálogo de la exposición «Mirrors and Windows», celebrada en dicho museo en 1978.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

«STRATA» de Laura Van Severen

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centro Cívico Golferichs acoge del 22 de junio al 30 de julio la exposición «Strata» de Laura Van Severen.

Cuando hablamos de residuos estamos acostumbrados a una historia que salta de la A a la Z, de la botella PET al foro polar, o de los residuos mixtos a un punto ciego. Sin embargo, y como consecuencia de un imparable y veloz progreso, ahora contamos con una serie de materiales que la tierra no puede recuperar o que la ciencia no puede transformar de forma eficiente. Los vertederos se han convertido en el escondite de los residuos que no podemos digerir.

Durante muchas décadas (y en algunos países hasta día de hoy), los vertederos han sido el método más barato y común para deshacerse de los residuos. Cuando un vertedero alcanza su capacidad máxima se cubre con capas protectoras, tierra y vegetación, con el objetivo de integrar este nuevo accidente geográfico en el paisaje, donde lo artificial y lo natural convergen en una sucesión de capas superpuestas.

Como consecuencia de este acto deliberado de ocultamiento hemos perdido toda referencia de confrontación con la verdadera acumulación de nuestros residuos. No hay una conexión visible entre nuestros hábitos de consumo y su impacto en el paisaje. Ningún recordatorio, ninguna imagen que permanezca en nuestra memoria que nos alerte ante la próxima compra compulsiva.

Tras la Directiva del Consejo 1999/31/EC implementada en 1999, la UE estableció que el vertido de residuos municipales debe limitarse gradualmente hasta ajustarse al 10% para el año 2035. Esta práctica debería convertirse en un fenómeno marginal dando prioridad a la nueva jerarquía de residuos también conocido como las 3R: reducir, reutilizar y reciclar. Sin embargo, las montañas y socavones que hemos heredado de tantos años de vertederos, visibles o no hoy día, han marcado para siempre el paisaje que nos rodea.

Con el proyecto fotográfico «STRATA» Laura Van Severen muestra el resultado de un encuentro con las heridas abiertas de un sistema ineficaz. Antes de que los desechos queden ocultos y sellados en una burbuja al margen del tiempo, las fotografías nos permiten entrever la estructura interna del vertedero y nos invitan a reflexionar sobre las distintas maneras con que cada uno de los países documentados se enfrenta al objetivo establecido para 2035, siempre en función de su contexto geográfico, demográfico y político.

Fecha: Del 22 de junio al 30 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«Firma» de Paula Artés

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centre Cívic Can Basté acoge del 10 de junio al 29 de julio la exposición «Firma» de Paula Artés.

Una evidencia es que el Estado utiliza una serie de mecanismos más o menos reconocibles con unas intenciones muy claras de ejercer un control sobre la población, para evitar movimientos revolucionarios, y evidentemente a la vez, para que haya una organización en la sociedad y esta no sea un caos.

Le debemos a Michel Foucault, la comprensión de la idea que el poder no solo se localiza en el aparato del Estado, como podría ser por ejemplo el Congreso, sino en otros mecanismos paralelos que funcionan de una forma más cotidiana, fuera de los aparatos del Estado, como por ejemplo, las estructuras administrativas. La Agencia Tributaria sería una de ellas.

La reflexión que plantea Paula Artés con el proyecto «Firma», es repensar el espacio como forma de ejercer el poder. Según Foucault, las estructuras administrativas creadas por el Estado, tienen una función de panóptico sobre la ciudadanía. Foucault y también Farocki, argumentan que hemos pasado a ser una sociedad disciplinada, y que se controla nuestro comportamiento mediante la vigilancia. Actualmente estamos más concienciados que a través del espacio virtual también se ejerce un control, y es por eso, que la autora busca los espacios físicos más consensuados y que tarde o temprano se desvanecerán.

«Firma», pretende profundizar en los aspectos más visibles y a la vez ignorados, que conforman cotidianamente nuestras vidas: ¿Sabemos cuánta información gestiona el Estado respecto a nosotros? ¿Qué uso hace de estos datos?

Fecha: Del 10 de junio al 29 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposició «Margaret Michaelis. Cinc dies pel barri Xino»

L’Arxiu Fotogràfic de Barcelona acull del 14 de maig al 31 d’octubre l’exposició «Margaret Michaelis. Cinc dies pel barri Xino».

L’exposició, comissariada per Dolors Rodríguez Roig, historiadora de l’art, mostra la reconstrucció del fotoreportatge que Margaret Michaelis va realitzar per encàrrec del GATCPAC (Grup d’Arquitectes i Tècnics Catalans per al Progrès de l’Arquitectura Contemporània) en motiu de l’exposició sobre el projecte reformista «La Nova Barcelona» celebrada al subsòl de la plaça de Catalunya el 1934.

Gràcies a un nou estudi sobre Michaelis i el seu període a la Barcelona de la Segona República, l’exposició presenta una nova mirada al recorregut que la fotògrafa va fer per alguns carrers del Districte V durant cinc dies consecutius l’abril de 1934. Dos dels cinc dies va anar acompanyada de membres del GATPAC, i també, entre fotografia i fotografia, Michaelis va aprofitar per captar moments amb la seva càmera Leica partint d’una mirada pròpia i personal.

La selecció de fotografies de l’AFB que es presenta en aquesta exposició, permet revisitar el reportatge alhora que narra aquella aventura, i també confirma la importància i la dimensió històrica de Michaelis i de la seva obra fotogràfica.

Data: Del 14 de maig al 31 d’octubre de 2021
Lloc: Arxiu Fotogràfic de Barcelona, Plaça Pons i Clerch 2 – 2ª planta, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta