«Sense Títol’12» manté per novè any consecutiu la tradició de mostrar una selecció qualificada de la darrera promoció d’alumnes de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona.

Aquesta mostra reuneix inquietuds, recerques i exploracions en els llenguatges de l’art que cada alumne ha desenvolupat en el tram final dels seus estudis de llicenciatura, fent un ús obert i polivalent dels mitjans emprats per posar en diàleg reflexions i inquietuds intel·lectuals de darrera hora, fins a convertir-les en les propostes que es presenten.

Els espais expositius del centre acullen el degree show, que es desplega en tot l’àmbit de la facultat i configura, així, una extensa mostra amb obres que han estat escollides pels mateixos professors dels alumnes que van finalitzar els estudis el curs passat, com una manera de destacar-ne els millors treballs i de donar-los a conèixer en un context acurat.

Enguany, els treballs seleccionats en la vessant de fotografia són: «Paramnèsia» d’Helena Aguilar i Mayans, «FraG_meNt_Ed /// Bod_Ies» de Estefania A.A, «Habitare» de Lara Amat, «A propósito de un sistema de relaciones en el que podemos hallarnos inmersos» de Beatriz Calafell, «Recuerdos secuenciados» d’Esther Correa, «Inèrcies» de Miquel Galceran, «Obrir, entrar i sortir» d’Anna Mª Pascó Boltà, «Somebody somewhere» de Marta Pujades Ordines, i «L’Inhabitable» de Laura Torres Bauza.

Data: Del 25 de setembre a l’1 d’octubre de 2012
Lloc: Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona, Pau Gargallo 4, 08028 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galería Hartmann – La Santa inaugura el próximo jueves 27 de septiembre a las 20 h la exposición colectiva «Nude Name – A Sex Photography Exhibition», organizada y comisariada por Inés Troytiño.

En palabras de Troytiño, el objetivo de esta muestra es tumbar los pudores de los fotógrafos y crear una duda en el espectador frente a las obras. El sexo es lo que nos hace estar vivos y, en el caso del humano, la atracción física, el cliché, el fetichismo, el dolor, el placer, el vacío… infinidad de cosas pueden ser representaciones del sexo, más o menos abstractas.

La exposición reúne los trabajos de Luna Tristá, Denisse García, Nuria Rius, Ana Cuba, David Diez, Swel, Cristian Oliva, Raul Bonatiu, Diana Kunst, Gorka Postigo, Alberto Van Stokkum, Ainhoa Otazú, Petter Hegre, Santiago Garcés, Landry, Christian Maury, Rómulo Sanz, Daria Murlykina, Monica Uszerowitz y Pete Voelker.

Fecha: Del 27 de septiembre al 9 de octubre de 2012
Lugar: Hartmann – La Santa, C/ Sta. Teresa 8 bajos, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Kowasa gallery inaugura la temporada 2012-2013 el próximo jueves 27 de septiembre, a las 19:30h, con la exposición de Adrià Goula, “Murmurs i Compressions”. Las dos series reunidas en la presente muestra evidencian distintas maneras de reflexionar acerca de la estética de la complejidad. “Murmurs” lo hace a través de las formas euclidianas de muros fotografiados frontalmente; “Compressions” mediante la captura de las formas orgánicas de animales chafados en carreteras. En ambos casos, se generan unas figuras sobre un fondo que define los límites netos de unas texturas complejas. Eventos físicos y el sistemático roce con el tiempo las han ido conformando sin ninguna intención formal. El conjunto final posea una coherencia formal obtenida a partir de la propia dinámica que lo ha engendrado. La textura, la geometría y la gama tonal son los elementos con los que estas fotografías se moldean como constelaciones visuales que vibran entre lo abstracto y lo figurativo.

“Murmurs” es un intento de superar el sistema perspectivo de la fotografía. Aquí la cámara se emplea como un recolector de información, como si se tratara de una hoja superpuesta al muro encima de la cual frotamos con un lápiz para hacer aparecer la textura, la forma y los colores de lo que hay por debajo. La vista se resbala sobre el muro de una forma casi táctil. Se generan, por tanto, unas imágenes que más que re-presentar, es decir, mostrar la foto como una ventana a otra realidad, intentan presentarla como un nuevo objeto, independiente y autosuficiente.

Fotografiamos no como un cazador (Cartier-Bresson) que apunta y dispara hacia algo que se mueve ni como un pescador (Robert Doisneau), sino como un recolector que va llenando su cámara con los objetos que encuentra por el camino, con la sensación de que si no los recogiera, éstos se echarían a perder. Entendemos el muro como receptáculo de información. Igual que un vinilo contiene en sus surcos la información necesaria para poder escuchar una melodía tocada en otro momento, los muros registran en sus trazas la historia que les ha ido conformando. No tenemos el descodificador para poder reproducir lo que pasó, pero lo que sí que podemos comprobar es que aquella información está efectivamente contenida ahí. Fotografiamos para acumular esta información como para asegurarnos de no perderla. La guardamos con sus particularidades, detalles, imperfecciones para testificar si con el tiempo nos murmura algo.

Por otro lado, la serie “Compressions” recoge animales atropellados en carreteras de Cataluña y Estados Unidos y después de depositarlos sobre un fondo blanco realiza una fotografía cenital sin luz directa.

En la fotografía estamos constantemente pasando de realidades tridimensionales a planos bidimensionales sin que seamos conscientes de la violencia geométrica que esto supone. Estamos dentro de una sociedad tan saturada de fotografías que directamente vemos a través de la «ventana fotográfica», sin percibir el collage de elementos planos que se produce en este marco bidimensional. Los animales chafados en las carreteras sufren un proceso similar pero, al contrario que en el caso anterior, sí que muestran la violencia contenida en el proceso.

Al igual que en una fotografía cubista, las partes del cuerpo del animal se distribuyen en el plano redefiniendo las posiciones entre ellas pero manteniendo ciertas relaciones que nos permiten intuir su forma volumétrica original. El resultado es una mancha de geometrías y texturas complejas sobre un fondo blanco que nos remite a algo orgánico sin que podamos identificarlo inmediatamente, produciendo una vibración visual entre la forma abstracta y la forma figurativa contenida en la imagen.

Fecha: Del 28 de septiembre al 3 de noviembre de 2012
Lugar: Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El Palau Robert presenta, a partir del 28 de setembre, l’exposició «The New York Times Magazine. Fotografies», una reflexió sobre la naturalesa de la fotografia i el paper de les revistes en un moment crucial de la història i l’evolució de l’edició impresa.

The New York Times Magazine, una referència inqüestionable en la fotografia contemporània en mitjans de comunicació, ha esdevingut un espai de llibertat per a tots els fotògrafs. Durant més de trenta anys, la publicació ha explorat totes les possibilitats i aplicacions de la fotografia. A través dels seus encàrrecs, la revista ha donat a conèixer treballs dels més destacats fotògrafs i ha cobert totes les disciplines del medi: el fotoperiodisme, el reportatge de moda, el retrat i la fotografia conceptual.

El públic podrà gaudir de més de 130 obres de 35 destacats artistes, entre els quals trobem: Chuck Close, Jeff Koons, Annie Leibovitz, Sebastião Salgado, Lynsey Addario, David Armstrong, Lyle Ashton Harris, Roger Ballen, Lillian Bassman, Fred Conrad, Gregory Crewdson, Philip Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Mitch Epstein, Ángel Franco, Lee Friedlander, Nan Goldin, Edward Keating, Inez van Lamsweerde i Vinoodh Matadin, Mary Ellen Mark, Steve McCurry, Ryan McGinley, Jeff Mermelstein, Abelardo Morell, Simon Norfolk, Michael O’Neil, Paolo Pellegrin, Jack Pierson, Alfred Seiland, Nancy Seisel, Andrés Serrano, Malick Sidibé, Larry Towell, Lars Tunbjörk i Hellen van Meene.

Kathy Ryan, editora fotogràfica de The New York Times Magazine i comissària d’aquesta exposició, ofereix una oportunitat única per conèixer els processos creatius de la revista: fulls de contactes, fotos, quatre vídeos, correspondència personal de l’editora, comprovants i les revistes originals.

Data: Del 28 de setembre al 2 de desembre de 2012
Lloc: Palau Robert, Passeig de Gràcia 107, 08008 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Després de les exposicions «Flowers» de 2001 i «Black Nude Men» de 2004, la galeria Senda anuncia una nova exposició del fotògraf Robert Mapplethorpe. Aquesta mostra s’ha organitzat, com les anteriors, en col.laboració amb la Robert Mapplethorpe Foundation de Nova York i especialment amb el suport de la seva directora Monica Eulitz. Aquesta organització sense ànim de lucre va ser fundada per Mapplethorpe el 1988, uns 10 mesos abans de la seva mort, per promoure el seu llegat creatiu, promocionar el reconeixement de la fotografia i impulsar diverses causes com el suport a la investigació mèdica en l’àrea de la infecció pel VIH i la SIDA.

L’exposició consta d’una selecció de 20 obres de diferents temàtiques unides a través d’una única tècnica fotogràfica tradicional: la impressió de gelatina de plata. Es tracta d’obres perfectament reconeixibles de Mapplethorpe però alhora fugint de les més reproduïdes i populars: un dels propòsits d’aquesta exposició és aproximar al visitant fotografies en general poc conegudes. Així mateix, s’ha fet un esforç a seleccionar obres que fossin còpies d’època i fins i tot amb la raresa d’estar algunes d’elles signades.

Robert Mapplethorpe va néixer a Long Island, Nova York, el 1946. El 1970 va acabar els seus estudis a l’Escola d’Art del Pratt Institute, on va cultivar la pintura, el dibuix i l’escultura. Encara no havia començat a fer les seves pròpies fotografies quan ja es qüestionava les nocions tradicionals d’autoria i originalitat, creant art a partir de pàgines extretes de llibres i revistes, conceptes que ja havien estat promoguts per Man Ray o Duchamp. D’aquest primer període destaquen els seus treballs sobre la sexualitat i l’erotisme, temes que continuaria explorant al llarg de la seva carrera. A la dècada de 1980 refina la seva estètica, realitzant fotografies de nus d’aspecte escultural, tant d’homes com de dones, delicats bodegons de flors, i retrats d’artistes i celebritats amb una èmfasi en la bellesa formal clàssica.

El desenvolupament del treball de Mapplethorpe en les dues últimes dècades revela una forta i consistent visió de la realitat, i amb les seves imatges intenta unificar aspectes antagònics com l’ordre i el desordre, la vida i la mort, els homes i les dones, a la vegada que s’esforça en l’equilibri entre el fons i la forma. Les seves fotografies mostren un acostament a una fase en predomina el refinament dels temes i de la composició, en què insisteix en una visió de la bellesa clàssica, afable i formal. Mapplethorpe combina en les seves imatges fotogràfiques consideracions abstractes i formals amb la seva visió personal i refinada, d’una bellesa idealitzada.

Data: Del 27 de setembre al 17 de novembre de 2012
Lloc: Galeria Senda, C/ Consell de Cent 337, 08007 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La libreria +BERNAT expondrá del 22 de septiembre al 3 de octubre el trabajo «New York 2000» del fotógrafo Angel Carbonell.

Verano del 2000, un año antes de los terribles atentados del 11S, Carbonell aterriza en Nueva York. Queda impresionado por una ciudad y unas personas que unos meses más tarde vivirán la peor pesadilla de su vida. Son fotografías de calle, del día a día de la gente. Fotografías que han estado olvidadas durante doce años en sus archivos y que ahora, al leer el libro «Twins» de Adolfo Zulueta, cobran especial importancia en sus recuerdos.

«Acabamos de empezar y caminamos extasiados de tanto sobresalto. Las calles rugen. Un concierto de bocinas, motores, frenazos y sirenas nos envuelve. La calle vive pero sus actores no parecen respirar. Al pasar junto a una boca de metro atestada de gente, busco un mínimo intercambio de miradas pero nadie responde». Texto extraído de «Twins», que será presentado el miércoles 26 de septiembre en la misma librería a las 19:30h. Es el relato de un viaje que conduce a otro o, mejor dicho, de un único viaje de secuencias solapadas, de escenas superpuestas que vuelven una y otra vez para descubrir que el tiempo es sólo una ilusión, que el destino no está escrito. Un relato que nos lleva de Nueva York a México y de México a Nueva York en un trayecto donde el protagonista descubre finalmente quién es.

Fecha: Del 22 de septiembre al 19 de octubre de 2012
Lugar: Llibreria +BERNAT, C/ Buenos Aires 6, 08029 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Al destruir lo físico, con sus olores, con sus recuerdos, evocamos lo nuevo. Volvemos a empezar. En el trabajo que se expone en H2O, «Burning Them», Päivi Koskinen retrata personas quemando objetos significativos para ellos, algo que les ata al pasado y no les deja seguir adelante. “Burning them” es un ejercicio que invita a dejar atrás los recuerdos del pasado y trasformar el presente.

“Del fuego me atrae su bivalencia, su carácter generador y destructor de la vida”, dice la artista. Al mismo tiempo, Koskinen reflexiona sobre la dificultad de afrontar el cambio, por pequeño que sea. El ser humano tiende a sentirse incómodo frente al cambio y en ocasiones se resiste a él, hasta dejarse la vida en ello. Un hecho trágico, una acción agresiva, pueden ayudar a cambiar una tendencia o una manera de pensar y vivir. No es fácil dejar atrás los recuerdos y enfrentarse a nuevos retos, este ejercicio muestra la posibilidad de vislumbrar y buscar la regeneración.

En su anterior trabajo como en este, el contexto real está en el fondo de cada foto. Las personas y sus historias tienen que existir, antes de que pueda captar la escena. Se trata de un ejercicio lento, de conocer el individuo, su intimidad y entablar la confianza para captar esa historia y darle una forma visual teniendo como elemento alegórico el fuego con su capacidad de destruir y de crear.

Fecha: Del 27 de septiembre al 19 de octubre de 2012
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita