La galería Senda acoge hasta el 8 de mayo la exposición «Si no, mañana» de Jordi Bernadó.

De los nueve libros que compuso la poeta Safo (630 a. C.), sólo un poema ha sobrevivido entero. Lo demás, lo que nos ha llegado, son fragmentos, y la también poeta Anne Carson los recoge, traduce y reinterpreta en un libro de belleza perturbadora llamado «Si no, el invierno», en donde lo que leemos nos atrapa especialmente por lo que se intuye tras esos versos.

El artista Jordi Bernadó se inspira en este título, «Si no, el invierno» en una exposición que es un doble guiño a Safo y a Anne Carson para recuperar también los fragmentos mediante los que construye una mirada a un mundo, el nuestro, en el que el suelo ha empezado a agrietarse. Y es de ahí, desde la grieta, desde donde Bernadó rastrea la belleza huidiza a través de las pistas que deja al retirarse.

En continua migración hacia territorios aún por descubrir y por ocupar, en un momento de pérdida de orientación común, el ser humano necesita aterrizar en alguna parte. Aunque sea en un interrogante que se abre buscando un mapa de nuevas referencias y reivindicando antiguas. Pero lejos de querer ofrecer certezas, las imágenes que conforman «Si no, mañana» son más bien señales que apuntan al surgimiento de una nueva realidad, señales unidas por un hilo invisible, un cuestionamiento, que las ordena.

¿Cómo vivir? ¿Cómo habitamos el espacio? ¿qué hacemos para encontrar un lugar que no sea un espejismo?

Esta exposición nace de la necesidad de navegar la incertidumbre, de saber interpretar los silencios y las señales. Quizás ya no es suficiente con hacer un inventario de los errores del hombre y conviene ahora vislumbrar y trazar un mapa de las verdades de la naturaleza y la ejemplaridad de las personas. Y quizás desde ahí, sin perder de vista al asombro y a la duda, poder continuar. Que todo sea efímero es también una hipótesis de eternidad.

Fecha: Del 25 de febrero al 8 de mayo de 2021
Lugar: Galeria Senda, C/ Trafalgar 32, 08010 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La Virreina Centre de la Imatge acull fins al 23 de maig l’exposició «Persona» d’Anna Oswaldo Cruz.

Austríaca i brasilera d’origen, Anna Oswaldo Cruz (la Haia, 1965) ha viscut a Rio de Janeiro, Munic i, des de 1990, a Barcelona. Precisament a principi dels anys noranta comença a fer retrats d’un seguit d’escriptors, artistes i intel·lectuals que en aquells moments residien a la ciutat, i que van publicar-se en nombrosos diaris, revistes i editorials.

Vist des del present, aquest conjunt d’imatges configura una mena d’esfera pública i cultural d’una època, un retrat de Barcelona en què els protagonistes són, en molt casos, individus vinguts de llocs i països diversos, seduïts potser per una idea de cosmopolitisme heretada de dècades anteriors i que va tenir en les transformacions socials, econòmiques i urbanístiques dels Jocs Olímpics de 1992 un punt d’inflexió o de truncament particular.

Si els noranta barcelonins poden llegir-se com una apoteosi liberal i una apocalipsi de certes discrepàncies ciutadanes, un triomf de l’homogeneïtat personificada per les classes mitjanes, cal preguntar-se quin retrat ens retornaria, avui, aquella esfera de la cultura menys oficialista de Barcelona, quines persones –d’aquí ve el títol de la mostra– l’alimenten actualment.

Per tal de respondre aquestes preguntes, Anna Oswaldo Cruz ha fet una sèrie de fotografies, concebudes especialment per al seu projecte a La Virreina Centre de la Imatge, en què explora aquells artistes, escriptors, activistes, arquitectes i intel·lectuals que, trenta anys després, no ens parlen només de qui produeix coneixement crític a la ciutat en aquest moment, sinó també sobre quins canvis de classe, gènere, raça, procedència, etc., ha experimentat la societat barcelonina.

Data: Del 19 de març al 23 de maig de 2021
Lloc: La Virreina Centre de la Imatge, La Rambla 99, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La Biblioteca Esquerra de l’Eixample-Agustí Centelles acull del 17 de març al 14 d’abril l’exposició «La pols de l’era», que reuneix els treballs d’Ana Anaya, Joan Teixidor i Viktor Kostenko.

Diu el refrany popular: «Qui no vulgui pols que no vagi a l’era» i un dels significats comporta allunyar-se d’allò que pot suposar perills o molèsties per evitar caure-hi o patir-les. Ho podem entendre com una recomanació conservadora, que convida a l’immobilisme, i res més lluny dels tres projectes que es presenten en aquesta exposició. Les autories d’aquesta mostra s’han aventurat lluny de la comoditat de la immediatesa per arriscar-se en un territori imprecís.

«La pols de l’era» ha estat també la necessitat d’entusiasmar-se amb els halurs de plata i l’accidentalitat en la construcció de la imatge. Calia bellugar-se entre la llum i la foscor per acabar obtenint allò que els remou l’ànima. L’acció de batre el blat i exposar-se a la pols és un reflex del procés en què han estat sotmesos fins a aconseguir allò que han conreat. A «Arkhé. En la intimitat de la imatge», Ana Anaya cerca en el misteri de les ombres per trobar-hi emoció i bellesa. A «Vores», Joan Teixidor explora les vores i furga en els límits emocionals per mitjà de la fotomatèria. A «A reveure!», Viktor Kostenko recorre els significats d’un viatge que neix amb l’obsessió del record i que ara transita cap al final d’una etapa.

Data: Del 17 de març al 14 d’abril de 2021
Lloc: Biblioteca Esquerra de l’Eixample-Agustí Centelles, C/ Comte d’Urgell 145, 08036 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El Museu Nacional d’Art de Catalunya acollirà del 19 de març al 18 de juliol l’exposició «La guerra infinita. Antoni Campañà».

La mostra presenta un total de més de 300 fotografies i desvetlla un gran nombre d’imatges inèdites, mai positivades ni pel propi fotògraf. La majoria de les peces de l’exposició procedeixen del fons de la família de l’artista, que ha decidit fer al museu un important dipòsit de 63 fotografies de l’etapa pictorialista anterior a la guerra. Una part d’aquests materials es mostraran també ara per primera vegada a l’exposició.

Campañà es pot definir com un fotògraf de contrastos. Es va iniciar molt aviat en la fotografia i es va convertir en un dels fotògrafs pictorialistes més premiats arreu del món. De fet, la seva obra ja formava part de la col·lecció del museu com a representant del pictorialisme català, amb una obra emblemàtica com ara «Tracció de sang». Campañà integra ben aviat els corrents estètics de l’avantguarda europea i utilitza les tècniques pigmentàries del pictorialisme però amb una mirada que beu de la Nova Visió. Les diagonals, els picats i uns enquadraments agosarats passen a ser la seva manera de plasmar la realitat.

El fotògraf mantindrà aquesta mirada moderna durant la Guerra Civil, malgrat que la cruesa de la realitat que l’envolta farà que la seva fotografia sigui més directa i ràpida. Campañà realitza més de 5.000 fotografies durant els anys de la guerra, fotografiant tot el que veu en un intent de superar el trauma del conflicte a través del visor de la càmera. Fotografia la complexitat del seu temps sense autocensura ni concessions a cap causa determinada.

Les milicianes, els refugiats que arriben de Màlaga a Barcelona el gener del 1937, les runes desprès dels bombardeigs, els menjadors populars, l’enterrament de Durruti o l’exhibició de les mòmies de les monges de les Saleses al passeig de Sant Joan van estar sota el seu objectiu. Campanyà recull escenes de la vida di-ària, entre allò quotidià i la violència de la guerra, i finalment, al 1939, la retirada de l’exèrcit republicà i les desfilades franquistes. És en aquest moment quan el fotògraf opta per tancar la guerra en una capsa per intentar començar de nou, malgrat el context.

La postguerra suposarà per a Antoni Campañà una adaptació traumàtica i la recuperació i intensificació de temes com ara l’esport, els paisatges o escenes de la modernitat, quan aquesta va començar a arribar al país.

Vista en la seva globalitat, l’obra de Campañà ressegueix el segle XX en la seva complexitat i les seves contradiccions. L’exposició descobreix un artista incansable que intentà arribar a totes les arestes del món de la fotografia.

Data: Del 19 de març al 18 de juliol de 2021
Lloc: Museu Nacional d’Art de Catalunya, C/ Mirador Palau Nacional 6, 08038 Barcelona (mapa)
Preu: Pagament

Dins la programació del festival de fotografia Lumínic de Sant Cugat del Vallès, el Museo Nacional de Arte de Cataluña presenta la muestra "Després del record", del fotògraf Manel Úbeda (Mollet del Vallès, 1951).

L’exposició presenta imatges panoràmiques, en blanc i negre, del Parc d’Atraccions de Montjuïc, realitzades després del seu tancament al públic, l’any 1998.

La mostra, que tindrà lloc a l’antiga llibreria del museu, del 18 de març al 2 de maig de 2021, es realitza amb la col·laboració del Photographic Social Vision, entitat dedicada a la fotografia documental.

Data: Del 18 de març al 2 de maig de 2021
Lloc: Antiga llibreria del museu. Museu Nacional d’Art de Catalunya, Palau Nacional, Parc de Montjuïc, s/n, 08038 Barcelona  (mapa)
Preu: Accés gratuït

Durant tres mesos la plaça Comercial, davant d’El Born Centre de Cultura i Memòria, acull l’exposició “Barcelona fotògrafes”, una mostra que té l’objectiu de reivindicar el paper de la dona en la fotografia a través de 70 imatges de 21 fotògrafes que han tingut un paper cabdal per conèixer la Barcelona real.

L’exposició està dividida en tres moments cronològics. Durant la República arriben a la ciutat fotògrafes estrangeres com Margaret Michaelis, Dora Maar, Gerda Taro i Kati Horna, que fugen del nazisme i volen conèixer els ritmes de la Barcelona republicana de primera mà. Amb l’esclat de la Guerra Civil, les seves òptiques fotogràfiques es converteixen en un testimoni clau del conflicte i de l’exili, com en el cas d’Anna Maria Martínez Sagi, que actua com a corresponsal de guerra al front d’Aragó.

Amb el franquisme, les cuines es transformen en laboratoris fotogràfics i els terrats en observatoris i centres veïnals. Les fotògrafes investiguen i creen els seus propis espais de debat i relació. Mentre dones fotògrafes com Carme Garcia, Montserrat Vidal-Barraquer Flaquer, Milagros Caturla, Rosa Szücs i Rosario Martínex Rochina s’integren en el grup femení de l’Agrupació Fotogràfica de Catalunya, Joana Biarnés esdevé una de les primeres fotògrafes que treballa per a un diari de manera continuada, una fita que lliga amb la generació posterior.

Als anys setanta, les fotògrafes es fan un lloc als mitjans de comunicació, prenen un paper actiu en la creació de nous llenguatges i mitjans, i narren, amb les seves instantànies, les tensions urbanes i socials d’una Barcelona en conflicte. Aquest darrer bloc de l’exposició aglutina la construcció de la quotidianitat de Barcelona entre la dècada dels setanta i la dels noranta, amb la mirada de Colita, Pilar Aymerich, Guillermina Puig, Anna Turbau, Anna Boyé, Marta Povo, Marta Sentís, Pilar Villarrazo, Silvia T. Colmenero i Consuelo Bautista.

La mostra té com a punt de partida el llibre «Barcelona. Fotògrafes/Fotógrafas», que, com l’exposició, reconstrueix la història de la ciutat a través de la mirada de les dones fotògrafes. El llibre el coediten La Fàbrica i l’Ajuntament de Barcelona, amb edició i textos d’Isabel Segura, i es pot adquirir a la Sala Ciutat.

Data: Del 6 de març al 6 de juny de 2021
Lloc: Plaça Comercial 12, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La Fundació Foto Colectania inaugura el próximo 18 de marzo «Mary Ellen Mark. Vidas de mujeres», una exposición que recopila fotografías, películas y material para explorar el trabajo que Mark realizó durante la segunda mitad del siglo XX documentando una gran variedad de mujeres en situaciones diversas.

Desde que se graduó en la Annenberg School for Communication de la Universidad de Pensilvania en 1964 con un título en fotoperiodismo, hasta su reciente muerte, poco más de cincuenta años después, Mary Ellen Mark trabajó como fotógrafa documental realizando ensayos fotográficos innovadores e intensamente vívidos, que exploran las realidades de la gente en situaciones complejas, a menudo difíciles. Las protagonistas de la mayor parte de esas imágenes fueron mujeres.

Mark fue una pionera, su perspectiva se adelantó en el tiempo al enfoque actual de denuncia de los abusos sufridos por las mujeres que han puesto de relieve movimientos como #MeToo. Ella los mostró a través de numerosos proyectos que exploran la vida de las mujeres en situaciones difíciles, dolorosas y, a veces, casi imposibles. Testigo apasionada, la obra de su vida consistió en utilizar la fotografía y el cine para profundizar en la existencia de los demás como una forma de aceptar su humanidad y compartirla con una audiencia más amplia, proporcionando a sus sujetos una voz relevante, a menudo poderosa.

En la década de 1970, Mark realizó una serie de fotografías íntimas en blanco y negro de pacientes del Pabellón 81, el pabellón psiquiátrico para mujeres del Hospital Estatal de Oregón, y publicó un libro del mismo nombre, «Ward 81». En 1981 vio la luz otro volumen, «Falkland Road: Prostitutes of Bombay», un proyecto pionero del color sobre la vida de las trabajadoras sexuales en el barrio rojo de Bombay. Unos años más tarde, su trabajo sobre las misioneras de la Caridad de la Madre Teresa de Calcuta se publicó también en formato libro, iluminando la fuerza y el compromiso de este icono de la generosidad.

Su investigación sobre Erin Blackwell «Tiny», una joven fugitiva a la que conoció en 1983, y sobre su grupo de amigos que vivían en la calle, se convirtió primero en una película nominada al Oscar, «Streetwise», y después, en una segunda película y dos libros, que retratan tres décadas de la batalla de esta joven contra la pobreza y la adicción a las drogas y su papel como madre de diez hijos.

Mark también fotografió a chicas adolescentes en sus bailes de graduación en la escuela secundaria, lo que también dio lugar a un libro y una película, «Prom». De su visita al Twins Days Festival -Festival de los días de los gemelos- en Twinsburg, Ohio, salió otro libro y otra película, «Twins». Hizo también una serie de fotografías y una película sobre los miembros de un circo en India, «The Amazing Plastic Lady». Para la revista Life consiguió la famosa imagen de una joven turca que sobrevivió a un terrible terremoto en su país, además de fotografiar a una familia sin hogar que vivía en un automóvil. Además, hizo retratos de muchas mujeres célebres, entre ellas, Maya Angelou, Candice Bergen, Lillian Gish, Etta James o Twinka.

Fecha: Del 18 de marzo al 31 de julio de 2021
Lugar: Fundació Foto Colectania, C/ Passeig Picasso 14, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

KBr Fundación MAPFRE acoge del 26 de febrero al 23 de mayo la exposición «La mirada cautiva. La colección de daguerrotipos del Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI) — Girona».

“Anunciamos un importante descubrimiento de nuestro célebre pintor del Diorama, el señor Daguerre. Este descubrimiento tiene algo de prodigioso. Trastoca todas las teorías de la ciencia sobre la luz y la óptica, y provocará una revolución de las artes del dibujo”. Con estas palabras, el periódico Gazette de France, en su edición del 6 de enero de 1839, hacía pública la aparición del daguerrotipo, primer producto difundido y comercializado de la historia de la fotografía, un “prodigio fisicoquímico” que abrió la puerta a la obtención de imágenes fijas de lo visible. Tomando este invento como núcleo central, Fundación MAPFRE presenta la primera de las exposiciones que se van a organizar en colaboración con distintas instituciones catalanas para mostrar su rico patrimonio fotográfico.

Tras los trabajos de Joseph-Nicéphore Niépce (fallecido en 1833) relacionados con la sensibilidad a la luz de las sales de plata, en 1836 Louis-Jacques-Mandé Daguerre obtuvo por primera vez una imagen sobre una placa bañada con dichas sales: el primer daguerrotipo, que continuó perfeccionando hasta su presentación oficial el 7 de enero de 1839. La revolución daguerrotípica se extendió pronto por toda Europa, incluida España donde también tuvo una repercusión inmediata. Diecinueve días después de que el procedimiento fuera presentado en la Academia de Ciencias de París, el Diario de Barcelona se hacía eco de su existencia. El papel de la prensa fue determinante a la hora de difundir la importancia de este invento que posibilitaba la permanencia de las imágenes “fugitivas” de la realidad visible. Los periódicos de todo el mundo, incluyendo los españoles, fueron publicando las noticias que llegaban de París referidas a los avances que iba experimentando el daguerrotipo desde que se anunciara su existencia a comienzos de 1839 hasta su presentación oficial el 19 de agosto de ese mismo año, y las posteriores demostraciones públicas de Daguerre durante septiembre. Mientras en los distintos países europeos su difusión corrió mayoritariamente a cargo de los daguerrotipistas que ofertaban su producto en las grandes ciudades, en España quienes se interesaron por el invento fueron prometedores científicos en formación. No fue hasta 1842 cuando apareció por primera vez en España una obra que contenía 21 aguafuertes sacados de daguerrotipos, España. Obra pintoresca, con texto de un joven Francisco Pi y Margall. A partir de entonces se irían sucediendo los libros ilustrados de este modo. Por vez primera, la fotografía se introducía en las páginas impresas, alcanzando así una gran divulgación.

A partir de las colecciones del Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI) del Ayuntamiento de Girona y de otras instituciones como el Museu del Cinema de la misma ciudad, la exposición hace un recorrido por la historia del origen de la fotografía a través de una selección de daguerrotipos, datados entre las décadas de 1840 y 1860 y con formatos que van de la media placa al noveno de placa. Se presentan así mismo diversos tipos de encapsulamientos de estas imágenes: desde las cajas de madera con cubiertas de piel y las termoplásticas típicas de Estados Unidos hasta el sistema europeo y francés, que consiste en un marco abierto al estilo de los usados en las pinturas. El contenido de las imágenes se centra principalmente en los retratos de estudio: individuales, de parejas o de grupo y post mortem, y se exponen además dos imágenes en formato estereoscópico que reproducen esculturas. Se ha identificado la autoría de algunas de estas obras gracias a las inscripciones contenidas en los marcos, pero por lo general no se conoce el nombre de los retratados, excepto cuando las imágenes o sus encapsulamientos llevan alguna anotación adjunta.

Por su parte, el Museu del Cinema de Girona ha cedido para la muestra objetos y utillaje vinculados al daguerrotipo, entre los que cabe destacar una caja con productos químicos para revelar, lámparas de laboratorio y pigmentos para colorear daguerrotipos. Todos estos materiales nos ayudan a entender no solo el proceso técnico y el desarrollo del daguerrotipo, sino también el contexto histórico y la cultura de la imagen de una época que supo por primera vez de la fotografía a través de este “invento”.

El recorrido expositivo se completa con dos audiovisuales que explican cómo se hace un daguerrotipo y cómo ha sido el proceso de restauración de un grupo de ellos de cara a esta muestra, y con unas fotogrametrías que permitirán obtener una visión tridimensional de cuatro daguerrotipos de la colección.

A esto se añade una experiencia interactiva que permite explorar, con gestos en el aire, el espacio de trabajo de un daguerrotipista de la época y reproducir los diferentes pasos para realizar un daguerrotipo, desde el pulido de la placa metálica que servirá de soporte hasta la toma de la imagen y el posterior revelado. Este proyecto se ha trabajado dentro del marco de investigación de la escuela CIFOG (Ciclos Formativos Girona)

Fecha: Del 26 de febrero al 23 de mayo de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

KBr Fundación MAPFRE acoge del 26 de febrero al 23 de mayo la primera exposición dedicada a la obra de Claudia Andujar en España. La artista brasileña, que ha consagrado su trabajo a la protección de los más desfavorecidos a través de la fotografía, inició su andadura como fotoperiodista, movida por el interés de comprender la vulnerabilidad humana. Buena parte de su trayectoria se ha centrado en defender los derechos del pueblo yanomami, uno de los mayores grupos indígenas de Brasil.

Nacida en Suiza, en 1931, creció en Transilvania, de donde huyó con su madre durante el Holocausto. Su padre y su familia paterna fueron exterminados en los campos de concentración. Andujar vivió en Suiza y en Estados Unidos, y en 1955 se instaló definitivamente en Brasil, donde encontró en la fotografía una forma de acercarse a los demás y descubrir su nuevo país. En la década de 1960 se embarca en la serie Famílias brasileiras, un proyecto en el que, a lo largo varios meses, convive con distintas familias de diversos estratos sociales. Son años, también, en los que fotografía a algunos de los colectivos más vulnerables de la sociedad, como toxicómanos y prostitutas.

En 1971, mientras trabajaba en un artículo sobre la Amazonia para la revista Realidade, la artista supo de la existencia de los yanomami. Fascinada por la cultura de esta aislada comunidad, viajó hasta la región del río Catrimani – situada en la zona cercana a la frontera entre Brasil y Venezuela que se considera la cuna de este pueblo – buscando involucrarse de forma más profunda en su trabajo fotográfico. Con la ayuda de Carlo Zacquini, uno de los misioneros asentados en la zona en los años sesenta, Andujar fue acogida por los indígenas. Sus imágenes de este período muestran un estilo de vida tradicional en el que las mujeres recolectan fruta mientras los hombres cazan. Fotografía el yano, la casa comunitaria que agrupa a múltiples familias bajo el mismo techo, así como los ritos funerarios e intercomunitarios llamados reahu, que pueden durar varios días o semanas, dependiendo de la importancia del fallecido y del ofertorio de comida. Experimenta con distintas técnicas fotográficas: aplica vaselina al objetivo de la cámara, utiliza película infrarroja, alarga los tiempos de exposición y superpone tomas para otorgar sensación de movimiento a las imágenes. Las escenas cotidianas se representan de forma que parecen trascender la realidad: los rayos de luz irrumpen a través del aire, y el humo que rodea a un joven reclinado en una hamaca le da la apariencia de un chamán. Andujar busca hacer visible un mundo invisible, como si la fotografía pudiera ofrecer una exploración metafísica de la visión del mundo de los yanomami.

A comienzos de los años setenta, la dictadura militar brasileña lanzó un programa de explotación de la región del Amazonas. Debido a la depredación forestal y minera, y a la propagación de enfermedades – llevadas por los trabajadores que desde las ciudades emigraron a este territorio hasta el momento aislado –, la vida diaria de esta comunidad se vio gravemente amenazada. Cuando Andujar denunció la situación, se le impidió la entrada en la zona, y, a partir de este momento, dedicó su vida y su obra a la defensa del territorio y la cultura de este pueblo. En 1978 fundó la ONG Comisión Pro Yanomami (CCPY), junto a Carlo Zacquini y el antropólogo Bruce Albert. Además, comenzó a viajar por todo el mundo con el líder yanomami Davi Kopenawa. En 1989, el Gobierno brasileño dispuso dividir el área de este pueblo indígena en diecinueve microrreservas separadas, ocasionando un confinamiento de las comunidades que acabaría asfixiándolas, pues los yanomami se desplazan con frecuencia de un lugar a otro para asegurar la renovación de los recursos naturales de la selva. El objetivo era despojarlos de sus tierras en favor de la colonización agrícola y la explotación minera. En respuesta a esta demarcación, Andujar y la CCPY organizaron en 1989 la exposición audiovisual Genocídio do Yanomami: morte do Brasil, en el Museu de Arte de São Paulo. La proyección, que ha sido recreada especialmente para esta ocasión, presenta cientos de imágenes de la artista en las que se pueden contemplar vistas aéreas de la selva y que termina con las trágicas consecuencias del contacto entre el pueblo indígena y la sociedad industrial, un mundo de armonía gradualmente destruida por la civilización blanca.

En los años ochenta, Claudia Andujar lanzó con la CCPY una campaña de vacunación para defender la salud de los indígenas. Como parte de este programa, realizó numerosos retratos de los integrantes del pueblo yanomami que, vistos en conjunto, revelan la diversidad de las comunidades que lo integran y su diferente nivel de contacto con la sociedad occidental.

Desde 1993, después de que el año anterior, y gracias a la presión nacional e internacional, el Gobierno reconociera finalmente la demarcación del territorio yanomami, la artista fue retirándose gradualmente de la escena política, recurriendo solo al arte para mantener la visibilidad de la causa yanomami. En el año 2000 fue reconocida con el Premio a la Libertad Cultural de la Lannan Foundation, Los Ángeles. El festival PHotoEspaña contó en Madrid con su participación en las ediciones de 1999 y 2012. Hoy en día, sus obras se encuentran en algunas de las colecciones más importantes del mundo, entre ellas las del Museum of Modern Art de Nueva York o la Tate de Londres. Tras cuatro años de una profunda investigación en los archivos de la artista, Thyago Nogueira ha realizado una cuidada selección de fotografías, documentos, material audiovisual y dibujos realizados por los propios yanomami, selección que integra esta exposición, originalmente concebida por el Instituto Moreira Salles de Brasil y que, como parte de su itinerancia internacional, hoy podemos contemplar en las salas del KBr Fundación MAPFRE de Barcelona.

Actualmente el Gobierno brasileño amenaza, una vez más, con reconsiderar la demarcación del territorio yanomami. La comunidad indígena vuelve a estar amenazada frente a la invasión de mineros, madereros y colonos ilegales, a lo que se suma la llegada de la covid-19. Tal y como el comisario señala en el catálogo que acompaña la muestra: «La presencia de esta exposición en el continente europeo nos brinda la oportunidad de reflexionar sobre los efectos duraderos de las guerras sectarias y de la historia del colonialismo […] nos obliga también a asumir la progresiva fragilidad de nuestra existencia, agravada por la destrucción que causamos cuando imponemos a otros nuestro modo de vida».

Fecha: Del 26 de febrero al 23 de mayo de 2021
Lugar: KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral 30, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

El Centre Cívic Can Basté acull de l’11 de febrer al 20 de març l’exposició «RE-VUELTAS» de Shinji Nagabe.

L’exposició, concebuda especialment per la Sala Cava del centre cívic, és un rescat dels arxius i persones que va fotografiar l’autor el 2013 a la ciutat d’Itabaianinha, regió nord-est de Brasil. La seva primera sèrie personal amb nens i nenes on va eliminar els seus rostres d’infància per a transportar-los a un món de fantasia i somnis de la fotografia. Procedents de comunitats pobres, aquests nens van viure el somni de ser de grans, famosos i rics. En aquells moments, la fama de les models, els futbolistes i els ideals de la telenovel·la eren possibles. Com són aquests nens i nenes amb aquests somnis ara que són adults? Amb aquesta exposició, Shinji Nagabe va a la recerca de retornar d’alguna manera aquests rostres, explicant les seves històries a través d’una instal·lació lúdica, d’imatges i textos, 8 anys després de la realització d’aquesta sèrie.

La instal·lació consta de cinc grans màscares inflables amb rostres sense ulls dels nens i nenes retratats el 2013 que s’inflen i desinflen amb el pas del temps. Una relació amb aquelles persones que somiaven ser famoses i possiblement romandran en l’anonimat. Al costat de cada peça hi ha textos inspirats en la vida d’aquesta persona amb la qual van somiar i com és la seva vida realment. Alguns d’aquests nens, hi són fora de l’escola i sense expectatives de futur. Tots els textos s’identifiquen únicament pel seu nom i conserven el seu anonimat. L’exposició busca ressaltar la vida i la història d’aquests joves anònims i submergir al visitant en un món lúdic i fosc on els somnis de la infància poden canviar ràpidament. Sent una reflexió sobre la maduresa i els somnis perduts.

Data: De l’11 de febrer al 20 de març de 2021
Lloc: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El Centre Cívic Can Basté acull de l’11 de febrer al 20 de març l’exposició «Hecha en Venezuela» d’Erika Ache.

A Veneçuela, específicament a Caracas, la ciutat on va néixer l’autora, es considera que, per a ser bella, has de tenir tot el que no tens, és una ciutat on el natural molt poques vegades serà assumit amb naturalitat. La pressió social i familiar és aclaparadora, moltes dones en el seu afany de trobar ser les més belles decideixen optar per ser candidates a operacions estètiques, sense importar les conseqüències. Aquest fenomen a Veneçuela cobra peculiar importància ja que el país se situa entre els 20 de major índex de cirurgies estètiques. Ho superen els EUA, Colòmbia, Mèxic i el Brasil, però Veneçuela és el de majors operacions per càpita.

En els últims anys s’han erogat aproximadament 200 milions de dòlars en cirurgies estètiques sol·licitades i anualment, només en operacions de pit, es realitzen més de 84 mil intervencions anuals. Criticar, anul·lar i ignorar a algú pel seu cos és una pràctica absolutament naturalitzada a Veneçuela, independentment de l’estrat social al qual es pertanyi, la “bona” aparença és fonamental, ser una bomba de sexualitat confeccionada de pura artificialitat sembla ser una llei de vida.

Data: De l’11 de febrer al 20 de març de 2021
Lloc: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galeria fotogràfica il mondo inaugura el proper divendres 19 de febrer l’exposició «ÍDOLS SÍMBOLS» de Jaume Buxeda. Per assistir a la inauguració cal inscriure’s prèviament enviant un correu electrònic a ilmondogaleria@gmail.com indicant el torn desitjat: de 18h a 19h o de !9:30h a 20:30h.

L’adoració a l’ídol és tant antiga com la humanitat. En els albors de les primeres cultures humanes ja es troben referències idòlatres. Això demostra que l’home sempre ha tingut la necessitat de visualitzar d’una manera tangible allò que no està al seu abast, que és superior a ell, que se li escapa als seus coneixements, a les seves habilitats… Les fotografies de la sèrie «ÍDOLS» són un recull d’imatges on es presenten ídols de diferents cultures. Tenen en comú ser una representació admirada o adorada per una comunitat més o menys nombrosa.

El símbol és la representació d’una idea mitjançant una imatge o signe que per acord se l’associa a un significat concret. La seva missió és la de transmetre idees. Normalment els símbols es troben en llocs com esglésies, grans monuments, edificis emblemàtics… però sorprenentment moltes fotografies de la sèrie «SÍMBOLS» han estat realitzades en llocs on aparentment no tenia perquè haver cap mena de simbologia.

Data: Del 20 de febrer al 9 d’abril de 2021
Lloc: Galeria fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta