La galería Espai 2NOU2 presenta la obra fotográfica del joven artista ruso Oleg Dou (Moscú, 1983), uno de los artistas más prometedores de la fotografía actual en Rusia.

El trabajo de Oleg Dou desarrolla y empuja hasta el límite la idea del cuerpo como objeto de subversión, distorsiones y otras mutaciones que atentan contra su integridad. En una entrevista con la Zoom Magazine, el joven fotógrafo decía: «Me apasiona el rostro humano. Utilizo la naturaleza artificial de la fotografía digital como instrumento para reflexionar sobre las contraposiciones entre vivo y muerto, atractivo e inquietante, hermoso y feo.»

Oleg Dou recurre a la fotografía digital para retratar personajes ficticios e indagar sobre los conceptos de belleza, perfección e inocencia. Sus imágenes, que remiten al universo del videojuego, el kitsch o la moda, son inquietantes y tranquilizadoras a la vez, de aspecto enfermizo pero raramente juvenil y vital. Con un trabajo de extrema pulcritud, Dou anima estas emociones ambivalentes, procurando agitar en el espectador el sentido de lo que es normal.

En la serie «Toystory», Dou retrata a sus jóvenes sujetos con una mirada extrañamente dulce, centrándose en los rostros de los niños. Las imágenes están teñidas completamente en blanco, y a veces se decoran con un coqueto accesorio infantil (la máscara de Batman o un antifaz), de un siniestro color rojo sangre. En un principio, el espectador se encuentra con una palpable sensación de pureza hacia el tema, pero la imagen nos revela una realidad distorsionada. En última instancia, el artista quiere que nos demos cuenta de la perversión en nuestra percepción limitada de lo que define a la inocencia y la juventud.

En un mundo donde la artificialidad, los efectos especiales y la hiperrealidad son parte de nuestro cotidiano, Dou nos hace sentir que lo extraño forma parte de aquello intrínsicamente humano. Su yuxtaposición de conceptos estéticos y culturales nos atrae y nos hace entrar en una relectura de la identidad contemporánea de una forma poética y curiosamente armoniosa.

Fecha: Del 3 de febrero al 12 de marzo de 2010
Lugar: Espai 2NOU2, C/ Consell de Cent 292, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Aquest reportatge de Diana Bagnoli tracta d’una finca situada al barri del Raval, al centre de Barcelona, i dels seus habitants. Nuclis familiars molt diferents entre ells, personatges, edats i estatus socials, es creuen cada dia per la mateixa antiga escala. Les parets d’aquesta finca són el que els separen, i alhora, el seu únic punt en comú. Aquestes fotos són un recorregut pels diferents escenaris, passant d’una casa a l’altra, i respirant en cadascuna un estil de vida i unes tradicions molt diferents. Veurem repartits per aquestes fotos trossos de la seva quotidianitat i intimitat.

Data: De l’11 al 27 de febrer de 2010
Lloc: Centre Cívic Pati Llimona, C/ Regomir 3, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

KOWASA Gallery presenta del 5 de febrero al 27 de marzo «Un día partimos», una exposición monográfica dedicada a Carlos Barrantes. La muestra recoge un conjunto de fotografías de las series «Movimiento» (1999), «Más allá del horizonte» (2002) y «Sorpresa» (2004) y concluye con el proyecto más reciente de Barrantes, «Un jour nous partons» (2009), un libro de artista que presta su título a esta exposición y que incluye 13 originales realizados con el proceso pigmentario digital (digigraphie/giclée).

La fotografía es para Carlos Barrantes un medio para transformar la realidad. Más viscerales que reflexivas, sus imágenes son transmisoras de sensaciones que tratan de captar el aura de un mundo en movimiento. Inextricablemente vinculadas con la naturaleza y sus elementos —entre ellos el cuerpo humano como uno más—, sus propuestas visuales emergen como congruentes realizaciones de un viaje onírico al incierto terreno de una realidad mágica, capaz de producirse sólo ante la cámara. Ésta, situada a ras del suelo, encuadra ofreciéndonos una visión singular de los altibajos del universo. Las fronteras entre lo ilusorio y lo real se deslizan y nos llevan desde la instantaneidad hasta el infinito de la materia. Todas las series de Carlos Barrantes comparten un meticuloso tratamiento técnico. Desde los años de su taller artesanal en Mallorca (1993-2007), hasta su estudio actual de Saint-Estève (junto a Perpignan, en Francia), Barrantes ha desarrollado una interesante labor de investigación sobre procesos alternativos, tanto antiguos como contemporáneos, generando singulares propuestas alquímicas. Sus tirajes, ya sean analógicos o digitales, destacan por su textura y calidad.

Fecha: Del 5 de febrero al 27 de marzo de 2010
Lugar: Espacio 1 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Retratar a la familia significa inevitablemente abrir la puerta al “yo” más íntimo y someter la privacidad de uno a la mirada de los demás. Retratar a la familia es trasladar frente a la cámara nuestras alegrías y penumbras cotidianas, así como trazar de un modo gráfico la cartografía de la cadena de ADN que nos ha traído a esta vida. Desde los primeros álbumes genealógicos del siglo XIX y la popularización de la instantánea algunas décadas más tarde, hasta la actual era digital y la recurrente banalización de lo privado en la red y las revistas del corazón, el uso de la fotografía ha estado inextricablemente vinculado a la faceta “doméstica” de nuestra existencia. Si la familia representa supuestamente la “célula madre” de la sociedad, el acto de fotografiarla se convierte, según esta lógica, en una especie de diagnóstico factual acerca de la psicopatología de la época que nos envuelve. Más aún: por lo general, la familia suele ser tan fotosensible como la película, y el hecho de retratarla, de retratar al propio “corpus” familiar, por así decirlo, encarna infinitas posibilidades y complicaciones tanto para el fotógrafo como para los retratados.

Caterina Barjau y Jordi Gual, los dos artistas de la exposición “Retratos de familia” que presenta la Galería Tagomago del 4 de febrero al 13 de marzo, han llevado a cabo la delicada tarea de articular alrededor de sus propias familias una propuesta fotográfica auténtica y apta, tanto en términos de realización como en su conceptualización. Aunque abarcan espectros opuestos —Barjau se ocupa de las relaciones, mientras que Gual se centra en una serie de metonimias temporales y materiales—, en conjunto los dos trabajos permiten reconocer la tensión inherente a la hora de facilitar un registro visual de familia, sin dejar de apuntar, no obstante, cierta susceptibilidad frente al impacto persuasivo de toda representación.

Fecha: Del 4 de febrero al 13 de marzo de 2010
Lugar: Galería Tagomago, C/ Santa Teresa 3, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La fotógrafa Irina Santos comenzó la serie “Otros Lugares” tras leer “La espiral” de Italo Calvino, un texto que habla sobre la vida y la creación. Unido a otras experiencias, su trabajo pretende expresar inquietudes propias sobre la vida, entre ellas, el misterio de la realidad, qué hay más allá de lo que vemos, la posible existencia de otras dimensiones, la relatividad espacio-tiempo. Quiso realizar fotografías con las que pudiera transmitir al espectador esta complejidad. Sin embargo, con el tiempo la autora se ha dado cuenta que sus fotografías también hablan de la mente humana, tan compleja como la realidad, y de la relación que hay entre mente y realidad.

Sus experiencias (muchas de ellas con psicotrópicos) le han hecho creer que lo que percibimos no es la realidad sino una forma de mirarla. Hay tantas realidades como personas. Detrás de lo que vemos, podemos intuir que hay algo más, pero nuestros sentidos nos permiten ver una parte de ello y con una forma concreta. Otras veces parece que la realidad es real, como si fuéramos meros espectadores viendo una película. Es evidente que mente y realidad están íntimamente ligadas y que ambas son complejas. Al inconsciente o a los sueños no podemos llegar. Su sentido se nos escapa o, mejor dicho, está escondido detrás de nuestra consciencia. En este inconsciente se encuentra mucha información de lo que pueda haber más allá, o de otros lugares de la realidad.

El tema de la locura es un punto importante en el trabajo de Irina Santos. Los científicos aseguran que posibles trastornos de la mente como la esquizofrenia no son más que una forma diferente de ordenar en el tiempo lo hechos sucedidos o escuchados. Al igual que nuestro cerebro procesa lo que nuestros sentidos captan para digerirlo y mostrárnoslo, el cerebro de un esquizofrénico procesa y digiere lo que captan sus sentidos pero no se lo muestra en el mismo orden o momento. Estos científicos ponen en duda si en el exterior de nuestra realidad existe el tiempo. A aquellas personas con trastornos de la mente, lo que les ocurre no es más que percibir la realidad de una forma diferente. Incluso se atrevería a decir que algunas de ellas captan una parte de la realidad que otros no son capaces de captar – ese algo escondido que hay más allá.

Sentir que tanto en la realidad como en nuestra mente hay partes que permanecen ocultas rende inevitable que en su trabajo aparezca el miedo. Sentimos miedo cuando hay algo oculto, desconocido, algo que no podemos ver. Respecto a la realidad tenemos miedo a todo aquello al que no podemos facilitar una explicación desde nuestra cabeza. Lo mismo ocurre con nuestra propia mente: aquello que no podemos conocer, recordar o controlar desde nuestra consciencia nos produce miedo.

En su trabajo hay tres tipos de fotografías: Hay las que representan el deseo de conocer, de ver más allá, simbolizado a través de una mano que abre paso, que se quiere acercar al estado de pleno entendimiento. Otras representan aquello que está oculto, algo distorsionado, que no podemos terminar de ver, simbolizado a través de rostros ocultos. Y hay otras que ilustran el miedo o la angustia de lo que todavía no conocemos, es decir el paso del desconocimiento, del lugar donde nos encontramos (representado por la oscuridad) al conocimiento o/y entendimiento pleno de la realidad y nuestra mente (representado por la luz).

No solo ha realizado estas fotografías para transmitir estas inquietudes al espectador sino también como un proceso personal en el que espera llegar a entender algo más sobre estas cuestiones. Quizás estas sean imposibles de responder pero no puede evitar querer ver un poco más.

Fecha: Del 5 de febrero al 27 de marzo de 2010
Lugar: Espacio 2 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La definición de la propia identidad es una de las máximas preocupaciones del ser humano. En los diccionarios y en su uso común, conviven sin conflicto dos significados de esta palabra, aparentemente contrapuestos. Por una parte, identidad expresa una idea de equivalencia, de igualdad (por ejemplo, de dos objetos) y, por otra, apunta a la singularidad, la distinción de un elemento de todos sus semejantes. Es esta segunda acepción la que utilizamos, casi irreflexivamente, cuando nos referimos a la persona. Esta conciencia de ser único e irrepetible (pero, eso sí, dentro de una especie, género o grupo con características comunes) es fruto de un proceso de diferenciación-analogía que el sujeto sólo puede llevar a cabo mediante un ejercicio de comparación.

Salvatore Elefante, Joana Comas y Felix Nybergh exponen los resultados de sus respectivas investigaciones fotográficas alrededor del inagotable tema de la identidad. El cuerpo físico como envoltorio sensible, la herencia genética y el peso de las tradiciones y expectativas familiares, los factores sociales y culturales (que se organizan en sistemas de valores y creencias)… A pesar de la heterogeneidad de los ámbitos considerados, los tres autores vuelven de su búsqueda con una misma y desconcertante revelación. Aventurándose en los incógnitos territorios de la cuestión del ser, se han encontrado –no sin cierto estupor– delante de un espejo arcano semitransparente. Más allá del antagonismo del dualismo de Parménides, más allá del propósito conciliador de la síntesis aristotélica, más allá incluso del reconocimiento del carácter funcional y relativo de los opuestos de las doctrinas orientales, la superficie vislumbrada, ambigua y fluctuante refleja una imagen irracional en la que se anulan fatalmente todas las diferenciaciones ontológicas. Arrojada, una vez más, al oscuro abismo de la existencia, la urgente pregunta “¿quién soy?” parece recibir como paradójica respuesta un eco del antiguo Upanishad Chandogya: “Tú eres el otro.”

Fecha: Del 30 de enero al 28 de febrero de 2010
Lugar: Sala El Off, C/ Esglèsia 4, 08024 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

L’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya inaugurarà el proper 4 de gener a les 19h l’exposició de les fotografies presentades pels alumnes de l’Institut a la competició Student Focus dels Sony World Photography Awards, Cannes 2010. Podrem veure 53 mirades sobre la pau i la guerra. Una mirada particular i creativa dels alumnes sobre una qüestió que afecta a l’ésser humà de tots els temps.

No hi ha una única Guerra i tampoc una única Pau, són aspectes que ens envolten i les fotografies ens fan prendre consciència de la seva proximitat. Un equilibri que és un repte per a la humanitat.

A més a més de l’acte inaugural es farà una projecció audiovisual de les imatges.

Data: Del 4 de febrer al 4 de març de 2010
Lloc: Sala de baix de l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, C/ Comte d’Urgell 187, 08036 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Al poco de establecerse en el Montseny, la fotógrafa Lourdes Delgado pasó varios meses mirando, estudiando, fotografiando de cerca algunas piedras, maderas, troncos, raíces, semillas, hojas, cortezas, flores, frutos y animales que encontró por los alrededores de la masía.

El proceso que utilizó —una técnica fotográfica de mediados del siglo XIX llamada colodión húmedo— tiene una manera distinta de reinterpretar los colores y las tonalidades, tergiversando la realidad. Por lo tanto, a menudo, tras revelar la placa, descubrió líneas, volúmenes, figuras y fantasmas dónde antes no los había podido ver. Las imágenes resultantes le reafirmaron la sensación cada vez más precisa de que de algún modo todo —mineral, vegetal, animal, vivo, muerto o casi muerto— formaban parte de lo mismo, y que era, además, igual de inaprensible.

Por eso, una vez ya producidas muchas de las imágenes empezó a agruparlas en distintas combinaciones que expresaran las equivalencias, relaciones, ciclos, balances y caos que había intuido, indistintamente de si eran o no partes de un mismo ser. Por ejemplo, en algunas imágenes ha combinado piedra y madera casi sin poder distinguirse la naturaleza de cada una.

El resultado son estos cuarenta y cinco Cantos o loas visuales donde intenta expresar el asombro y admiración constante que sintió por lo que le rodeaba.

Inventado en 1851, el colodión húmedo fue uno de los primeros procesos fotográficos, y se usó tanto para hacer negativos como positivos, imágenes que podían verse directamente sin necesidad de positivarlas (imprimirlas) sobre papel. El proceso es muy engorroso: el fotógrafo debe preparar su propia emulsión in situ, “la película”, y fotografiar y revelar cuándo aún está húmeda; pero en contrapartida, el colodión produce una imagen muy física, casi táctil, característica para la autora óptima para poder expresar la materialidad de la naturaleza.

La otra característica es su volatilidad. La más pequeña diferencia en el tiempo de exposición, de revelado, de temperatura y de calidad de los productos químicos usados, cambia sustancialmente la imagen final. El abanico de problemas y consecuentes manchas sobre las placas que pueden producirse en algún momento del proceso son muchas. Pero dado ya el grado de abstracción que el proceso le había dado con la reinterpretación de la realidad explicada anteriormente, en lugar de descartar las placas con rastros del proceso, a la hora de combinarlas y montar los Cantos, las examinó como imágenes en su totalidad, convirtiendo las manchas en parte intrínseca de las imágenes.

Las varias placas que componen cada Canto son positivos sobre aluminio negro. Cada una de ellas, recubierta con la emulsión de plata que había preparado, fue expuesta dentro de la cámara. La imagen que aparece es el reflejo directo de lo que fotografió. Así pues, cada placa es única; no hay copias.

Fecha: Del 3 al 27 de febrero de 2010
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita