L’Espai G d’Art de Terrassa acull del 21 de setembre al 18 d’octubre l’exposició «(Re) interpretacions» de José Antonio Soria.

Des de fa temps Soria treballa amb collage, ja sigui partint de revistes originals d’època o directament sobre positius fotogràfics originals, la majoria mantenint el seu propi marc original de l’època. En aquesta exposició, l’autor utilitza l’acrílic per completar, alterar i dotar d’un nou fons a l’obra fotogràfica original. No hi ha història ni narració, sinó una successió d’estampes sorprenents i inconnexes, però això sí, unides per la coherència estètica.

Són obres que es basen en la mixtura (obra fotogràfica i acrílic), on els personatges originals es converteixen en éssers amb una altra personalitat, fan una mutació cap un altra forma de ser. Aquests nous éssers, semblen surar sobre una altra realitat paral·lela, on sembla que sobreviuen en perfecta harmonia amb l’entorn monocrom del seu context original, com alliberats del temps que els atrapava.

A l’exposició es mostren també dos llibres de “cadàver exquisit”: Un primer llibre realitzat amb la col·laboració de Glòria Vilches, creat partint de material original, utilitzant el collage i manipulat sobre un quadern moleskine, i un segon llibre amb la col·laboració de Lídia Moreno utilitzant la mateixa metodologia. També es mostra el vídeo clip musical «El mort i el degollat» realitzat en la tècnica stop-motion amb collage, creat per promocionar la cançó del disc «No os creáis ni la mitad» de Nacho Umbert & La Compañía.

Data: Del 21 de setembre al 18 d’octubre de 2013
Lloc: Espai G d’Art, C/ de la Palla 10, 08221 Terrassa (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El Punt Multimèdia acull del 2 al 26 d’octubre una exposició d’alguns dels projectes finals del curs de postproducció professional impartit a GrisArt-Escola Superior de Fotografia. La mostra recull els treballs «Reminiscencia» de Sandra Zapata, «Sixties» de Xavier Sivilla, «Silencio» de Stefania Vara i «Mármol» de Juan Carlos Luengo.

Les quatre sèries exposades tenen la figura humana com a motiu principal, però cadascuna la utilitza amb significats ben diferenciats. «Reminiscencia» i «Sixties» comparteixen el poder evocatiu de la fotografia. La primera és una sèrie intimista on passat i present coexisteixen, i la segona recrea l’estètica de la fotografia de moda dels anys seixanta. Pel que fa a les altres dues sèries, podem trobar d’entrada connexions estètiques, però a «Silencio» es fa referència al món interior dels sentiments mentre que a «Mármol» s’emula l’aparença externa de les escultures clàssiques de marbre.

Data: Del 2 al 26 d’octubre de 2013
Lloc: Punt Multimèdia, C/ Muntadas 5, 08014 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El proper dilluns 1 d’octubre a les 20h s’inaugura l’exposició fotogràfica col·lectiva dels alumnes del curs III de Fotografia Comercial i del curs II de Fotografia Creativa de la temporada 2012-2013 de Fotoespai Barcelona Centre d’Imatge, amb els treballs d’Alejandro Pérez-Pérez, Bernardí Bayarri, Josep Tamarit, Mar Fernández, Marta Serra, Queralt Aloy, Rocio Montserrat, Sergi López, Irina Llopart, Andreu Ribas, Josu Aguirre, Sabine Bernardino i Xavi Perich.

Data: De l’1 al 31 d’octubre de 2013
Lloc: Fotoespai Barcelona Centre d’Imatge, C/ Coroleu 74, 08030 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Kowasa Gallery inaugura el próximo martes 1 de octubre a las 19:30h la temporada 2013-2014 con «Chiaroscuro: Luces y sombras en la fotografía», una exposición colectiva que reúne un conjunto de 60 fotografías en blanco y negro de algunos de los autores más destacados del fondo de la galería.

Inicialmente desarrollada en la pintura, la técnica del claroscuro ha constituido el referente-base del lenguaje fotográfico. Contrastes altos y tonalidades extremas, superficies diáfanas que se diluyen en la luz del día y cuerpos ensombrecidos son algunos solo de los recursos que explora con avidez la fotografía en todas sus vertientes y manifestaciones –la abstracción, el retrato, el género documental. Todo ello, cobra forma aquí mediante la obra de autores tan consagrados como Frantisek Drtikol, Ralph Gibson, Yamamoto Masao, Rafael Navarro, Miroslav Rössler, W. Eugene Smith, y otros.

El claroscuro es una técnica pictórica que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar algunos elementos de un modo más efectivo. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo. En la era moderna, tanto el cine como la fotografía se la apropiaron para sus propios fines, explorando al máximo su dimensión expresiva: el cine, con el expresionismo alemán y el film noir (cine negro), y la fotografía, en una serie de manifestaciones, algunas de las cuales pueden verse en la presente exposición.

Como puede comprenderse, el impacto del legado pictórico y del pictorialismo fue un factor muy decisivo para la popularidad de que ha gozado siempre la práctica del claroscuro en los géneros del retrato y del desnudo. Maestros de la fotografía documental como Eugene W. Smith utilizan la técnica para intensificar el dramatismo de las escenas que capturan con su cámara. Tanto E. W. Smith como Jaroslav Rössler y Frantisek Drtikol emplean en sus retratos las luces y las sombras, aplicando las lecciones de los grandes maestros de la pintura a la hora de puntuar la dimensión psicológica de su encuadre y de facilitar un desenlace dramático contundente.

Para los creadores modernos de las vanguardias fotográficas del siglo XX, que abogaban por el carácter puro e innovador del nuevo medio, el claroscuro se convierte en un símbolo de la nueva visión. Es sobre todo en el campo del fotograma donde se puede apreciar la versión fotográfica del claroscuro, es decir, su inserción y su nuevo lugar en el lenguaje monocromático de la fotografía. El fotograma permite obtener fotografías sin la utilización de la cámara, con la ayuda de la luz que incide directamente sobre los objetos y deja su huella sobre el papel sensible, invirtiendo los tonos y creando una imagen-negativo. Precisamente en la primera mitad del siglo XX, con la eclosión de los movimientos de vanguardia, los artistas recuperan esta técnica para subvertir el lenguaje fotográfico. Es también entonces cuando se reinventa la noción clásica y convencional de claroscuro, el cual se reformula en su concepción puramente fotográfica —una concepción de carácter formal que se aleja del artificio dramático en favor de una experimentación que juega con la ambivalencia tonal, las transparencias y los volúmenes y resalta la estructura de los contornos dibujados por la luz. Desde el blanco celestial que diluye la composición hasta la densidad del negro, esta nueva visión se fundamenta en la presencia o ausencia extrema de la luz, plasma un universo nuevo alejado de lo real y aporta una nueva dimensión a los objetos: objetos iluminados o ensombrecidos irreconocibles, sumidos en el negro en los dibujos fotogénicos de Peter Keetman, Willy Kessels y Heinz Hajek-Halke, o diluidos en el blanco en los fotogramas de Floris Neüsuss y György Kepes. Una visión más contemporánea en la misma línea puede encontrarse en los fotogramas de Aleydis Rispa en su serie “Basura espacial”.

En el ámbito del cuerpo, la transcripción del claroscuro es un recurso recurrente a la hora de envolver el cuerpo con sensualidad, misterio y espiritualidad como se puede apreciar en las fotografías de autores contemporáneos como Irina Ionesco y Joan Colom. En la evocativa imagen “Serious Marilyn” (1954), de George S. Zimbel, el claroscuro se identifica con una percepción más íntima que cobija un sentimiento de desamparo y aislamiento. Por otro lado, autores vanguardistas como Frantisek Drtikol optan en sus desnudos modernistas de los años veinte por minimizar sus efectos dramáticos y emplear los extremos de las tonalidades para convertir el cuerpo y la luz en componentes geométricos de un espacio minimalista de carácter cubista. De un modo similar, en el rostro de mujer de Ralph Gibson (1982) y en la serie “Formas” (1975) de Rafael Navarro la luminosidad predomina en el juego de luz y sombras para dar lugar a una representación abstracta, bidimensional y artificial en su esencia. Estos últimos trabajos parecen someter la tradición y sus iconos a los neones de la modernidad, aportando así una interpretación más contemporánea del claroscuro. Mientras tanto, las reflexiones sobre el proceso fotográfico siguen ahí, y llegan a alcanzar puntos extremos con los retratos solarizados de Valentín Vegara (María, 1998) y B. Davis (S/T, 1948). Lejos de ser un elemento de contenido, el uso del claroscuro es aquí puramente formal. Evoca la tensión entre el negativo y el positivo de la imagen fotográfica, subrayando la mediación inevitable de la cámara entre el mundo externo y nuestro ojo.

Con la ambivalencia tonal que proporciona, el claroscuro se emplea hoy de forma generalizada en todos los campos de la fotografía en blanco y negro como un vehículo de subversión de la mirada. Como un integrante más del lenguaje fotográfico, enriquece nuestra percepción de la realidad. En los bodegones de Valentín Vegara, la incursión de la luz contra el objeto alterado en sus proporciones aporta un resultado visual insólito. Artistas como Gilbert Garcin emplean los contrastes abruptos entre la luz y la sombra como un elemento puramente arquitectónico en sus puestas en escena, minimizando cualquier efecto dramático. Otros, como Manuel Serra y Lynn Stern, describen su impacto emocional a través de secuencias de imágenes que describen el paso de la luz a la solemnidad de la sombra, del positivo al negativo y, viceversa, de la materialidad de la película a lo intangible de la luz.

Por último, la fotografía, preservando siempre su nexo indiscutible con la realidad, ha aportado una concepción más amplia y creativa del claroscuro. Impregnada del humor y del punto de vista del autor, la realidad asume un nuevo papel y el juego de luces y sombras se convierte en un juego más genérico entre la luz y la noche, el blanco y el negro, los polos opuestos de la vida misma y sus guiños, como se puede observar en las piezas de Oriol Maspons, Hiro Matsuoka y Manuel Serra.

Fecha: Del 1 de octubre al 23 de noviembre de 2013
Lugar: Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El espacio 2 de Kowasa Gallery inaugura el próximo martes 1 de octubre a las 19:30h la exposición «1994» del fotógrafo David Salcedo.

«1994» recoge fragmentos de la realidad y los transforma en un cuento visual abstracto y evocador. La memoria personal y el viaje por un tiempo finito cobran cuerpo mediante un lenguaje visual sumamente personal e idiosincrásico que refuerza la concepción de una fotografía fantasmal y expresiva. De la serie, que consta de más de una treintena de fotografías, se presenta en esta exposición una selección de quince imágenes en blanco y negro.

Salcedo huye de lo tangible y busca capturar dentro de sus encuadres sombras, espejismos y huellas. Lejos de estar dirigida por un documentalismo directo, su mirada queda distorsionada por la lente de la cámara, que intenta en vano aferrarse a lo real. Objetos, historias mínimas y elementos del mundo natural plasman una narración elíptica que recoge sensaciones y emociones del momento para evocar el viaje universal. La luz/contraluz es el catalizador de la percepción en estas imágenes, que, aunque nos dejan intuir algo sobre presencias y ausencias, colocan la figura humana en un segundo lugar.

Salcedo retoma en “1994” el hilo de sus trabajos anteriores, que abordaban los temas de la memoria, la niñez y el trauma. Tal como mostró en “Belchite” (2010), para él incluso los grandes retos de la historia entran en la esfera de lo personal y de lo íntimo. Aquí, la presencia de estos detonantes es aún más marcada, en una serie que, según confiesa el autor, contiene elementos autobiográficos. Construida a base de un lenguaje atmosférico, casi cinematográfico, “1994” explota al máximo los recursos de la fotografía en blanco y negro, empleando a la vez como claros referentes en su desenlace narrativo a maestros del medio como Bernard Plossu y David Jiménez.

Fecha: Del 1 de octubre al 23 de noviembre de 2013
Lugar: Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La galería H2O inaugura mañana jueves 26 de septiembre a las 20h la exposición «Mucha Mierda» de la artista Camila Cañeque.

Una vez al año, la celebración se abre paso ocupando el espacio público con un propósito colectivo, ya sea como mera válvula de escape, como acto de memoria y apología de las costumbres, como ilusión de unidad y pertenencia, o como la oportunidad para evocar un ideal identitario.

El proyecto parte de la voluntad de retratar un territorio y su cultura en el momento de su auto-celebración, justo cuando acaba la fiesta, pero antes de que todo vuelva a la normalidad. «Mucha Mierda» es otro espejo de un espacio y de un tiempo, de un país a lo largo de un año, un país que destaca, entre otras cosas, por sus fiestas y que, actualmente, parece estar sumido en una importante resaca fruto de una gran fiesta.

Fecha: Del 26 de septiembre al 22 de octubre de 2013
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

L’Agrupació Fotogràfica de Catalunya inaugura el proper dijous 3 d’octubre a les 19:30 h l’exposició «Fràgils» de la fotògrafa Lola Montserrat.

Extrets del temps, breus moments de la seva existència es fan eterns en aquestes imatges captades amb una, també fràgil i antiga tècnica, el col·lodió, que ens convida a contemplar aquest treball des d’un punt de vista molt allunyat de les nostres referències actuals. Es confirma així el pas del temps. La vida i la mort. L’etern futur i la transformació inevitable que ens permet viure. Aquesta és la bellesa d’aquestes imatges: el secret que mai podrem posseir.

Data: Del 3 d’octubre al 10 de novembre de 2013
Lloc: Agrupació Fotogràfica de Catalunya, C/ Duc 14, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La asociación Photosagrera inaugura el próximo viernes 27 de septiembre a las 19:30h en el Espai 30 la exposición «El único problema es quererte quedar» del fotógrafo Pau Vinyes.

La presente muestra fotográfica pretende ser una aproximación a una realidad con constantes cambios sociales y culturales. Colombia es un país de contrastes, desde la selva amazónica, los Andes pasando por la costa del Pacífico y del Caribe. Estos contrastes nos demuestran la diversidad del territorio y nos describen varias almas. También, una sociedad rota por la desigualdad social entre pobres y ricos y una casi inexistente, pero en un futuro no demasiado lejano de carácter creciente, clase media. Estas imágenes quieren ser un homenaje a los hombres y mujeres que dan vida en un estado denominado por azares de la historia: Colombia.

Fecha: Del 27 de septiembre al 13 de octubre de 2013
Lugar: Espai 30, C/ Hondures 28-30, 08027 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Hay familias que nos resultan tan cercanas como la nuestra, aunque no hayamos conocido personalmente a ninguno de sus miembros. Los Kennedy, la saga más aristocrática de los Estados Unidos, ocupa un lugar destacado en nuestro álbum de recuerdos. Vemos sus fotografías y somos capaces de identificar a todos los retratados, recordar los trajes de Jackie y dejarnos llevar por los recuerdos de los momentos más importantes de sus vidas porque nosotros los hemos vivido con ellos, en tiempo real, acompañándolos generación tras generación, gracias a la inmediatez mediática a la que nos acostumbró el siglo XX.

Coincidiendo con el 50 aniversario del asesinato de John Fitzgerald Kennedy en Dallas, la galería Loewe presenta la exposición «The Kennedys» del fotógrafo Mark Shaw. Gracias a su indiscreta y oportuna cámara podremos adentrarnos en el despacho oval y recorrer la Casa Blanca no sólo como lo hacían las visitas institucionales, sino también como lo vivieron los miembros de su círculo más íntimo.

Entre 1960 y 1963, Mark Shaw acompañaría a los Kennedy constantemente, plasmando momentos públicamente victoriosos -como las elecciones de 1960 que catapultaron su futuro- y trágicos, como su asesinato, que también significó para el fotógrafo el final de su reinado y su salida del escenario mediático.

La hermosa y poderosa Jackie ocupando el trono de su marido, acompañada de sus hijos o ejerciendo su mejor papel: el de dama de América siempre impecable, con esa mezcla de inaccesibilidad y cercanía imposible en otra mujer que no tuviera su sonrisa y su porte.

Gracias a estos robados consentidos de Shaw nos sentimos uno más en la casa; ya sólo nos faltará por inspeccionar los otros instantes, los que John Fitzgerald Kennedy nunca contó y que hoy sabemos que el tiempo convertirá en mera anécdota; si Shaw no estaba allí para fotografiarlos, es porque para el mundo nunca sucedieron.

Fecha: Del 4 de septiembre al 16 de noviembre de 2013
Lugar: Galería Loewe, Passeig de Gràcia 91, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El centre cívic Can Basté inaugura el proper dijous 26 de setembre a les 20h l’exposició «The Believers Project» del fotògraf Jordi Pizarro.

«The Believers Project» és una forma d’apropar a la societat les diferents religions del nostre món contemporani explicades a través de diferents pelegrinatges místics. Fer palpable alguna cosa tan intangible com la fe humana per unir a tots els personatges de diferents països i cultures sota un mateix afany, ells són els creients. Un projecte visual cap a rutes llunyanes i desconegudes a través d’un mapa antropològic 2.0.

Data: Del 26 de setembre al 9 de novembre de 2013
Lloc: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galeria Alex Telese inaugura el proper dijous 26 de setembre l’exposició «Temporal_Ment» de Lluís Estopiñan.

Al llarg de la història, pensadors de totes les èpoques han reflexionat sobre el concepte de temps. Durant l’antiguitat, es relacionava amb l’espai i els successos, com un fluir entre l’abans i el després de cadascun dels esdeveniments. Per a la filosofia moderna i contemporània, el temps és una idea lligada a la pròpia percepció de l’individu, un concepte en estreta comunió amb l’experiència humana. Seguint aquesta darrera línia interpretativa, el treball d’en Lluís Estopiñan es fonamenta en l’exploració del temps com element vertebrador de la seqüència vital de l’ésser humà. La vida com un interval de temps.

A “Cronos Vs. cromos”, l’artista s’interroga sobre l’avançament continu dels fets i la relació entre el passat, el present i el futur. Es tracta d’una sèrie de díptics que mostren, a la part superior, imatges de barreres que funcionen com una al·legoria de la línia divisòria entre el present i el futur, una frontera sempre oscil·lant movent-se cap endavant. A la part inferior de la composició, la mateixa imatge és reduïda i tranferida a una altra superfície, essent que l’artista hi intervé mitjançant traços i grafismes, com petjades sinuoses que l’experiència vital ha anat deixant en el temps.

La sèrie “Periple perible” agrupa un conjunt de lomografies, cadascuna composta per quatre imatges captades seqüencialment en un interval de dos segons. Mitjançant el moviment de la càmera, es modifica de manera lleugera l’enquadrament entre cadascun del trets fotogràfics, fent així referència a la transitorietat del periple vital. Els elements retratats suggereixen possibles camins, però també barreres i obstacles que hom pot trobar al llarg de qualsevol recorregut. Els enquadraments en fuga d’aquestes instantànies accentuen la sensació de moviment i pas del temps.

De manera anàloga, la sèrie “Intemporal” està composta per imatges executades al moure la càmera durant el tret fotogràfic, amb la intenció de captar un lapse de temps. Realitzades en un interior il·luminat, s’hi pot observar una seqüència que repeteix les xifres “08”, preses de la pantalla d’un televisor. Les línies luminescents ens evoquen novament la idea de fugacitat dels esdeveniments, i la noció de temps al·ludeix aquí a un idea major: que el temps cosmològic empetiteix, per contrast, el temps humà llevant-li importància. Per la seva banda, les xifres fan referència a la idea d’origen i fi del temps, essent que el “0” representa un punt d’inici i el “8” un punt final, per bé que aquest últim es pot interpretar també com un doble punt, o com una alteració del símbol infinit.

Data: Del 26 de setembre al 25 d’octubre de 2013
Lloc: Galería Alex Telese, C/ Palla 11, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta