El Centre Cívic Guinardó porta des de 1995 apostant per les propostes d’art emergent a través del festival Stripart. Segons els organitzadors, es vol apropar la creació contemporània a tot tipus d’espectadors, mostrant “el que avui és estudi i recerca, però demà pot ser tendència”.
Es tracta d’una mostra de joves artistes dirigida a tothom qui experimenta amb el que s’han denominat “els nous llenguatges artístics”. Una gran exposició oberta a un ampli ventall de formes expressives on es barreja pintura, fotografia, disseny, escultura, arquitectures efímeres, poesia visual, instal·lacions, accions, performances, música i video art.
En aquesta ocasió, els coordinadors han seleccionat peces de més de 100 artistes que podran ser visitades, durant 14 dies, en més de 600 metres quadrats d’espai expositiu. Entre els artistes que participen en aquesta edició destaquem als fotògrafs Juan Pablo Caceido, Aida Bresolí, Akira Funakawa, Anaïs Caleï, Arturo Prieto, Asier Aristregui, Eder Pozo, Enric Garay, Esmeralda Bachiri, Ismael Guye, Marc Llach, Marc Sunyol, Marta Gil Ulldemolins, Martí Madaula, Montse Sahuquillo, Raquel Asensi, Raquel Fontarosa, Roc Pont, Román Castillo, Roser Arques, Felipe Tobón i Myriam Correa.
El programa inclou cursos i tallers durant els dies que duri Stripart. Els artistes que participen, a més de fer visible la seva obra, opten al fet que les seves propostes tinguin més recorregut i poden accedir a altres circuits.
Data: Del 2 al 15 de juliol de 2016
Lloc: Centre Cívic Guinardó, Ronda Guinardó 101, 08041 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta
AFTER es un documento artístico de brutal honestidad sobre una relación y una sexualidad, de sus idas y venidas durante el período en el cual el enamoramiento se vuelve cotidiano y el ritmo sexual, repetitivo. El observador queda atrapado en una aventura visual empapada, a la vez, de euforia y de condena. Deja al voyeur como a su objeto de estudio: sin aliento y pensativo. AFTER empezó hace dos años y medio con dos instantáneas inocentes e impulsivas, y acabó como un riguroso retrato artístico. El proyecto reúne un total de 250 fotografías de la novia del fotógrafo, retratada inmediatamente después del sexo.
En “Anagnórisis”, Solsona trata de acercarse, a través de un diario de cuerpos y ambientes íntimos, a sus propias inquietudes existenciales. Se trata de un proceso de autoconocimiento que deriva de la palabra “anagnórisis” (del griego antiguo, “reconocimiento”). Plagado por planos medios, referentes pictóricos y ensoñación, su universo de edificios, muros, ventanas, cortinas y ambientes nocturnos, se convierte en un escenario de exhibicionismo, perturbación y finalmente liberación. “Anagnórisis” transmite una sensualidad cinematográfica sin distanciarse nunca de la marcada influencia de autores como Paulo Nozolino, Antoine d’Agata y Michael Ackermann.
La mostra presenta dos treballs que exploren el que és la poesia per a l’autor. “Adoración” és l’expressió del gust per allò que és mínim, és recrear-se en les delicades línies del cos. “While Turner” és un joc de color, un viatge: l’emoció pel paisatge. Amb aquests projectes, Meriel ens apropa a la seva visió de l’emotivitat del medi fotogràfic.
La fotografía alemana ha llevado al mundo una nueva comprensión de nuestra relación con el entorno humano y con ambiente creado por el humano. Revela como las fotografías de la arquitectura, son importantes, no sólo como arte, sino también como un testimonio del tiempo, las tendencias y la evolución, como el documental de los edificios que han sido destruidos. Las fotos de Matthias Heiderich no son la excepción a esta regla. La influencia de la tradición alemana es omnipresente en su obra. Con el mismo rigor y protagonismo como en Becher, Heiderich también crea tipologías de edificios industriales y estructuras. Al igual que ellos, él no está interesado en la forma humana y sin embargo cada una de sus fotografías está llena de humanidad, haciendo hincapié en cómo cada edificio es un producto de la mente humana y la habilidad.
En “Mother’s milk” García explora la relación materno-filial creando escenarios monocromáticos blancos en los que se utiliza a sí misma y a su propia madre como protagonistas. Las imágenes, con tintes surrealistas, incluyen símbolos personales de su infancia y adolescencia. En ellas se representan situaciones de la vida cotidiana que expresan desconexión, caos, tensión, aislamiento y ausencia. El blanco que impregna esta obra es, para la autora, el color del nacimiento y la muerte, del alimento materno, del tedio en la rutina. 
La instalación/libro “US” en esta exposición negocia un antes y un después. El deambular y la práctica fotográfica se emplean como herramientas de reconocimiento y exorcismo personal para evidenciar el cambio abrupto que acontece en la vida cuando una persona cercana desaparece para no volver. La serie nació como un diario íntimo en el que Casares pretendía revisar la relación con un familiar y los lugares que solían frecuentar durante su infancia. No obstante, el acercamiento al archivo familiar la ha convertido en una indagación más profunda en la capacidad que posee la fotografía a la hora de acercarse a un acontecimiento doloroso. Empleando varios recursos narrativos, “US” cuestiona las fronteras entre el documental y la subjetividad. Asimismo, apela al diálogo entre lo intangible de la imagen como construcción mental y la materialidad de los efectos personales.
Andrea Wilmsen creció con vallas de jardín y se ve a sí misma confrontada con vallas fronterizas. La artista ha estado en ambos lados de estas vallas y muros en busca de respuestas. Estas fronteras son tanto símbolos como instalaciones físicas para Wilmsen: « No es una frontera especifica o una región en particular. Lo veo más desde la perspectiva de pasar estas fronteras y buscar puentes entre las fronteras físicas externas y las fronteras psicológicas interiores. »