El reconocido fotógrafo alemán Bernd Becher falleció el pasado viernes 22 de junio a la edad de 75 años durante una complicada operación quirúrgica en un hospital de Rostock (Alemania).

Bernd y su esposa y colaboradora Hilla Becher, de 72 años, hicieron de la arquitectura industrial su único objeto de trabajo durante más de cuarenta años, y fueron los precursores de una importante corriente documental, la llamada «Escuela Becher», entre cuyos discípulos se encuentran los fotógrafos Thomas Ruff, Thomas Struth, Axel Hütte, Candida Höfer y Andreas Gursky, entre otros.

Desde finales de la década de los años 50, los Becher centraron su trabajo en la fotografía de la arquitectura industrial: torres de elevación de agua, depósitos de gas, caballetes de extracción, silos de carbón, torres de refrigeración, viviendas obreras, etc… Testimonios en blanco y negro de la era industrial amenazados por la ruina y la demolición, grandes máquinas diseñadas por ingenieros anónimos. El matrimonio estableció una serie de parámetros para que sus sujetos fueran representados desapasionadamente, sin el dramatismo que podría derivarse de una mirada nostálgica, fotografiando las estructuras industriales sistemáticamente desde el mismo punto de vista, siempre con la misma luz y con un cielo completamente blanco que actuaba como fondo neutro.

El sábado 19 de mayo, a las 22:00 h, el espacio DOK de CANAL+ estrena «Annie Leibovitz, una vida a través de la cámara», un recorrido por la vida y la obra de una de las fotógrafas más influyentes y famosas del mundo, responsable de algunas de las imágenes más representativas de los últimos treinta años.

El documental, dirigido por Barbara Leibovitz, hermana menor de Annie, revela por primera vez la intimidad familiar de la fotógrafa, que habla abiertamente de su relación sentimental con la recientemente fallecida escritora y activista política Susan Sontag o de sus problemas con las drogas.

Además, el programa muestra sesiones fotográficas con George Clooney, Julia Roberts, Keira Knightley o Kirsten Dunst y cuenta con entrevistas a familiares de Annie y a destacados representantes de la cultura y la política, como Mijaíl Baríshnikov, Hillary Clinton, Whoopi Goldberg, Mick Jagger, Demi Moore, Yoko Ono, Keith Richards, Arnold Schwarzenegger o Patti Smith.

Colaboradora habitual de prestigiosas revistas como Rolling Stone, Vanity Fair, Life, Esquire o Vogue, Leibovitz es autora de la que recientemente ha sido considerada, por una asociación norteamericana de editores de prensa, como la mejor portada del siglo XX: la del Rolling Stone del 22 de enero de 1981, en la que John Lennon, desnudo, se abraza a su mujer Yoko Ono, y que fue tomada pocas horas antes del asesinato del músico británico.

Aunque su cámara también ha captado los horrores de la guerra (últimamente, en Sarajevo y Ruanda), Leibovitz está consagrada en el mundo de la fotografía como la retratista oficial de famosos, políticos, músicos y deportistas.

Tras el éxito de «Secretary», el director Steven Shainberg presenta «Retrato de una obsesión» («Fur: An imaginary portrait of Diane Arbus»), un retrato de la artista Diane Arbus. Al igual que una fotografía de Arbus nos introduce en un mundo extraño y desconocido, la película nos conduce a través del espejo para explorar la transformación de una mujer tímida en una artista de enorme originalidad. Nicole Kidman encarna a Diane Arbus, una dedicada esposa y madre cuyo talento y oscuras obsesiones chocan con la vida convencional que lleva en la Nueva York de 1958. Robert Downey Jr. da vida a Lionel, un nuevo y enigmático vecino de Diane que la empuja a lanzarse hacia su destino artístico.

Inspirada en el libro de Patricia Bosworth «Diane Arbus: Una Biografía», la película, que se estrena el próximo 4 de mayo, es un homenaje a una brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía gracias a técnicas y temáticas revolucionarias. Steven Shainberg ha optado por desviarse del camino de la biografía convencional para crear una película distinta, misteriosa y singular que mezcla aspectos reales de la vida de Arbus con personajes inventados y una trama imaginaria. Es un modo nuevo de plantear el retrato de una persona históricamente importante y capta el verdadero dilema de una ama de casa de los años cincuenta que se debate entre el amor por su marido e hijas y su necesidad de crear y explorar.

El sábado 24 de marzo, a las 21:30 h, el espacio DOK de CANAL+ estrena «The death of Kevin Carter», un interesante documental del director Dan Krauss sobre el fotógrafo de guerra Kevin Carter.

Kevin Carter formaba parte de un unido grupo de fotoperiodistas sudafricanos blancos conocidos como «Bang Bang Club», cuatro amigos que tomaron algunas de las más famosas fotos de los últimos tiempos del apartheid, cuando el sistema de segregación sudafricano estaba llegando a un violento final. Eran adictos a la adrenalina con una valiente misión: conseguir «la foto», a cualquier precio.

Cada día, Kevin abandonaba la seguridad de los barrios blancos para exponerse a una inimaginable brutalidad. Sus impactantes y duras fotografías (él fue el primero en fotografiar una ejecución mediante el «collar»: un anillo de gasolina alrededor del cuello de una persona al que se prendía fuego) provocaron la indignación general y contribuyeron a la condena mundial del apartheid.

Sin embargo, la foto más conocida de Kevin Carter no llegó de Sudáfrica, sino del sur de Sudán, adonde viajó para fotografiar la hambruna causada por la guerra civil. En el desierto, cerca de un centro de refugiados, se encontró con una terrible imagen: una niña famélica acechada por un buitre. La fotografía se hizo famosa y Carter con ella, pero siempre bajo la presión social de un dilema que él también hizo suyo: ser un simple testigo o un salvador.

Incapaz de quitarse la imagen de la cabeza y con la convicción de que debería haber hecho algo más por la niña que espantar al buitre, al recibir el premio Pulitzer en 1994 declaró: «Es la foto más importante de mi carrera, pero no estoy orgulloso de ella. No quiero ni verla. La odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña». Nada pudo mitigar el dolor de Kevin Carter, que, un par de meses después de recoger el galardón, se suicidó.

PHotoBolsillo, la popular colección de libros de fotografía de La Fábrica Editorial, lleva publicados más de 50 títulos que conforman una gran biblioteca dedicada al estudio de la obra realizada por los fotógrafos españoles más prestigiosos.

PHotoBolsillo ofrece por primera vez la posibilidad de aproximarse desde una perspectiva cronológica a los sucesos que han hecho historia y a los estilos que han dado pie al desarrollo de la fotografía en España. La trayectoria propuesta en esta edición especial de cinco estuches, cada uno con tres títulos representativos, abarca la segunda mitad del siglo XX, el período correspondiente entre los años 50 y 90. Una selección aproximada de sesenta fotografías, prólogo, biografía y bibliografía componen el libro de cada autor. El precio de cada estuche es de 30 €.

En la selección de los años 50 están agrupados Alfonso, Francesc Català Roca y Nicolás Muller; en los años 60: Gabriel Cualladó, Ramón Masats y Ricard Terré; en los años 70: Fernando Herráez, Oriol Maspons y Carlos Pérez Siquier; en los años 80: Alberto García-Alix, Pérez-Mínguez y Miguel Trillo y, finalmente, en los años 90: Vari Caramés, Ouka Leele y Valentín Vallhonrat.

Lunwerg Editores acaba de lanzar la edición española de una de las más importantes colecciones de libros de fotografía de bolsillo. Se trata de la francesa Photo Poche, creada en 1982 por Robert Delpire, por aquel entonces director del Centro Nacional de Fotografía de París. La colección, que consta ya de 140 títulos y de la que se han vendido tres millones de ejemplares en todo el mundo, está dedicada a los grandes nombres de la fotografía. La edición en castellano de esta prestigiosa colección se inicia con la publicación de tres nombres míticos de la fotografía del siglo XX: Henri Cartier-Bresson, Helmut Newton y Sebastião Salgado. Cada libro consta de 144 páginas y tiene una selección de 65 fotografías emblemáticas del artista correspondiente. Además, incluye una breve biografía de cada fotógrafo, una reseña bibliográfica y una síntesis de las principales exposiciones. Todo esto por sólo 11,50 €. Está previsto que cada año se publiquen cuatro nuevos volúmenes y, en algunos casos, habrá una exposición.

El fotógrafo Joe Rosenthal, quien tomó la imagen en 1945 de seis soldados estadounidenses plantando la bandera en la isla japonesa de Iwo Jima, falleció a los 94 años de edad, informó hoy su hija Anne Rosenthal.

La imagen es una de las más difundidas de la Segunda Guerra Mundial y sirvió como diseño para el monumento de la Infantería de Marina inaugurado en 1954 en Arlington, a las afueras de Washington y cerca del Cementerio Nacional militar.

Más de 6.800 soldados estadounidenses perecieron en los combates con las tropas japonesas por el control de esa isla ubicada a 1.200 kilómetros al sur de Tokio.

La captura de la isla era importante para Estados Unidos porque permitiría el uso de pistas para sus aviones bombarderos B-29.

La foto le valió a Rosenthal un Premio Pulitzer, y una encuesta de la Universidad de Nueva York en 1999 la clasificó con el número 68 en un listado de los 100 mejores ejemplos de fotografía periodística del siglo XX.

Unos 30.000 infantes de la Marina de EEUU desembarcaron en febrero de 1945 en la costa de Iwo Jima, defendida por unos 21.000 japoneses. Durante los combates de cuatro días murieron todos los japoneses en una feroz resistencia a los invasores.

La foto que tomó Rosenthal muestra, en realidad, la segunda ocasión en que los soldados plantaron la bandera sobre el monte Suribachi. La primera vez que lo hicieron, los oficiales consideraron que la bandera era demasiado pequeña.

Rosenthal, quien entonces trabajaba para la agencia Associated Press, relató más tarde que dudó en ir a la cima cuando le dijeron que ya se había plantado la bandera estadounidense ahí, pero finalmente fue y encontró que los soldados se preparaban para levantar una segunda bandera más grande.

Pero la toma no fue de una pose: los soldados estaban en lo suyo y Rosenthal levantó la cámara, enfocó y tomó la imagen que se transformaría en uno de los símbolos de la victoria estadounidense en la Segunda Guerra Mundial.

EFE