El espacio B,14 abre sus puertas mañana jueves 17 de mayo a las 20h con una exposición que es una clara declaración de intenciones: «Recursos Humanos» es una presentación del proyecto que van a llevar a cabo con una muestra de los que van a ser profesores del centro de formación dentro de Club de Arte.

Esta es una exposición multidisciplinar que abarca desde reportaje documental hasta últimas tendencias en ilustración de moda pasando por el ensayo fotográfico o escultura con papel. «RRHH» es un proyecto en el que se unen diversas técnicas y formas de trabajar para mostrar el laboratorio de ideas que es B,14, en el que la experimentación con el arte en todas sus facetas forman la columna vertebral de nuestra manera de ser.

Rafael Arocha (La Palma de Gran Canaria, 1978) trabaja el reportaje fotográfico desde una perspectiva artística, centrado en la exploración del otro como sujeto de la fotografía y en el autoconocimiento como creador, las imágenes que enseña en B,14 tratan de las relaciones personales. Basado en los poemas de Barral, Gil de Biedma y Goytisolo nos enseña una ciudad re-creada por sus experiencias personales, de momentos de euforia pero también de momentos de angustia e inquietud.

Nuno Carvalho (Portugal, 1978) nos muestra en B,14 un ejemplo de su trabajo con papel, esculturas delicadas y personales que ofrecen un renacer a materiales desechados. Aquí nos muestra un mapamundi transformado en chaleco salvavidas al que, para apreciarlo en su totalidad, hay que rodear. Una pieza que nos muestra la fragilidad de lo físico de la obra junto a lo consistente del discurso.

Javier de Cea (Santiago de Chile, 1978) arquitecto y artista de formación trata el tema de ciudad actual en sus lienzos, en los que incluyen elementos habituales en nuestro paisaje urbano, tags, posters, pegatinas. Sus pinturas, y como ejemplo la que nos enseña en B,14, son características por la libertad expresiva y su capacidad de aglutinar discursos y motivos en las varias capas que las van creando. Un cruce de argumentaciones tan contradictorias y sólidas como la ciudad de la que de Cea habla.

Ariadna Creus (Barcelona, 1975) actualmente está desarrollando su proyecto fotográfico «El juicio del mono» en el que analiza la relación del ser humano con los animales: desde la relación que tiene un granjero con su ganado hasta la relación perro-dueño, pasando por las imágenes que nos muestra en B,14: una selección de su trabajo «Anaima» que muestra la relación que se establece desde la ciencia y la museología con los seres antes vivos.

Ana Belén Jarrín (Ecuador, 1976) ecuatoriana afincada en Barcelona, fotógrafa de formación y con amplia experiencia en el reportaje documental. Su obra está ligada a la expresión de individualidades poco comunes, a cuerpos en cambio o en situaciones límites dentro de una sociedad cada vez más estandarizada. Para la ocasión nos muestra un retrato de la serie «Ecce Homo», en el que destaca el tratamiento de la luz, con claras influencias de la pintura de Caravaggio.

Kirei es un colectivo que trae desde Japón una técnica de modelado escultórico que genera unas esculturas hiperrealistas de elementos naturales, flores, cestería, y otros objetos que conviven con sus homólogos reales. Una técnica preciosista aplicada en esta muestra sobre elementos de cáliz artístico.

Móncia Lou (Zaragoza, 1984) es una artista multidisciplinar que trabaja desde la óptica fotográfica. Sus intereses se mueven entre el análisis de las imágenes y la plasmación del movimiento en la fotografía. Sus imágenes, gracias a la Compañía Nacional de Danza, son pequeños abecedarios de los tránsitos que un bailarín genera. En RRHH nos muestra Walking Mad, cuatro momentos casi mágicos generados desde el baile y la luz.

Enric Passolas (Barcelona, 1973) muestra cinco retratos en los que aplica técnicas de dibujo y pintura muy cuidadas y basadas en las maneras de hacer clásicas. En estos pequeños universos aparece una atmósfera mágica creada a través de los paisajes y las actitudes de los personajes, femeninos y acompañados de elementos que rememoran la pintura flamenca.

Nina Sibiratkina (Minsk, 1986) es una habitual de la ilustración en de publicaciones de moda. En su estilo, siempre muy cercano a las nuevas tendencias, rebosa el color y los personajes femeninos. Un dibujo muy sugerente y estético que nos muestra las contradicciones de la sociedad actual, dado que las mujeres que viven en ellos, aunque perfectas en apariencia, nos muestran una actitud enrarecida.

Marta Zafra (Jaén, 1977) nos habla de la memoria personal a través del acto de dibujar mediante unas fotografías familiares y un acto, en este caso forzado, de recordar. Las fotografías le ofrecen poder visitar en su recuerdo el instante en el que fueron tomadas y revivir los propios sentimientos y los de las personas que la acompañan en la imagen interpretando los gestos y dándole a la imagen una nueva perspectiva, esta vez más personal y centrada en .

Dario Zeruto (La Habana, 1965) utiliza el libro de artista como forma de expresión, mediante técnicas textiles, de papel artesanal y de encuadernación consigue otorgar al libro una segunda vida, en B,14 nos muestra dos de sus últimos proyectos: Nostalgia, la antología poética de Nicolas Guillem a cargo de Dario Puccini reencuadernada por Zeruto generando una escultura de piel y otros elementos naturales, junto a In Giro con Alda Merini, en el que se reencuaderna Ballate non pagate en forma de espiral, dando un mismo sentido a la forma que al fondo de la obra.

Fecha: Del 17 al 30 de mayo de 2012
Lugar: B,14, C/ Johann Sebastian Bach 14, 08021 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

L’artista nord-americà d’origen cubà Anthony Goicolea (Atlanta, 1971) presenta «Domesticated». La mostra consisteix en una acurada selecció de fotografies, dibuixos, obres sobre fusta i un vídeo que ens remeten a la recerca dels límits entre allò domèstic i allò salvatge, una reflexió sobre la intervenció humana davant la natura.

Els darrers treballs d’Anthony Goicolea ofereixen un apropament a la intersecció de dos àmbits, allò controlat i allò caòtic simultàniament. En aquesta exposició l’artista es mostra, segons les seves pròpies paraules: «particularment interessat en els ambients híbrids i en les formes que han estat creades com a resultat de la interacció entre aquests dos mons. Cases abandonades, bastides i altres estructures fetes per l’home han estat envoltades lentament per la natura que les soscava i les desestabilitza.»

Les fotografies i dibuixos d’aquesta sèrie emmarquen el cicle de les coses, es presenten diversos escenaris que composen vanitas moderns formant un perfecte compàs entre vida, permanència, creació i descomposició. La presència de ruïnes no encarna un ideal estètic romàntic, sinó que Goicolea crea un assaig del mecanisme social i cultural i mostra que tant la natura com les persones estan sempre mutant i adaptant-se en el procés de decadència i regeneració.

Algunes de les peces de «Domesticated» estan habitades per espècies domèstiques híbrides com gossos de carrer, plantes modificades pel àmbit de la llar o criatures llegendàries com Big Foot o Sasquatch. Aquestes imatges es troben tant al pla d’allò indòmit i misteriós de la natura com d’allò que s’ha construït i determinat per la mà de l’home. Més enllà dels profunds canvis que la cultura pot fer sobre allò salvatge, aquesta exposició ens retorna a l’estat inicial de les coses, a un àmbit que encara conserva certs elements de la civilització però que ara escapa del seu domini.

Data: Del 24 de maig al 30 de juliol de 2012
Lloc: Galeria Senda, C/ Consell de Cent 337, 08007 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La Fundació Casa del Tibet inaugura el próximo viernes 18 de mayo a las 19:30h la exposición de fotografías que el fotógrafo Sergi Reboredo hizo durante su viaje al Tibet, captando momentos de la vida de los tibetanos y mostrando el riesgo de extinción de su cultura milenaria como consecuencia de la política de colonización en las regiones tibetanas.

Según sus propias palabras: “A causa del boicot del gobierno chino, y de la represión a la cual someten a los tibetanos, la cultura tibetana se encuentra cada vez más en riesgo. Quizá su situación geográfica, su propia lucha, han favorecido, por otro lado, que se mantenga aislada y viva buena parte de ella: su lengua, sus tradiciones, sus vestimentas. Para un fotógrafo extranjero hay muchos atractivos: desde las facciones de sus gentes, desde el colorido de sus casas, templos y monasterios, hasta los rituales del día a día. Pero también llama la atención la falta de Derechos Humanos. Lhasa es una ciudad sitiada por el ejército y la policía chinos, restringidos los movimientos de sus ciudadanos, donde no tienen la libertad de salir de su propio país ni contar lo que está ocurriendo. Los extranjeros no podemos mantener una conversación con ellos, ni mucho menos visitar sus hogares. La historia contada por los chinos a los extranjeros sobre el país es totalmente contraria a la verdad.”

Fecha: Del 18 de mayo al 18 de junio de 2012
Lugar: Fundació Casa del Tibet de Barcelona, C/ Rosselló 181, 08036 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Walter Benjamin va definir com instant tècnic la dècima de segon en què la mirada del fotògraf decideix, tria i crea. I la sèrie d’instants tècnics que presenta Núria Martínez Seguer a «Soul Round» serveix per explicar el nou salt qualitatiu de la seva obra. Observadora d’éssers que combaten i de situacions d’un dramatisme especial, Seguer cerca la figura i l’ànima humanes a partir de models reals que posen en la seva memòria fotogràfica i en la desmemòria col·lectiva. Per aquesta raó, obre la seva exposició amb imatges d’un temps perdut i poc conegut, quan Catalunya era l’empori de la boxa i aportava als rings campions d’Espanya, d’Europa i un quasi campió del món com el mític Josep Gironès, el Crack de Gràcia. El seu homenatge recorda que aquells esportistes van ser morts o exiliats quan les tropes de Franco van ocupar Catalunya.

Com atrapada per una obsessió, l’obra de Seguer canvia i creix constantment amb una trajectòria abstreta, acoblant etapes sense baules perdudes. Des dels seus inicis, persisteix en la intimitat del seu llenguatge fotogràfic, la figura humana és la seva matèria primera i fa que parli amb uns sistemes de senyals que tradueixen la seva interioritat. La maduresa de la seva obra culmina la lògica interna de la seva introspecció, sempre buscant les claus de si mateixa en les imatges totals, en les fragmentades i en la fotografia que li dicta la seva imaginació més íntima.

Després d’aquelles imatges femenines de «Nommer Femme belle de jour» (2010), Seguer esdevé una caçadora de figures soles i abandonades, ja sigui contra les cordes o contra la pròpia vida, amb un refugi al racó del ring on només esperen una palangana, una esponja i una tovallola. L’artista empra conceptes subjectius de sorpresa o de perill per aquestes figures ni nues ni vestides. I es detecta en la seva posició compromesa que els problemes socials i històrics la commouen i nodreixen el seu instint fotogràfic. Els seus contrastos són fonamentals: precisió i misteri, claredat i desassossec, limpidesa i dramatisme, controlant aquests contraris, la posada en escena i la calculada escenografia del seu dramatisme subjectiu.

A «Soul Round», persones, entorns i atmosferes transmeten dinàmiques interiors que l’artista desvetlla. Si la força del seu treball és sempre un misteri, també ho és saber per què uns homes combaten a un quadrilàter i s’integren en la societat mitjançant el combat. Amb la seva gran cultura de voyeur de l’art de boxejar, Seguer es mou en una terra de ningú i en un món d’homes que cap altra fotògrafa ha sabut captar amb tanta profunditat. La seva mirada coincideix amb la seva intenció crítica. Crits, cops, dolor i suor són més implícits que explícits, sense entrar mai en el cos a cos. Es percep que la commouen les contradiccions de la dialèctica dels punys, quasi com una religió o una expiació de la condició humana. L’home que boxeja no és una figura ideal, sinó un magma que Seguer tradueix en passió. La galeria humana de Soul Round no són les joguines trencades del tòpic, sinó joguines passives d’un crit que comença quan el púgil surt al ring i no calla fins que guanya o és vençut.

Seguer combina la boxa amb un soul nascut entre la població negra durant una postguerra mundial plena de pobresa, abans que el soul esdevingués un símbol de la consciència racial i dels drets civils en els temps de Luther King, Malcom X i Cassius Clay. Massa jove per a recordar-ho, no és aliena a la complicitat civil d’un discurs que interpreta respectant cada codi. Perquè quan parlem de la fotografia de Seguer, parlem també de pintura, cinema i poesia. Ella pren partit ètic i estètic sobre el desordre de la societat amb un expressionisme molt propi, amb la tensió interior i exterior del púgil, i el ring o el gimnàs són complements per reflectir la impressió de plaer i de turment. De vegades és el combatent i de vegades el seu entorn, però crits, cops, dolor i suor componen l’entitat coral de la fraternitat de la boxa, angoixada i angoixant fins el moment del K.O.

La fotògrafa filtra les persones i els seus retrats són com una prolongació, perquè mira dins dels seus boxejadors i dins de si mateixa. Amb una bellesa i elegància salvatges, les seves imatges són el relat de mirades tolerades, vigilades i quasi prohibides pel pensament políticament bleda que veu violència allà on només hi ha força noble entre esportistes nobles. Les seves figures, quasi com estàtues clàssiques, transmeten ànimes. I els seus paisatges esdevenen petites taques de llums sobre un ring dins una vella sala de ball. La seva estratègia fotogràfica es podria anomenar de combat i és com un lleu fil íntim entre l’instant tècnic de la creació artística i la fotografia ja exposada.

L’expressivitat de Seguer s’accentua amb la distorsió i la confusió dels límits de les seves siluetes a mesura que se sent més propietària de la seva pròpia mirada. La pulsió de fotografiar, com la de pintar o la d’escriure, implica un rebuig de les formes convencionals per integrar la realitat en una sintaxi inquietant i significant, retratant àmbits i gestualitats sense cap voluntat exemplar ni moralitzadora. El seu repte és fixar impactes dramàtics. El que queda són lluitadors amb mirades que traspuen vides. Perquè la sensibilitat gràfica de Seguer és la seva memòria de la situació i de l’experiència. Una memòria entre les sensacions i els sentiments.

Moviments lumínics, poètica fotogràfica, cossos potents, caps quasi totèmics. Lluny de les modes, l’artista es mou entre el quadrilàter del ring i el rectangle de la fotografia impresa. Les seves criatures tenen una musculatura forjada per circumstàncies exteriors i interiors, i ella ho sap i ho capta. El seu desconcert d’ identitats, el seu tenebrisme i la seva manca de prejudicis humanitza l’ esport i l’art de combatre més primitiu de la humanitat. Es percep que tot el que és humà li fa mal, la seva proposta és rebel i reflecteix el xoc entre la persona, la realitat i la derrota com a intuïció del fracàs final del cos i de l’ànima.

Amb «Soul Round», Núria Martínez Seguer es consolida com la millor fotògrafa de la boxa a Catalunya. Transgressora i sensual, aporta el seu jo i el seu art a una col·lectivitat i a un país que han perdut molts combats al llarg de la seva història. I no oblida que Salvador Espriu va escriure que mai no podem desesperar del vell vençut.

Fecha: Del 24 de maig al 22 de juny de 2012
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El próximo jueves 17 de mayo a las 19h se inaugura en la escuela de fotografía GrisArt la exposición «Mortuorum» del fotógrafo Víctor Calero. «Mortuorum» es una serie fotográfica realizada en el cementerio del Poble Nou de Barcelona. Un trabajo de largo recorrido que documenta los espacios, los silencios y el paso del tiempo en un lugar tan singular como el de este cementerio. «Mortuorum» fue uno de los proyectos seleccionados en el ciclo el Proyector 2011 de Colectania.

Fecha: Del 17 de mayo al 21 de junio de 2012
Lugar: GrisArt – Escola de Fotografia, C/ Còrsega 415, 08037 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Guanyador del Premi de Fotografia de Torroella de Montgrí 2011 que atorga la Fundació Vila Casas, Pedro Madueño presenta el proper dilluns 14 de maig a les 19:30h a Can Framis una acurada selecció dels seus treballs més rellevants sota el títol de «Seqüències».

Sota una mirada íntima i analítica, Madueño ha despullat als seus protagonistes de les 8 sèries que comprenen la present exposició i que contenen una setentena de treballs. Personalitats destacades com Eduardo Chillida, Jaume Plensa, Antoni Tàpies, José Ferro, José Tomás, Baltasar Porcel, Ferran Adrià i la ballarina Maya Plisetskayaaya han estat sotmesos a la mirada incisiva i penetrant del fotògraf fins a provocar la nuesa. Malgrat que la seva trajectòria professional ha estat vinculada a la actualitat política i cultural del país, la seva producció va més enllà del fet estrictament informatiu per arribar a desxifrar els enigmes que s’amaguen darrera de la màscara. Així mateix, el domini exhaustiu i minuciós de la tècnica li permetrà explorar noves vies d’expressió que li apropen a un gènere artístic de connotacions oníriques.

Data: Del 14 de maig al 22 de juliol de 2012
Lloc: Can Framis, C/ Roc Boronat 116-126, 08018 Barcelona (mapa)
Preu: Pagament

En un mundo masificado de imágenes… ¿Cuánto cuesta tomar una fotografía? ¿Cuánto pesa una fotografía? ¿Cuánto ocupa? ¿Cuánto vale? Y ¿2.500 fotografías? Todas las respuestas a estas preguntas las tiene Toni Amengual, un fotógrafo obsesivo compulsivo que ha dedicado un año y medio de su vida a fotografiar, escondido detrás de un smartphone, la cotidianidad más absoluta.

Una exposición formada por 2.500 instantáneas en el formato tradicional de la fotografía analógica (10×15) que bien podrían ser entendidas como una contaminación visual si no fuera porque todas ellas están firmadas por el autor y expuestas para su venta. El espectador podrá adquirir in situ las imágenes por un precio simbólico de 0’20€. De esta manera, se le invita a ser partícipe de la muestra al mismo tiempo que es él mismo quien dota de sentido a las series, formando sus propias secuencias.

Además, se podrá ver una exposición colectiva de alumnos de 1º y 2º del Graduado Superior de Fotografía, cuyos proyectos se están desarrollando en las clases que Amengual imparte en Idep Barcelona.

Fecha: Del 10 de mayo al 10 de junio 2012
Lugar: IDEP, Av. Diagonal 401, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Nagappa Boya, fotógrafo de la Fundación Vicente Ferrer en la India, hablará el próximo jueves 10 de mayo a las 19h de su experiencia como colaborador de la fundación en la India en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya. Boya explicará su relación con la ONGD, sus inquietudes y formación, cómo trabaja a nivel fotográfico, la organización de su departamento, entre otros aspectos. La sesión se complementará con una proyección visual de sus trabajos.

La presentación del acto estará a cargo de Juan Alonso Fernández, documentalista de la FVF en su sede de Barcelona, y de Miquel González y Llorenç Raich, profesores del IEFC. La conferencia se realizará en castellano.

Data: Jueves 10 de mayo de 2012
Horario: A las 19h
Lloc: Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, C/ Comte d’Urgell 187, 08036 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuita

La galería masART acoge hasta el 1 de junio la exposición «Arboretum» del fotógrafo Esteban Pastorino.

La obra de Pastorino destaca principalmente por el desarrollo técnico en el campo de la fotografía, ya sea construyendo sus propias cámaras o utilizando técnicas antiguas. Sin embargo, en «Arboretum», el artificio técnico pasa a un segundo plano y revaloriza la mirada del fotógrafo seleccionador de realidades. En vistas panorámicas de 360 grados, tomadas con una cámara de su construcción, Pastorino plantea un recorrido visual por bosques geográficamente distantes. Estos paisajes son actualmente solo pequeñas islas de naturaleza virgen rodeadas por áreas afectadas por una actividad industrial cada vez más creciente; y unos de los pocos lugares donde aún podemos tener una visión completamente despojada de la traza humana.

Las fotografías de estos espacios, donde el tiempo parece detenerse, retoman la tradición histórica del paisaje proponiendo una reflexión sobre lo efímero y lo permanente.

Fecha: Del 3 de mayo al 1 de junio de 2012
Lugar: Galería masArt, C/ Sant Eusebi 40, 08006 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La galeria Contrast inaugura demà dimarts 8 de maig a les 19:30h la 3a edició de 4fOCUS, titulada «Antropològic», una exposició dedicada a explorar petits fragments del propi ésser humà a través de la fotografia: sentiments, erotisme, religió, arxiu vital, etc. De la mà de Pavel Amilcar, Xavier Comas, Tek y Damián Pissarra explorem aquests aspectes des de la qualitat tècnica i l’elegància estètica.

Data: Del 2 de maig al 2 de juny de 2012
Lloc: Galeria Contrast, C/ Consell de Cent 281, 08011 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya acoge hasta el próximo viernes 11 de mayo la exposición «La mirada india» de Nagappa Boya, fotógrafo de la Fundación Vicente Ferrer en la India. La muestra recoge una selección de 24 imágenes representativas del trabajo que la FVF realiza en los diferentes sectores de actuación: educación, sanidad, ecología, vivienda, mujer y personas con discapacidad.

Fecha: Del 7 al 11 de mayo de 2012
Lugar: Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, C/ Comte d’Urgell 187, 08036 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita