De camino a la charla pensaba “el pesado de Cartier-Bresson otra vez ¿no hay otro de quién hablar?” pero como el ponente era Pepe Baeza me anime a ir y valió la pena, la ponencia fue amena y el tema me ha hecho revisar todo lo que pienso sobre fotografía.

La fascinación que todo el mundo parece tener por Henri Cartier-Bresson me tiene harto. ¿La fotografía solo es un instante? William Klein decía la vida de un fotógrafo son unos segundos, la suma de cientos de instantes a 1/125s. ¿Cuántas fotografías llegas a conocer de un fotógrafo? Se preguntaba ¿Cuanto conoces de su vida 1 segundo, 2…?

Entiendo que cierto tipo de fotografía se rinde al momento, pero el culto a HCB me parece desproporcionado. Cuando vi por primera vez A View From an Apartment me fascinó, más lo hizo cuando me enteré que Jeff Wall había alquilado el piso y hecho vivir a una de las modelos en él por casi un año para hacer la fotografía. Definitivamente hay más en la fotografía que “el instante decisivo”.

Pero esta “rabia” proviene más de la marca HCB que de su fotografía o su pensamiento. Siendo realistas sin marketing nada tiene éxito y HCB hizo un excelente marketing de su trabajo, tanto que se convirtió en un Dios de la fotografía y eso me molesta.

Una de las frases de Pepe fue lo que acabo de desatar mi furia, una recurrente en las charlas y en todas las conversaciones “artísticas” relacionadas a la fotografía: “la coherencia”. ¿Qué es ser coherente? Por lo que he llegado a entender ser coherente es algo así como ser inútil, es decir, hacer lo mismo durante toda la vida, y, además defenderlo. Una cosa es trascender por una etapa de tu desarrollo artístico, como podría ser el cubismo, pero otra, muy diferente es haber utilizado solo una técnica durante toda tu carrera. Si después de 10 años de hacer lo mismo no lo haces mínimamente bien o no te has inventado un “discurso” para venderlo es que eres demasiado inútil, es decir, que no llegas ni a ser coherente.

¡Ah! Por cierto, ¡Cindy Sherman también es coherente! Y es aún más inteligente, deja que el discurso se lo escriban mientras sigue jugando a disfrazarse frente a la cámara, como lo hacía por hobby en las fiestas de adolescente…

Todas estas rabietas tienen un cosa en común, el mercado del arte. Ser “coherente” es la única manera de ser vendible. El mercado es corto de vistas, no entiende sino es capaz de encasillar. Haz de tener “un estilo”, “ser reconocible”, “ser marca” y la mejor manera de conseguirlo es hacer siempre lo mismo.

Guillermo, victima contestataria de mis dudas existenciales, me dijo que buscaba genios no fotógrafos… vamos, que “se me iba la perola”… Tal vez pido demasiado. Es que soy de los que creen en la búsqueda, estoy acostumbrado a ver retrospectivas de artistas que han hecho de todo en su vida y durante toda su vida.

¿Qué pasaría si Metálica se pusiera a tocar Sardanas? ¿Les dejarían? ¿Sabrían? Tranquilos la discográfica no les dejará.

Lo que no me esperaba era la relación con el budismo, eso cambio mi relación de aburrimiento-odio a una de amor-odio con HCB. Esto es lo que me hecho publicar la entrada con tanto retardo. Pepe ha conseguido que me lea Fotografiar del natural y Zen en el arte del tiro con arco y medite sobre cómo fotografío, cómo miro, he mirado y quiero mirar. El resultado es Fotografía intuitiva.

Desde pequeño me han educado a trabajar en equipo. En la escuela, desde los 9 años, la mayor parte de los trabajos eran grupales. Llegando al punto que en la universidad algunas asignaturas solo evaluaban el resultado del equipo con finales grupales.

De esta larga experiencia de trabajar con muchas personas llegué a una conclusión: todos los equipos de trabajo han de ser mixtos, a ser posible 50/50. Y no se trata de una reivindicación feminista y oportunista, sino de la búsqueda de la excelencia, de los mejores resultados.

Partiendo de la base del conocimiento profundo de un tema ningún hombre sería capaz de aportarme una idea que yo no fuera capaz de tener. En cambio, una mujer, siempre sería capaz de encarar el mismo problema, con los mismos datos de una forma completamente diferente y mostrarme un camino que jamás hubiera podido imaginar.

Para muchas personas Julia Margaret Cameron es eso: el camino que jamás hubiera podido imaginar ningún fotógrafo de su época.

Es harto conocido la tendencia que hay entre los hombres de buscar el mejor objetivo, el más preciso, el enfoque más rápido, etc., etc., etc… por suerte hay fotógrafas que no se preocupan de estas tonterías. Lamentablemente en nuestra comunidad aun vemos pocas photobloggers…

Esto era lo que pasaba por mi cabeza cuando veía los retratos de Julia en la charla del martes pasado.

En junio de 1980 tuvieron lugar las Primeras Jornadas de Fotografía Catalanas. Un grupo de jóvenes activos e interesados en el desarrollo de la fotografía en Cataluña las organizaron. Entre ellos encontramos nombres como Lluis Bover, Joan Fontcuberta, Mercè Hervas, Josep Rigol, Manel Ubeda, Enric Viciano, Carlos Bosch, Jordi Bover, Enric Carmona, Manel Esclusa, Genís Muñoz, Manel Serra De Rivera, Idili Tàpia y Carlos Velilla.

28 años después la Generalitat de Catalunya convocó las segundas jornadas en el marco de SCAN’08.

He seguido con interés el desarrollo de SCAN, pero me parecía indispensable contar con los resultados de las primeras jornadas para acabar de ver la importancia y trascendencia de las segundas por comparación con las primeras y con las acciones que, espero, se tomen como consecuencia de las recomendaciones de las mesas segundas.

He tenido la suerte de que Manel Úbeda me prestase un ejemplar del Dossier de las Jornades Catalanes de Fotografía editado en 1981 y que resume las conclusiones de las jornadas de 1980.

Se trata de un documento de 112 páginas que solo está en papel y he escaneado.

He subido:

• PDF de baja resolución (13Mb)
• PDF a 300dpis (221Mb)
• .doc resultado de una conversión a texto de las imágenes escaneadas (OCR)
• Imágenes de las páginas individuales a 600dpis (197Mb)

El PDF de baja resolución es una opción de descarga rápida para consulta, pero os recomiendo bajar el de 300dpis si queréis una buena copia impresa. El resultado del OCR no es perfecto pero puede servirle de ayuda a quién tenga que citar los textos, siempre, verificando previamente con los PDFs. La imágenes a 600dpis pueden ser útiles para quienes tenga mejores aplicaciones de OCR.

Picasso le escribía a un amigo “la fotografía nos ha liberado, los pintores ya no tenemos que preocuparnos del sujeto”. ¿Será la fotografía una de las madres del cubismo?

Me permito una nota de delirio al referirme a un fotógrafo surrealista al paso de dejar una cuestión que siempre me ha molestado ¿porqué siempre se habla de los grandes fotógrafos de principio de siglo como pintores fracasados y nunca se menciona la importancia de la fotografía en el desarrollo de un nuevo lenguaje pictórico y artístico?

En la charla de la semana pasada, Victoria Combalia, nos contó que Man Ray no vendía cuadros por lo que acabó haciendo fotos… y curiosamente llegó a vivir bien de la fotografía. Cuando llegue la charla de Cartier-Bresson dos cuartos de lo mismo, y ni hablar de Robert Frank a quién se suele adjudicar la frase “la fotografía es el arte de los vagos”.

Desde luego, no era este el tono de Victoria Combalia, quien nos acercó a la vida y obra de Man Ray. Como en la reseña anterior, estas eran las cosa que pasaban por mi cabeza mientras escuchaba y que quería compartir con vosotros.

Antonio Ansón comentaba en la primera charla el curioso hecho de que muchos de los fotografos más reconocidos no se creían fotógrafos, ni artistas.

¿Creéis que la fotografía es el arte de los vagos? ¿Porqué cuando nos cuentan la historia del arte intentan a toda costa obviar que la fotografía también ha influido en la pintura?

Desde que nos caímos del Edén, dejando de pintar cuadros de santos, el comercio reemplazó a la iglesia como fuente de ingresos del arte. La ciencia ya se había caído antes por su maldita costumbre de contradecir dogmas. La democracia, la ciencia, el comercio y el arte son lo pilares, los padres o los fundamentos de la fotografía.

Daguerre no era fotógrafo, era algo más importante en ese momento: un hombre capaz de convertir una visión en una realidad comercial que cambió el mundo.

Daguerre cogió una idea de otro, la mejoró, la patentó, logró que le subvencionaran poniéndose una bandera y creó un mercado que monopolizó en su país. De paso, cambió la historia, pero no creo que él estuviera pensando en eso. Se me ocurre más algo como “He tenido un sueño: un daguerrotipo en la chimenea de cada familia”. Daguerre, y más tarde Kodak, son los Bill Gates de la fotografía.

Es cierto, si no hubiera sido él, alguien más lo hubiera conseguido, porque la fotografía era una necesidad de la sociedad de ese tiempo. Había que encortar la manera de perdurar en el tiempo sin que se tuviera que usar oleos, sesiones de horas y un “artista” dedicado. Eso era caro y muy elitista. Los tiempos modernos necesitaban algo al alcance de todos: barato, rápido y estándar. Necesitaban fábricas de imágenes.

Lo curioso del fenómeno daguerrotipo ocurrió en los Estados Unidos, donde las patentes francesas no eran válidas. Allí, el daguerrotipo se popularizó más que en Europa y se crearon verdades fábricas de retratos donde todos podían conseguir su daguerrotipo por casi nada.

Ayer nos encontramos Maribel, Benjamín, Oscar y el que escribe en el Espai Cultural Caja Madrid para asistir a la primera charla del ciclo “Iconos, maestros de la fotografía en imágenes”, estas eran algunas de las ideas que pasaban por mi cabeza cuando escuchaba a Antonio Ansón y he querido compartirlas con vosotros. La charla fue muy motivadora.

Para los interesados en la historia de la fotografía, sin miedo al inglés, os recomiendo el podcast History of Photography Podcasts de Jeff Curto. Se trata de grabaciones de sus clases de Historia de la Fotografía en Collge du DuPage.