«L’Índia velada» de Joaquim Seguí

La galeria fotogràfica il mondo inaugura el proper divendres 11 de juny a les 18h l’exposició «L’Índia velada» de Joaquim Seguí.

«L’Índia velada» és un petit tribut a la dona índia. Les fotos seleccionades són preferentment de dones, quasi sempre amb vel, en una Índia teòricament laica però amb l’omnipresència constant de la religió, majoritàriament hindú seguida d’altres religions, principalment la musulmana i en menor proporció sikh i altres de minoritàries. En totes elles, en comú, la dona en segon pla i sempre socialment discriminada.

Una nodrida col·laboració d’autores en castellà de l’Associació Genialogías de dones poetes, al costat d’altres poetes en llengua catalana, amb especial esment a les versions en català de Maria Josep Escrivà i de Josep Vicent Cabrera de l’afganesa Nadià Anjoman assassinada pel seu marit als 25 anys, així com la de Bina Sarkar des de Bombai en anglès, ha permès una bella selecció poètica que finalment s’ha conformat com un poemari de 26 dones poetes que han escrit o han seleccionat els seus versos i textos poètics per a aquest llibre. També s’ha inclòs un bellíssim poema cedit per Antonio Colinas. Els textos de Rocío Moriones, Carme Riera, Fanny Tur i Agustí Villaronga ens introdueixen les seves especials aproximacions literàries i visuals a «L’Índia velada».

Data: De l’11 de juny a l’11 de juliol 2021
Lloc: Galeria fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

«The Brown Sisters» de Nicholas Nixon

KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre la exposición «The Brown Sisters» de Nicholas Nixon.

La fotografía constituye uno de los ejes fundamentales de la programación de exposiciones y de la política de adquisiciones de Fundación MAPFRE. Su colección, iniciada en 2007 y centrada sobre todo en la segunda mitad del siglo XX, tiene como principal objetivo la fotografía artística, especialmente, aquella que se inserta en la tradición documental.

La serie de «Las hermanas Brown» de Nicholas Nixon fue la primera adquisición significativa de Fundación MAPFRE y señalaba la que sería una de las principales señas de identidad de la colección: el interés por el retrato.

Nicholas Nixon es uno de los autores que más ha explorado el retrato y la fotografía social desde los años setenta. El tiempo, la fragilidad humana y el abandono son temas recurrentes en su obra. El humanismo y el interés por representar su propia relación con el mundo se refleja en varias de sus series, como las centradas en los ancianos que viven en asilos o en los enfermos terminales de sida, pero en particular en la más conocida de todas: la dedicada a «Las hermanas Brown». La proximidad que transmiten sus imágenes, la evocación de un sentimiento que traslucen, hacen que afloren en el espectador profundas emociones.

«Las hermanas Brown» se encuentra a medio camino entre la objetividad documental y la intimidad emocional. Acompañamos a esta familia desde su juventud a la madurez; somos espectadores privilegiados de su lento envejecer. La serie se convierte así en un metódico anuario, pero también en un inteligente y poderoso ensayo sobre el retrato y el paso del tiempo. Nixon explota aquí con naturalidad una de las cualidades primarias de la fotografía: la nostalgia que provoca su capacidad de detener el tiempo y que hace de esta disciplina un arte capaz de mostrar la implacable vulnerabilidad de las personas, el paso irremediable de la vida.

La serie, desde su inicio en 1975, comparte algunas constantes formales. Para su realización, Nixon viene utilizando una cámara de 8 × 10 pulgadas (20,3 × 25,4 cm), formato hoy en desuso, pero al que se mantiene fiel por la notable calidad de los resultados que obtiene. En cuanto a la forma de captar a las hermanas, estas aparecen siempre en el mismo orden: el que ocuparon por azar la primera vez que fueron fotografiadas, y ocasionalmente en pose frontal, mirando a la cámara. Por lo general, las fotografías se realizan en exteriores, aprovechando una luz natural que inunda toda la composición. La perfección técnica, precisión y claridad de las imágenes hacen de esta serie una obra maestra, que entronca perfectamente con la tradición del formalismo de la fotografía americana del siglo XIX.

Estas fotografías están cargadas de significados, pero, ante todo, el tema principal es el tiempo, que se nos escapa inasible y que provoca en el espectador una emoción en la que el recurso a la repetición –que enlaza con la serialidad desarrollada ampliamente por las vanguardias– consigue un efecto narrativo por acumulación, de manera tranquila, sin dramatismos. La serie nos muestra una escena privada, familiar –la mujer y las cuñadas del artista–, pero en la sucesión de las imágenes descubrimos que hay una aproximación personal a una de las protagonistas, a Bebe, la segunda por la derecha, la que siempre mira a la cámara, a Nick. «Las hermanas Brown» es también un homenaje a una persona extraordinaria que ha acompañado a Nixon en la aventura de la vida.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

Exposición de Garry Winogrand

KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre una exposición retrospectiva de Garry Winogrand.

Garry Winogrand nació en el barrio neoyorkino del Bronx en 1928. Tras estudiar en la Universidad de Columbia, donde tuvo como compañero de estudios al fotógrafo documental George S. Zimbel, con el que trabó amistad, se incorporó como fotoperiodista a Pix Inc., una agencia que proporcionaba imágenes a revistas ilustradas de noticias. A partir de 1954, bajo la tutela de la agente Henrietta Brackman, el artista comenzó a vender sus fotografías a revistas de ocio como Collier’s, Look, Pageanty Sports Illustrated. Con una cámara de 35 mm y un flash solía capturar a deportistas en acción, músicos o actores durante sus actuaciones, así como la energía de la vida nocturna en Nueva York. A partir de 1955, impulsado por un interés personal, se embarcó en distintos viajes a lo largo y ancho de Estados Unidos. Recorrió Los Ángeles, San Francisco, Dallas, Houston, Chicago, Ohio, Colorado y el suroeste del país. En sus obras recoge las manifestaciones y los movimientos pacifistas y contraculturales de la década de los sesenta, derivados de la guerra de Vietnam o la Crisis de los Misiles, reflejando en sus fotografías un sentimiento de desintegración nacional.

A partir de 1959, abandonó prácticamente todo tipo de trabajo comercial para dedicarse por completo a su carrera como artista, que combinó con la de docente. En 1973 se mudó a Austin (Texas), como profesor de fotografía de la universidad local, para volver a Nueva York solo de visita. En 1978 obtuvo su tercera beca Guggenheim y se trasladó a Los Ángeles, donde vivió durante seis años. En febrero de 1984 le fue detectado un cáncer de vesícula biliar y falleció dos meses después, con tan solo 56 años.

Su trabajo de este último periodo parece visualmente más sencillo que el anterior, contiene menos movimiento y menos desorden. Algunas imágenes tomadas en Los Ángeles evitan por ejemplo los eventos multitudinarios tan significativos en la época y se centran en una única persona o dos, a menudo concentradas en sí mismas.

Desde 1971 Winogrand había dejado de editar sus fotografías confiando en que lo haría cuando volviera a Nueva York. Puesto que no regresó nunca, dejó en el momento de su muerte 4.100 carretes revelados sin pasar a hojas de contactos y 2.500 sin revelar. A pesar de que el artista es más conocido por su obra en blanco y negro, desde finales de los años cincuenta y durante los sesenta realizó más de 45.000 diapositivas a color, una parte de su producción poco conocida y que se presenta en esta exposición por primera vez en España a través de tres proyecciones.

Su modo de trabajar, casi de forma compulsiva, muestra una producción centrada en pequeños detalles o en motivos que a primera vista pudieran parecer irrelevantes, como si el artista estuviera más interesado en las imágenes por cómo transmiten el mundo que por lo que cuentan de él. En 1963, en la solicitud de su primera beca Guggenheim, señaló: «He estado fotografiando Estados Unidos para intentar […] averiguar quiénes somos y cómo nos sentimos, observando nuestra apariencia mientras la historia se producía y se sigue produciendo a nuestro alrededor en este mundo», y expresaba, a la vez, la consternación que sentía al descubrir que los sueños de los estadounidenses son «baratos y triviales» y están construidos sobre «apariencias y fantasías».

Las 169 fotografías que conforman la exposición ponen de manifiesto en su recorrido las contradicciones de una sociedad a lo largo de tres décadas: el encanto y el desencanto, la extrañeza y la alegría, la velocidad y el movimiento, la ironía y la duda. Un trabajo que le llevó a ser considerado «el fotógrafo principal de su generación», tal y como lo enunció John Szarkowski, conservador de fotografía del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York desde 1962 y uno de los personajes más influyentes en la formación del gusto fotográfico contemporáneo, en el catálogo de la exposición «Mirrors and Windows», celebrada en dicho museo en 1978.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

«STRATA» de Laura Van Severen

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centro Cívico Golferichs acoge del 22 de junio al 30 de julio la exposición «Strata» de Laura Van Severen.

Cuando hablamos de residuos estamos acostumbrados a una historia que salta de la A a la Z, de la botella PET al foro polar, o de los residuos mixtos a un punto ciego. Sin embargo, y como consecuencia de un imparable y veloz progreso, ahora contamos con una serie de materiales que la tierra no puede recuperar o que la ciencia no puede transformar de forma eficiente. Los vertederos se han convertido en el escondite de los residuos que no podemos digerir.

Durante muchas décadas (y en algunos países hasta día de hoy), los vertederos han sido el método más barato y común para deshacerse de los residuos. Cuando un vertedero alcanza su capacidad máxima se cubre con capas protectoras, tierra y vegetación, con el objetivo de integrar este nuevo accidente geográfico en el paisaje, donde lo artificial y lo natural convergen en una sucesión de capas superpuestas.

Como consecuencia de este acto deliberado de ocultamiento hemos perdido toda referencia de confrontación con la verdadera acumulación de nuestros residuos. No hay una conexión visible entre nuestros hábitos de consumo y su impacto en el paisaje. Ningún recordatorio, ninguna imagen que permanezca en nuestra memoria que nos alerte ante la próxima compra compulsiva.

Tras la Directiva del Consejo 1999/31/EC implementada en 1999, la UE estableció que el vertido de residuos municipales debe limitarse gradualmente hasta ajustarse al 10% para el año 2035. Esta práctica debería convertirse en un fenómeno marginal dando prioridad a la nueva jerarquía de residuos también conocido como las 3R: reducir, reutilizar y reciclar. Sin embargo, las montañas y socavones que hemos heredado de tantos años de vertederos, visibles o no hoy día, han marcado para siempre el paisaje que nos rodea.

Con el proyecto fotográfico «STRATA» Laura Van Severen muestra el resultado de un encuentro con las heridas abiertas de un sistema ineficaz. Antes de que los desechos queden ocultos y sellados en una burbuja al margen del tiempo, las fotografías nos permiten entrever la estructura interna del vertedero y nos invitan a reflexionar sobre las distintas maneras con que cada uno de los países documentados se enfrenta al objetivo establecido para 2035, siempre en función de su contexto geográfico, demográfico y político.

Fecha: Del 22 de junio al 30 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Manifiesto para la creación de un centro oficial de Fotografía e Imagen

Ayer se presentó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid la Plataforma Centro de Fotografía e Imagen, una asociación sin ánimo de lucro que ha elaborado un manifiesto, apoyado por más de un centenar de miembros destacados de la comunidad fotográfica, entre ellos numerosos premios nacionales, que reclama la creación de un gran centro público que proteja y difunda el patrimonio visual, estimule la creación contemporánea y contribuya a reactivar un sector muy afectado por la crisis económica derivada de la pandemia.

A diferencia de otras disciplinas, y a pesar de varios intentos fallidos en 1995, 2008 y 2010, la fotografía no dispone de un centro específico de titularidad y gestión estatal. De hecho, de los 27 países que forman la Unión Europa solo Chipre, Rumanía, Malta y España carecen de un centro estatal dedicado a la imagen, un dato elocuente que no se corresponde con las políticas culturales propias de la que presume ser la cuarta economía de la Zona Euro.

La plataforma defiende la creación de un centro, de titularidad y gestión públicas, con sede física, cuyos objetivos esenciales sean:

1. Crear un Archivo Fotográfico, de estructura virtual, que preserve nuestro rico patrimonio y nuestra memoria visual común afrontando la gran digitalización pendiente y creando una base de datos de acceso público, integrando y facilitando el acceso a los archivos de las instituciones que ya disponen de los suyos propios sin que por ello pierdan, en modo alguno, su legítima titularidad.

2. Conservar, proteger, promover y divulgar el Patrimonio Fotográfico.

3. Mostrar la diversidad fotográfica desde y hacia España, así como la evolución histórica del medio, desde su aparición hasta la actualidad a través de un relato dinámico, renovado y holístico.

4. Crear un Fondo/Colección estatal de Fotografía y Artes Visuales que complete los actuales vacíos existentes en las colecciones públicas.

5. Crear una biblioteca y mediateca especializada en fotografía histórica y contemporánea.

6. Potenciar la investigación con el objetivo de crear un título de grado universitario en Fotografía e Imagen. Necesitamos un centro que, incentivando estudios y tesis doctorales en colaboración con Universidades y Escuelas de Arte o de Fotografía, sea un espacio de referencia teórico y educativo.

7. Estimular la creación fotográfica y su difusión, tanto en España como en el extranjero, a través de exposiciones y actividades formativas.

8. Impulsar becas, residencias de creación, y ayudas a la publicación así como a la producción de proyectos fotográficos para documentar la realidad social de nuestro país en coordinación con científicos sociales.

9. Crear un portal virtual que recoja y divulgue la cultura fotográfica difundiendo la actividad de instituciones, festivales… fomentando las redes de contacto y vínculos de colaboración a nivel autonómico, nacional e internacional.

10. Crear una plataforma para profesionales con información sobre ayudas, becas o asesoría en materia de Propiedad Intelectual.

Con el objetivo de reunir el mayor número de adhesiones y contar así con el apoyo suficiente de cara a tener una presencia determinante en los ámbitos de decisión, se ha puesto en marcha una campaña de recogida de firmas para que aquellos interesados puedan sumarse a este manifiesto.

Presentación del libro «Fuchina»

El próximo viernes 28 de mayo a las 18h tendrá lugar en la escuela GrisArt la presentación del libro «Fuchina» de David Salcedo. El acto contará con la participación del autor y del fotógrafo Rafa Badia. Para poder asistir es necesario reservar plaza antes del jueves 27 de abril enviando un correo electrónico a info@grisart.com.

El trabajo entronca a la perfección con una larga tradición de fotografía antropológica que se realiza en España. Carlos Pérez Siquier, Cristóbal Hara o Ricardo Cases son fuentes de su legado visual en este trabajo, pero también Koldo Chamorro o Cristina García Rodero que sin usar el color encuentran en las tradiciones españolas fuente de inspiración.

Pero Salcedo va más allá gracias a las posibilidades narrativas que le ofrece la fotografía, jugando visualmente con las imágenes, a partir de pequeñas series y de los diálogos que se establecen entre ellas. Y es en este contexto cuando el autor nos aporta una mirada personal y más fresca ante elementos tan clásicos y atávicos de la cultura española como son la religión, las fiestas populares, el color y los animales.

Fecha: Viernes 28 de mayo de 2021
Horario: A las 18h
Lugar: GrisArt Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez 14, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«Firma» de Paula Artés

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centre Cívic Can Basté acoge del 10 de junio al 29 de julio la exposición «Firma» de Paula Artés.

Una evidencia es que el Estado utiliza una serie de mecanismos más o menos reconocibles con unas intenciones muy claras de ejercer un control sobre la población, para evitar movimientos revolucionarios, y evidentemente a la vez, para que haya una organización en la sociedad y esta no sea un caos.

Le debemos a Michel Foucault, la comprensión de la idea que el poder no solo se localiza en el aparato del Estado, como podría ser por ejemplo el Congreso, sino en otros mecanismos paralelos que funcionan de una forma más cotidiana, fuera de los aparatos del Estado, como por ejemplo, las estructuras administrativas. La Agencia Tributaria sería una de ellas.

La reflexión que plantea Paula Artés con el proyecto «Firma», es repensar el espacio como forma de ejercer el poder. Según Foucault, las estructuras administrativas creadas por el Estado, tienen una función de panóptico sobre la ciudadanía. Foucault y también Farocki, argumentan que hemos pasado a ser una sociedad disciplinada, y que se controla nuestro comportamiento mediante la vigilancia. Actualmente estamos más concienciados que a través del espacio virtual también se ejerce un control, y es por eso, que la autora busca los espacios físicos más consensuados y que tarde o temprano se desvanecerán.

«Firma», pretende profundizar en los aspectos más visibles y a la vez ignorados, que conforman cotidianamente nuestras vidas: ¿Sabemos cuánta información gestiona el Estado respecto a nosotros? ¿Qué uso hace de estos datos?

Fecha: Del 10 de junio al 29 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposició «Margaret Michaelis. Cinc dies pel barri Xino»

L’Arxiu Fotogràfic de Barcelona acull del 14 de maig al 31 d’octubre l’exposició «Margaret Michaelis. Cinc dies pel barri Xino».

L’exposició, comissariada per Dolors Rodríguez Roig, historiadora de l’art, mostra la reconstrucció del fotoreportatge que Margaret Michaelis va realitzar per encàrrec del GATCPAC (Grup d’Arquitectes i Tècnics Catalans per al Progrès de l’Arquitectura Contemporània) en motiu de l’exposició sobre el projecte reformista «La Nova Barcelona» celebrada al subsòl de la plaça de Catalunya el 1934.

Gràcies a un nou estudi sobre Michaelis i el seu període a la Barcelona de la Segona República, l’exposició presenta una nova mirada al recorregut que la fotògrafa va fer per alguns carrers del Districte V durant cinc dies consecutius l’abril de 1934. Dos dels cinc dies va anar acompanyada de membres del GATPAC, i també, entre fotografia i fotografia, Michaelis va aprofitar per captar moments amb la seva càmera Leica partint d’una mirada pròpia i personal.

La selecció de fotografies de l’AFB que es presenta en aquesta exposició, permet revisitar el reportatge alhora que narra aquella aventura, i també confirma la importància i la dimensió històrica de Michaelis i de la seva obra fotogràfica.

Data: Del 14 de maig al 31 d’octubre de 2021
Lloc: Arxiu Fotogràfic de Barcelona, Plaça Pons i Clerch 2 – 2ª planta, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Exposició «11 Fotoconnectades»

El Centre Cívic Cotxeres de Sants acull del 4 al 22 de maig l’exposició col·lectiva «11 Fotoconnectades».

La mostra és una iniciativa de l’associació Fotoconnexió que vol donar visibilitat als treballs de les fotògrafes membres de l’associació i, per aquest motiu, s’ha fet una proposta a totes les sòcies perquè participin en aquesta exposició col·lectiva.

Hi participen onze fotògrafes: Etel Borges Reis, Violeta Cañigueral Casassas, Laura Covarsí Zafrilla, Tatiana Donoso Matthews, Conxi Duro, Christina Guldager, Elisabet Insenser Brufau, Rosa María López Martínez, Núria Martínez Seguer, Noelia Pérez Sández i Francesca Portolés Brasó- que presenten les seves creacions visuals a través de diferents gèneres i tècniques fotogràfiques.

Data: Del 4 al 22 de maig de 2021
Lloc: Centre Cívic Cotxeres de Sants, C/ Sants 79, 08014 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Enfocats 2021

L’Enfocats és el festival anual de fotografia organitzat pel centre cívic Pati Llimona que tracta temes d’actualitat, temes que ens afecten com a societat i els tenim al nostre entorn, en som testimonis i també actors socials. A través de la fotografia social, xerrades i projeccions reflexionem sobre l’actualitat en la seva versió més local i propera.

Enguany, el Festival girarà al voltant del concepte de Llibertat, la crisi sanitària de la COVID-19 ha tornat a posar de manifest que aquest és un dels conceptes més subjectius que existeixen. Mentre que des de l’esquerra llibertària se’ns parla de llibertats col·lectives perdudes i es posa l’èmfasi en els conceptes d’igualtat, autonomia, creativitat, solidaritat i suport mutu, el liberalisme de dretes se centra en l’individu i en els drets econòmics, i ens parla de propietat privada.

Del 13 de maig al 26 de juny l’Enfocats aterrarà al Pati Llimona per tal de compartir de forma plural la realitat actual. Totes les activitats són gratuïtes, encara que alguna d’elles requereixen inscripció prèvia. Per consultar tota la programació i reservar plaça, visita el web enfocats.org

Un total de quatre exposicions ompliran les parets del centre cívic i una cinquena que sortirà de l’antic palau medieval per formar part del paisatge del barri Gòtic. En aquesta edició, la fotografia cobra més dimensió presentant-se en múltiples formats: des de la fotografia més clàssica fins a intervencions urbanes passant per fotopoemes. Les il·lustracions i els audiovisuals complementaran l’experiència visual d’aquest Enfocats 2021.

«Living with Covid» de Paola de Grenet són il·lustracions i fotografies que recullen moltes emocions, fruit de la sensació de no poder sortir de casa. La por al canvi, al contagi, la intensitat compartida amb qui cadascú va conviure en un estat d’aïllament, van inspirar a l’artista a desenvolupar aquest treball i a nosaltres per a que una d’elles es sigui la imatge d’aquesta onzena edició.

La proposta col·lectiva s’anomena «12 Mirades sobre la Llibertat», una exposició en què els i les autores vinculades amb el Pati Llimona ens parlen de les diferents maneres que veuen com hem sigut privats de les nostres llibertats. Hi participen Mònica Parra Ràfols, David Salcedo, Helena Velez Olabarria, Joan Tomás, Mai Oltra, Marcelo Aurelio, Nùria Prieto Escuer, Pedro Mata, Pepe Mateos, Tono Carbajo, Teo Vázquez i Walter Astrada.

«Sols el poble salva el poble» és la mirada amb què el col·lectiu Fotomovimiento vol explicar-nos com moltes persones s’han organitzat a través d’iniciatives comunitàries per tal de donar suport mutu.

«Ficus» és un projecte d’Arnau Sidera que ens parla d’intimitat i llibertat. Dos conceptes que l’autor evoca amb cada imatge i us el mostrarem a través de l’espai virtual del Pati Llimona

«La Europa del Aborigen» és la proposta en format fotopoema, en la que un grup d’amics busca la manera més tradicional que coneixem d’evasió: a través de l’art. Ells són el Víctor Guiu, Víctor Montsó i Pedro Mata.

S’ompliran els carrers del barri amb «Dame aire que quiero vivir», el projecte de l’artista Teo Vazquez. Són retrats des de la reflexió dels canvis quotidians que hem hagut d’adaptar. Un projecte amb la participació de veïnes i veïns del Barri Gòtic que formen part de l’associació Aprenem Junts, que treballa les relacions i els hàbits de les veïnes amb risc d’exclusió social

Es reflexionarà sobre la pèrdua de llibertats a través de la projecció d’»Històries de Quarantena», una selecció de vint curtmetratges que ens parlen dels canvis de costums que s’han generat. Una activitat en col·laboració amb el SOIFF – Certamen Internacional de Cortos “Ciudad de Soria” i La Boca Espai de Cultura. Dimarts 18, a les 19 h. També es podran visionar en loop a la Sala Joan Maragall del 13 al 21 de maig.

No deixem de banda la crisi migratòria i com la pandèmia ha endurit la gestió de les frontereres europees. És per això que el centre cívic acollirà la xerrada «L’èxode a Europa en temps de pandèmia», a càrrec de: Mònica Parra Ràfols, autora del llibre Migrar i Resistir, Sara Montesinos, periodista de l’Agència Talaia; i Bruno Álvarez, president de l’ONG No Name Kitchen. Dijous 20, a les 18.30 h

Data: Del 13 de maig al 26 de juny de 2021
Lloc: Centre Cívic Pati Llimona, C/ Regomir 3, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Presentación del libro «La casa de piedra»

El próximo miércoles 21 de abril a las 18.30h tendrá lugar en la escuela GrisArt la presentación del libro «La casa de piedra» de Marta Sellarés. Para poder asistir es necesario reservar plaza antes del martes 20 de abril enviando un correo electrónico a info@grisart.com.

La casa de piedra es un proyecto que se desarrolla a través del entramado de relaciones establecidas entre lugares e individuos, explorando los imaginarios creados y sentidos, que son una constante en nuestra memoria. Percibido de una forma más o menos consciente, este territorio se manifiesta en nuestro interior a la vez que nosotros nos manifestamos en él, configurando nuestro espacio vital.

De esta manera, este trabajo gira alrededor de los espacios familiares y lo que en ellos sucede. Cada elemento es fotografiado desde un punto de vista autobiográfico, configurando una cartografía emocional de una manera de relacionarse con y en el espacio.

Fecha: Miércoles 21 de abril de 2021
Horario: A las 18.30h
Lugar: GrisArt Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez 14, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposición «Más allá del rostro»

La escuela de fotografía GrisArt acoge del 14 de abril al 14 de mayo «Más allá del rostro», exposición comisariada por Enric Montes e Ivan Ferreres, que reúne una colección de «cartes de visite» de finales del siglo XIX donada por Chris Hewitson a GrisArt.

En 1855 aparece un formato fotográfico que cambiará la forma de entender la importancia de la fotografía como arte, técnica y negocio: la «carte de visite». Un pequeño retrato de formato vertical pegado sobre un soporte rígido, generalmente cartulina, de mayor tamaño que la imagen y que en su reverso contiene datos del autor de la fotografía.

En ese mismo instante, en pleno siglo XIX, esta tipología de retrato fotográfico democratizará la representación del individuo, alejándolo del retrato pictórico dedicado a inmortalizar hasta entonces a las clases aristocráticas.

Con la aparición de las «cartes de visite», las jerarquías de clase se desdibujan: la clase media, artistas, trabajadores y sus familias posan delante de la cámara para perdurar en la posteridad. La distribución universal de estos retratos hará nacer un sin fin de clases emergentes que sobrevivirán fotográficamente al tiempo.

Fecha: Del 14 de abril al 14 de mayo de 2021
Lugar: GrisArt Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez 14, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita