KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre la exposición «The Brown Sisters» de Nicholas Nixon.

La fotografía constituye uno de los ejes fundamentales de la programación de exposiciones y de la política de adquisiciones de Fundación MAPFRE. Su colección, iniciada en 2007 y centrada sobre todo en la segunda mitad del siglo XX, tiene como principal objetivo la fotografía artística, especialmente, aquella que se inserta en la tradición documental.

La serie de «Las hermanas Brown» de Nicholas Nixon fue la primera adquisición significativa de Fundación MAPFRE y señalaba la que sería una de las principales señas de identidad de la colección: el interés por el retrato.

Nicholas Nixon es uno de los autores que más ha explorado el retrato y la fotografía social desde los años setenta. El tiempo, la fragilidad humana y el abandono son temas recurrentes en su obra. El humanismo y el interés por representar su propia relación con el mundo se refleja en varias de sus series, como las centradas en los ancianos que viven en asilos o en los enfermos terminales de sida, pero en particular en la más conocida de todas: la dedicada a «Las hermanas Brown». La proximidad que transmiten sus imágenes, la evocación de un sentimiento que traslucen, hacen que afloren en el espectador profundas emociones.

«Las hermanas Brown» se encuentra a medio camino entre la objetividad documental y la intimidad emocional. Acompañamos a esta familia desde su juventud a la madurez; somos espectadores privilegiados de su lento envejecer. La serie se convierte así en un metódico anuario, pero también en un inteligente y poderoso ensayo sobre el retrato y el paso del tiempo. Nixon explota aquí con naturalidad una de las cualidades primarias de la fotografía: la nostalgia que provoca su capacidad de detener el tiempo y que hace de esta disciplina un arte capaz de mostrar la implacable vulnerabilidad de las personas, el paso irremediable de la vida.

La serie, desde su inicio en 1975, comparte algunas constantes formales. Para su realización, Nixon viene utilizando una cámara de 8 × 10 pulgadas (20,3 × 25,4 cm), formato hoy en desuso, pero al que se mantiene fiel por la notable calidad de los resultados que obtiene. En cuanto a la forma de captar a las hermanas, estas aparecen siempre en el mismo orden: el que ocuparon por azar la primera vez que fueron fotografiadas, y ocasionalmente en pose frontal, mirando a la cámara. Por lo general, las fotografías se realizan en exteriores, aprovechando una luz natural que inunda toda la composición. La perfección técnica, precisión y claridad de las imágenes hacen de esta serie una obra maestra, que entronca perfectamente con la tradición del formalismo de la fotografía americana del siglo XIX.

Estas fotografías están cargadas de significados, pero, ante todo, el tema principal es el tiempo, que se nos escapa inasible y que provoca en el espectador una emoción en la que el recurso a la repetición –que enlaza con la serialidad desarrollada ampliamente por las vanguardias– consigue un efecto narrativo por acumulación, de manera tranquila, sin dramatismos. La serie nos muestra una escena privada, familiar –la mujer y las cuñadas del artista–, pero en la sucesión de las imágenes descubrimos que hay una aproximación personal a una de las protagonistas, a Bebe, la segunda por la derecha, la que siempre mira a la cámara, a Nick. «Las hermanas Brown» es también un homenaje a una persona extraordinaria que ha acompañado a Nixon en la aventura de la vida.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

KBr Fundación MAPFRE acoge del 11 de junio al 5 de septiembre una exposición retrospectiva de Garry Winogrand.

Garry Winogrand nació en el barrio neoyorkino del Bronx en 1928. Tras estudiar en la Universidad de Columbia, donde tuvo como compañero de estudios al fotógrafo documental George S. Zimbel, con el que trabó amistad, se incorporó como fotoperiodista a Pix Inc., una agencia que proporcionaba imágenes a revistas ilustradas de noticias. A partir de 1954, bajo la tutela de la agente Henrietta Brackman, el artista comenzó a vender sus fotografías a revistas de ocio como Collier’s, Look, Pageanty Sports Illustrated. Con una cámara de 35 mm y un flash solía capturar a deportistas en acción, músicos o actores durante sus actuaciones, así como la energía de la vida nocturna en Nueva York. A partir de 1955, impulsado por un interés personal, se embarcó en distintos viajes a lo largo y ancho de Estados Unidos. Recorrió Los Ángeles, San Francisco, Dallas, Houston, Chicago, Ohio, Colorado y el suroeste del país. En sus obras recoge las manifestaciones y los movimientos pacifistas y contraculturales de la década de los sesenta, derivados de la guerra de Vietnam o la Crisis de los Misiles, reflejando en sus fotografías un sentimiento de desintegración nacional.

A partir de 1959, abandonó prácticamente todo tipo de trabajo comercial para dedicarse por completo a su carrera como artista, que combinó con la de docente. En 1973 se mudó a Austin (Texas), como profesor de fotografía de la universidad local, para volver a Nueva York solo de visita. En 1978 obtuvo su tercera beca Guggenheim y se trasladó a Los Ángeles, donde vivió durante seis años. En febrero de 1984 le fue detectado un cáncer de vesícula biliar y falleció dos meses después, con tan solo 56 años.

Su trabajo de este último periodo parece visualmente más sencillo que el anterior, contiene menos movimiento y menos desorden. Algunas imágenes tomadas en Los Ángeles evitan por ejemplo los eventos multitudinarios tan significativos en la época y se centran en una única persona o dos, a menudo concentradas en sí mismas.

Desde 1971 Winogrand había dejado de editar sus fotografías confiando en que lo haría cuando volviera a Nueva York. Puesto que no regresó nunca, dejó en el momento de su muerte 4.100 carretes revelados sin pasar a hojas de contactos y 2.500 sin revelar. A pesar de que el artista es más conocido por su obra en blanco y negro, desde finales de los años cincuenta y durante los sesenta realizó más de 45.000 diapositivas a color, una parte de su producción poco conocida y que se presenta en esta exposición por primera vez en España a través de tres proyecciones.

Su modo de trabajar, casi de forma compulsiva, muestra una producción centrada en pequeños detalles o en motivos que a primera vista pudieran parecer irrelevantes, como si el artista estuviera más interesado en las imágenes por cómo transmiten el mundo que por lo que cuentan de él. En 1963, en la solicitud de su primera beca Guggenheim, señaló: «He estado fotografiando Estados Unidos para intentar […] averiguar quiénes somos y cómo nos sentimos, observando nuestra apariencia mientras la historia se producía y se sigue produciendo a nuestro alrededor en este mundo», y expresaba, a la vez, la consternación que sentía al descubrir que los sueños de los estadounidenses son «baratos y triviales» y están construidos sobre «apariencias y fantasías».

Las 169 fotografías que conforman la exposición ponen de manifiesto en su recorrido las contradicciones de una sociedad a lo largo de tres décadas: el encanto y el desencanto, la extrañeza y la alegría, la velocidad y el movimiento, la ironía y la duda. Un trabajo que le llevó a ser considerado «el fotógrafo principal de su generación», tal y como lo enunció John Szarkowski, conservador de fotografía del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York desde 1962 y uno de los personajes más influyentes en la formación del gusto fotográfico contemporáneo, en el catálogo de la exposición «Mirrors and Windows», celebrada en dicho museo en 1978.

Fecha: Del 11 de junio al 5 de septiembre de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centro Cívico Golferichs acoge del 22 de junio al 30 de julio la exposición «Strata» de Laura Van Severen.

Cuando hablamos de residuos estamos acostumbrados a una historia que salta de la A a la Z, de la botella PET al foro polar, o de los residuos mixtos a un punto ciego. Sin embargo, y como consecuencia de un imparable y veloz progreso, ahora contamos con una serie de materiales que la tierra no puede recuperar o que la ciencia no puede transformar de forma eficiente. Los vertederos se han convertido en el escondite de los residuos que no podemos digerir.

Durante muchas décadas (y en algunos países hasta día de hoy), los vertederos han sido el método más barato y común para deshacerse de los residuos. Cuando un vertedero alcanza su capacidad máxima se cubre con capas protectoras, tierra y vegetación, con el objetivo de integrar este nuevo accidente geográfico en el paisaje, donde lo artificial y lo natural convergen en una sucesión de capas superpuestas.

Como consecuencia de este acto deliberado de ocultamiento hemos perdido toda referencia de confrontación con la verdadera acumulación de nuestros residuos. No hay una conexión visible entre nuestros hábitos de consumo y su impacto en el paisaje. Ningún recordatorio, ninguna imagen que permanezca en nuestra memoria que nos alerte ante la próxima compra compulsiva.

Tras la Directiva del Consejo 1999/31/EC implementada en 1999, la UE estableció que el vertido de residuos municipales debe limitarse gradualmente hasta ajustarse al 10% para el año 2035. Esta práctica debería convertirse en un fenómeno marginal dando prioridad a la nueva jerarquía de residuos también conocido como las 3R: reducir, reutilizar y reciclar. Sin embargo, las montañas y socavones que hemos heredado de tantos años de vertederos, visibles o no hoy día, han marcado para siempre el paisaje que nos rodea.

Con el proyecto fotográfico «STRATA» Laura Van Severen muestra el resultado de un encuentro con las heridas abiertas de un sistema ineficaz. Antes de que los desechos queden ocultos y sellados en una burbuja al margen del tiempo, las fotografías nos permiten entrever la estructura interna del vertedero y nos invitan a reflexionar sobre las distintas maneras con que cada uno de los países documentados se enfrenta al objetivo establecido para 2035, siempre en función de su contexto geográfico, demográfico y político.

Fecha: Del 22 de junio al 30 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

En el marco del festival Art Photo Bcn, el Centre Cívic Can Basté acoge del 10 de junio al 29 de julio la exposición «Firma» de Paula Artés.

Una evidencia es que el Estado utiliza una serie de mecanismos más o menos reconocibles con unas intenciones muy claras de ejercer un control sobre la población, para evitar movimientos revolucionarios, y evidentemente a la vez, para que haya una organización en la sociedad y esta no sea un caos.

Le debemos a Michel Foucault, la comprensión de la idea que el poder no solo se localiza en el aparato del Estado, como podría ser por ejemplo el Congreso, sino en otros mecanismos paralelos que funcionan de una forma más cotidiana, fuera de los aparatos del Estado, como por ejemplo, las estructuras administrativas. La Agencia Tributaria sería una de ellas.

La reflexión que plantea Paula Artés con el proyecto «Firma», es repensar el espacio como forma de ejercer el poder. Según Foucault, las estructuras administrativas creadas por el Estado, tienen una función de panóptico sobre la ciudadanía. Foucault y también Farocki, argumentan que hemos pasado a ser una sociedad disciplinada, y que se controla nuestro comportamiento mediante la vigilancia. Actualmente estamos más concienciados que a través del espacio virtual también se ejerce un control, y es por eso, que la autora busca los espacios físicos más consensuados y que tarde o temprano se desvanecerán.

«Firma», pretende profundizar en los aspectos más visibles y a la vez ignorados, que conforman cotidianamente nuestras vidas: ¿Sabemos cuánta información gestiona el Estado respecto a nosotros? ¿Qué uso hace de estos datos?

Fecha: Del 10 de junio al 29 de julio de 2021
Lugar: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

L’Arxiu Fotogràfic de Barcelona acull del 14 de maig al 31 d’octubre l’exposició «Margaret Michaelis. Cinc dies pel barri Xino».

L’exposició, comissariada per Dolors Rodríguez Roig, historiadora de l’art, mostra la reconstrucció del fotoreportatge que Margaret Michaelis va realitzar per encàrrec del GATCPAC (Grup d’Arquitectes i Tècnics Catalans per al Progrès de l’Arquitectura Contemporània) en motiu de l’exposició sobre el projecte reformista «La Nova Barcelona» celebrada al subsòl de la plaça de Catalunya el 1934.

Gràcies a un nou estudi sobre Michaelis i el seu període a la Barcelona de la Segona República, l’exposició presenta una nova mirada al recorregut que la fotògrafa va fer per alguns carrers del Districte V durant cinc dies consecutius l’abril de 1934. Dos dels cinc dies va anar acompanyada de membres del GATPAC, i també, entre fotografia i fotografia, Michaelis va aprofitar per captar moments amb la seva càmera Leica partint d’una mirada pròpia i personal.

La selecció de fotografies de l’AFB que es presenta en aquesta exposició, permet revisitar el reportatge alhora que narra aquella aventura, i també confirma la importància i la dimensió històrica de Michaelis i de la seva obra fotogràfica.

Data: Del 14 de maig al 31 d’octubre de 2021
Lloc: Arxiu Fotogràfic de Barcelona, Plaça Pons i Clerch 2 – 2ª planta, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La escuela de fotografía GrisArt acoge del 14 de abril al 14 de mayo «Más allá del rostro», exposición comisariada por Enric Montes e Ivan Ferreres, que reúne una colección de «cartes de visite» de finales del siglo XIX donada por Chris Hewitson a GrisArt.

En 1855 aparece un formato fotográfico que cambiará la forma de entender la importancia de la fotografía como arte, técnica y negocio: la «carte de visite». Un pequeño retrato de formato vertical pegado sobre un soporte rígido, generalmente cartulina, de mayor tamaño que la imagen y que en su reverso contiene datos del autor de la fotografía.

En ese mismo instante, en pleno siglo XIX, esta tipología de retrato fotográfico democratizará la representación del individuo, alejándolo del retrato pictórico dedicado a inmortalizar hasta entonces a las clases aristocráticas.

Con la aparición de las «cartes de visite», las jerarquías de clase se desdibujan: la clase media, artistas, trabajadores y sus familias posan delante de la cámara para perdurar en la posteridad. La distribución universal de estos retratos hará nacer un sin fin de clases emergentes que sobrevivirán fotográficamente al tiempo.

Fecha: Del 14 de abril al 14 de mayo de 2021
Lugar: GrisArt Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez 14, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La Casa Elizalde acull del 13 d’abril al 28 de maig l’exposició de la 3a edició de “Material sensible”. Es tracta de un projecte dissenyat per l’àrea educativa de la Fundació Photographic Social Vision i desenvolupat en col·laboració amb la Fundació Vicki Bernadet, que fa servir el poder transformador de la fotografia per complementar el procés terapèutic de persones que han patit abusos sexuals en la infància.

Aquesta tercera edició es va iniciar al setembre de 2020 i ha suposat la maduració del projecte, reafirmant-ne la metodologia i afinant-ne el procés de selecció de participants. En aquesta ocasió, s’ha optat per un perfil de persones que, havent passat ja per teràpia individual i/o grupal, es troben en un moment avançat del seu procés de recuperació. Aquest fet permet que desenvolupin amb més profunditat i compromís tant la proposta creativa com el seu procés de revisió íntima. Així, poden obtenir més beneficis del projecte i estan més preparades per compartir la seva experiència i poder incidir en la societat.

En aquesta edició han participat vuit persones que han realitzat procés terapèutic amb la Fundació Vicki Bernadet i que utilitzen la fotografia com a mitjà d’expressió i denúncia de les seves pròpies experiències. El poder transformador de la fotografia resideix en la capacitat del llenguatge simbòlic per expressar sensacions de forma subtil i evocadora, per establir un pont entre el conscient i l’inconscient, per desbloquejar emocions silenciades i experiències mai verbalitzades. Ser capaç de treure les imatges del teu interior i veure-les des de fora permet guanyar distància amb els fets.

Al projecte “Material sensible”, cada persona reconstrueix el seu relat íntim i descobreix, al llarg de sis mesos, la seva pròpia sensibilitat artística. Són conscients que les imatges emocionen quan són sentides i responen a una necessitat real. Per això, les fotografies que creen i que escullen per a l’exposició funcionen com a metàfora d’allò que cada participant té necessitat d’explicar. Perquè cada cas d’abús és diferent i té conseqüències molt més enllà de la vivència concreta, amb etapes, obstacles, canvis o descobertes particulars.

La metodologia del projecte tracta allò més íntim de manera compartida i aconsegueix que el procés creatiu grupal reforci la singularitat personal. Així, es proporciona un entorn segur en què tothom pot arribar a reflectir-se i emocionar-se amb les altres històries; i, amb el suport de la comunitat, trobar la combinació precisa d’imatge, paraula i emoció que identifiqui cada relat particular.

L’exposició oberta al públic completa el procés. No només perquè la mirada externa amplia l’autoconsciència, sinó perquè el reconeixement per part de la família, l’entorn proper o la societat pot ser decisiu per a la recuperació individual. Sovint, els autors i autores d’aquestes imatges han afrontat amb frustració una reacció social basada en la indiferència, la incomoditat o la morbositat. No obstant això, quan les seves històries arriben a commoure, quan el públic vibra amb l’obra exposada, qui l’ha creada es descobreix lluny del punt de partida. Sent que el camí recorregut ha servit per sensibilitzar altres persones i, potser, per destapar altres possibles històries d’abús, donar coratge i esperança.

El resultat final d’aquest procés és un material artístic presentat en una exposició, que complementa el procés terapèutic de cada persona i que alhora busca sensibilitzar la societat sobre aquesta problemàtica. Les visites comentades a escoles s’han revelat, a més a més, com una valuosa eina per a la prevenció i la detecció de possibles casos d’abús.

La mostra recull les fotografies d’Esther González Ruiz, Camila, Karyna Pozzatti Past, Abel Parra Sorribas, Priscilla Barbosa, N.N., Paola Vanegas i Luis Barona García.

El dimarts 11 de maig a les 19 h tindrà lloc una xerrada sobre el projecte a càrrec d’algunes de les autores de «Material sensible», Vicki Bernadet, presidenta de la FVB, Núria Grau psicòloga a FVB, i Alice Monteil i Mireia Plans, responsables del projecte a Photographic Social Vision. Parlaran de la problemàtica social dels abusos sexuals infantils i de com la metodologia emprada i la fotografia permeten aprofundir en el procés de recuperació de persones que els han patit.

Data: Del 13 d’abril al 28 de maig de 2021
Lloc: Centre Cultural La Casa Elizalde, C/ València 302, 08009 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta