El próximo 16 de septiembre se inaugura en la galería Joan Prats la exposición «Archivo: Drag Modelos» de Helena Cabello y Ana Carceller, un trabajo fotográfico surgido del análisis de la influencia que pueden tener los modelos cinematográficos en la génesis de nuevas estéticas en el imaginario colectivo, explorando la posibilidad de modificar los discursos principales, actuando desde las micropolíticas.

En el cine narrativo, que es también el de consumo mayoritario, la pantalla termina convirtiéndose en un espejo que alimenta la ilusión del sueño. La capacidad de inmersión virtual de los espectadores en historias ajenas, aquello que se ha venido denominando “la magia del cine” es, también, la llave que abre la caja de Pandora, pues impulsa procesos de identificación no siempre deseados, a menudo ajenos a las convenciones y leyes que rigen las relaciones sociales normativas.

«Archivo: Drag Modelos» se presenta como una galería de retratos realizados en diferentes países, a través de los cuales se rastrean las huellas de la influencia cinematográfica en la representación de masculinidades alternativas. Reasignar y deslocalizar la masculinidad permite ir más allá de la deconstrucción de las actuales estructuras de poder, ofreciendo posibilidades que alejen lo masculino del masculinismo dominante. Este proyecto aborda la elaboración de un retrato colectivo que muestre las preferencias en la selección de modelos estéticos y de comportamiento de una parte de la comunidad de mujeres que han optado por repensar y/o transgredir la limitada oferta de asignación de género. Estas historias secundarias nos permiten descubrir roles identitarios que han sido refutados durante demasiado tiempo y estigmatizados desde el punto de vista de las estéticas hegemónicas.

Las relaciones entre realidad y ficción ganan interés con el contraste que se produce entre las circunstancias reales que habitan las modelos y los espacios de ficción presentes en las narraciones cinematográficas. Los retratos se acompañan así con imágenes de las ciudades, de los lugares donde se encontraban o donde viven las protagonistas. Siendo éste un archivo que cuestiona la posibilidad misma del archivo como elemento de organización, clasificación y taxonomía; los escenarios y las personas se confunden con los personajes y los sets, y se enfatiza esta idea de catalogación caótica.

Fecha: Del 16 de septiembre al 16 de octubre de 2010
Lugar: Galería Joan Prats, Rambla de Catalunya 54, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La Galería Raíña Lupa presenta obra reciente y libros de artista de Antoni Miralda y Joan Rabascall en colaboración con Éditions Jannink, París. En esta muestra se podrá ver además, la colección de libros de arte de la editorial parisina. Creada en París en 1978, las Éditions Jannink lanzaron en 1991 la colección «L’art en écrit» basada sobre un concepto inédito: conceder la palabra a los artistas y acompañar sus escritos con una obra de arte original y fir mada. Son los propios actores de la escena artística quienes explican sus trabajos.

Paralelamente, la editorial Jannink edita dos colecciones de estampas, «Autoportrait» y «Naked», que per miten a los artistas ejercitarse en temas impuestos, así como una colección de periódicos-carteles, la «Collection 127», íntegramente dedicada a la fotografía. Jannink presenta en Raíña Lupa dos estampas que pertenecen a la serie «Naked», una de Miralda y otra de Rabascall.

Sus colecciones reúnen a artistas de renombre internacional: Christo, Antonio Saura, Gilbert & George, Joan Rabascall, Antoni Miralda, Eduardo Arroyo, Panamarenko, Isidore Isou, Jannis Kounellis, Baselitz, Jan Fabre etc. En esta ocasión, la editorial presenta dos libros, uno de Miralda y otro de Rabascall, que forman parte de la colección antes mencionada.

Miralda (1942, Tarrasa, Barcelona, España) en la década de los 70’s produce con Dorotheé Selz mixted media y happenings. El artista no utiliza la técnica fotográfica como un collage, sino como una técnica pictórica, realizando una crítica del militarismo, el régimen de Franco y la violencia en muchas de sus obras. En su posterior relación con Montse Guillén, restauradora y gastrónoma, encamina su obra hacia el arte comestible, planteando un panorama gastronómico de la sociedad post industrial.

En esta ocasión presenta dos series inéditas: «Vía Crucis», editado por Raíña Lupa en 2010, que alude al descubrimiento de América y a la masacre allí cometida, y otra serie «X-Ray Foods», provenientes ambas de los archivos fotográficos del artista de los años 60/70 y editadas recientemente en una edición de 7 ejemplares numerados y firmados.

En la obra de Rabascall (1935, Barcelona, España), la utilización y la manipulación de las imágenes de los medios de comunicación crean un discurso abiertamente crítico. Sobre su obra él afirma: “De esa masa de imágenes “tratadas” y “manipuladas” que nos rodean y nos condicionan, sustraigo algunas de su contexto, les doy un nuevo marco (…). Desvío así su finalidad primera para denunciar o subrayar algunos aspectos de esa “realidad” periodística que nos hacen tragar diariamente los mass media.”

Su trabajo se sitúa en el centro de una visión “perversa” e incisiva del objeto y del consumismo desarrollado en Europa, en contraste con la fascinación por los productos industrializados del Pop Art americano. Rabascall llena sus lienzos aislando las imágenes fotográficas y provoca así en el espectador, una lectura crítica de nuestro tiempo. “La imagen de Rabascall es un intruso en el juego cultural de los medios de comunicación” (Pierre Restany, París, 1973).

Fecha: Del 16 de septiembre al 11 de diciembre de 2010
Lugar: Galería Raíña Lupa, C/ Consell de Cent 278 – 1º 2ª, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Elena Sanz Bendicto (L’Hospitalet de Llobregat, 1951) ens presenta en aquesta exposició un recull de fotografies realitzades a Mongòlia.

L’Elena ha compaginat al llarg de la seva vida, la seva feina amb la seva passió per la fotografia. Amb un aprenentatge autodidacte, les seves fotografies ens mostren la vida quotidiana i el més important per l’autora, les persones, sempre protagonistes en els seus treballs.

No obstant, si algun fet marca la faceta artística de l’Elena és la seva passió pel continent asiàtic, per la seva cultura, la història, les tradicions, les ciutats, els paisatges i, especialment, per la seva gent. Tant és així, que la seva vocació com a fotògrafa neix en el seu primer viatge al continent asiàtic, concretament a l’Índia on començà a fer retrats dels seus habitants ja amb un estil propi que ha anat desenvolupant al llarg de la seva carrera i que aconsegueix transmetre’ns tantes sensacions.

Els seus treballs més recents s’han centrat en dos països asiàtics amb els que té un vincle especial, la Xina i Mongòlia. Dos països que tot i trobar-se tant llunyans estan presents d’alguna manera o altra en el dia a dia de l’Elena, qui espera poder tornar a visitar i submergir-se de nou entre les seves gents.

Com ja s’ha dit, la present exposició es centra en Mongòlia, país que l’Elena ha visitat acompanyada per un nadiu. Concretament, podem veure fotografies dels nòmades, gent amb qui l’autora ha conviscut coneixent les dificultats que suposa aquest estil de vida, però a la vegada descobrint la humilitat i senzillesa d’aquestes persones. En aquestes fotos podem observar els rostres tant dels ciutadans de la capital, Ulan Bator, com dels nòmades de la resta del país, retrats que mostren la duresa de la vida en un país ancorat a una altre època llunyana a la que nosaltres coneixem i que sense cap mena de dubte no deixarà indiferents als seus visitants.

Data: Del 16 de setembre al 23 d’octubre de 2010
Lloc: Associació fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La Galería A. Cortina presenta una exposición colectiva de fotografía que lleva por título «#4». Exposición multidisciplinaria, con cuatro series que tienen como eje temático el espacio y su percepción. La vulnerabilidad del paso del tiempo, la dualidad, la fantasía y la ficción, la interpretación de la realidad, mundos simulados, manipulación, evolución, son algunas de los rasgos que caracterizan a los cuatro artistas que forman parte de la muestra: O. Jolonch, Damian Galli, Dídac Cortina y espluga + associates.

Fecha: Del 16 de septiembre al 16 de octubre de 2010
Lugar: Galería A. Cortina, C/ València 248, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La Galeria Tagomago se acerca a la fotografía norteamericana con la exposición «East Coast, West Coast», que incluye obras de los fotógrafos Aline Smithson y Greg Miller, que aunque pertenecen a una misma generación, tienen una manera muy diferente de trabajar. La exposición, que se inaugura el próximo 16 de septiembre a las 20h, presenta unas 40 fotografías de ambos artistas.

La fotografía artística y la voluntad de plasmar las relaciones sociales otorgan contenido a sus obras, mientras que las diferencias se encuentran en la manera de plasmarlo. Greg Miller fotografía personas o lugares reales buscando ir más allá de la mera descripción, busca poder descubrir esa historia subyacente que existe en las fotografías, remarcando la importancia de las relaciones personales. Aline Smithson toma fotografías para crear momentos que son familiares, pero también inesperados, buscando temas como el patetismo de la infancia, el envejecimiento, la introspección o la contemplación.

En su serie «Portrait of the Photographer’s Mother», Smithson muestra 20 fotografías que combinan las técnicas más tradicionales con el pintado a mano con colores llamativos. La serie, cuya protagonista es la madre de la artista, de 85 años, se explica a través de una peculiar historia: la inspiración empezó cuando encontró una pequeña copia del pintor americano James Whistler con el título «Arrangement in Grey and Black: Portrait of the Painter’s Mother» en un rastrillo de un garaje de barrio. El mismo fin de semana encontró un abrigo de leopardo y un sombrero, una pintura de un gato de los años 50, y una silla que parecía idéntica a la de la pintura de Whistler. «Eso empezó a hacerme pensar sobre la idea del retrato, las fuertes relaciones de composición en relación a la pintura de Whistler», sostiene Smithson.

Miller presenta, por su parte, «County Fair», una serie de fotografías que muestra una de las estampas más típicas de la sociedad norteamericana, como son las ferias en los condados. También retrata otros aspectos de la cultura americana como el Ash Wednesday, el miércoles de ceniza, o los Band Camps, campamentos de música. «County Fair» reúne instantáneas con personas cotidianas, haciendo cosas cotidianas, como una pareja sentada hablando en un coche o un párroco caminando hacia su iglesia. El fotógrafo estadounidense busca reflejar la tensión que hay entre los personajes que aparecen en el encuadre, e incluso en las fotografías en las que sólo aparece una persona, Miller busca ese momento en sus ojos.

Fecha: Del 16 de septiembre al 23 de octubre de 2010
Lugar: Galería Tagomago, C/ Santa Teresa 3, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«BCN Fragments» es una selección de fotografías de Barcelona y de la gente que vive en ella. Realizadas en el transcurso del tiempo, las fotografías reflejan momentos únicos de luz que han llamado la atención de su autor. Todos los tirajes son copias de autor, reveladas en papel emulsionado con gelatina de plata y base de barita.

Fecha: Del 16 de septiembre al 30 de octubre de 2010
Lugar: Espacio 2 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

KOWASA gallery inaugura la temporada 2010-2011 con «Paisaje y romanticismo», la primera muestra individual en España del fotógrafo alemán Andréas Lang. A lo largo de los últimos años, Lang ha obtenido reconocimiento internacional por su mirada mística y por su aproximación introspectiva a los lugares que visita —paisajes históricos y mitológicos, marcados irremediablemente por la memoria y el devenir de los tiempos. En 2008, su ciclo «Eclipse» —un proyecto fotográfico de gran envergadura ambientado en el Oriente Próximo— fue objeto de una exposición y una publicación monográficas en la DG Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst de Múnich.

Con la presente muestra, KOWASA gallery reúne una cuarentena de fotografías en blanco y negro, pertenecientes a un conjunto de trabajos anteriores a «Eclipse» a los que se remontan los orígenes de Lang en el ámbito del paisaje histórico. Se trata de «Alchimique» (Francia, 1997-2000), «Landschaften der Romantik» (Alemania, 2002), «The Secret Island» (Grecia, 2004), «Aion I» (Roma, Italia, 2001), «Aion II» (Nueva York, 2003) y «Durch die Nacht» (Polonia, 2005). Realizadas entre 1999 y 2005, las seis series «europeas» de Lang marcan las características de la etapa mística del autor antes del giro decisivo de 2006-2007, cuando su fotografía incorpora el color y adopta una aproximación documental más extrovertida. En ellas se puede apreciar el exclusivo ambiente que rige el universo visual de Lang, así como la manera en que su mirada ensoñadora y reflexiva se desliza sobre los lugares con los que se enfrenta, reconstruyendo la imagen colectiva de Europa. En su totalidad, las series contemplan dos aspectos del paisaje europeo: el aspecto mitológico, tal como se ve tratado en la pintura romántica del siglo XIX, y el histórico, tal como se manifiesta en escenarios de trauma europeos, como los campos de batalla de Verdún y los lugares de los crímenes de guerra alemanes en Polonia.

Con motivo de la exposición y de la celebración de la Tardor de l’Art, KOWASA gallery, Andréas Lang y Tristan Barbarà Editions presentarán «Sous les ogives», un libro de artista que recoge nueve fotograbados realizados con la técnica del polímero. El porfolio incluye «Notre Dame», el tercer capítulo de la novela de Víctor Hugo Notre Dame de París, y algunas de las fotografías que Lang realizó en los años que residió en esa ciudad. La presentación del libro tendrá lugar el próximo 7 de octubre en KOWASA gallery y correrá a cargo de Tristan Barbarà y Enrique González, editor de la revista Grabado y Edición, cuyo número actual dedica un extenso artículo al autor.

Las fotografías de Andréas Lang evocan un viaje muy personal y conmovedor a los orígenes de nuestra cultura. En la mayoría de las series presentadas en esta exposición, el escenario común es Europa, el denominado «viejo continente», la «cuna de la civilización occidental», con todos sus símbolos y nociones fundamentales: la historia, la filosofía y la invención misma del afán por el pasado, la arqueología. Tal vez es en el paisaje europeo donde, más que nunca, el mito de la historicidad se entremezcla con una larga tradición de representaciones identitarias, codificadas por un imaginario colectivo que abarca desde las descripciones de los textos literarios hasta la pintura monumental y la propia fotografía. Con sus viajes por Grecia, Italia, Francia, Alemania y Polonia, Lang busca identificar las huellas de estas transcripciones culturales y la manera en que se anclan en los lugares, envolviéndolos con una atemporalidad intangible.

Cabría destacar aquí que, para Andréas Lang, la historia no es una narrativa determinada, sino un acto de experiencia personal y un ejercicio de visualización imaginativa que se plasma a lo largo del camino mediante desplazamientos constantes y encuentros fugitivos con los lugares y las personas que los habitan. La percepción del fotógrafo, que, tras meses de investigación, se posiciona con su cámara ante esos lugares, y su bagaje cultural son las herramientas que le confieren esa capacidad única para plasmar atmósferas y recrearlas visualmente. No es casual que todas las imágenes de Lang parecen insinuar presencias y ausencias, huellas de acontecimientos históricos antiguos o más recientes, que acaban transmitiendo la esencia de esos lugares como escenarios apocalípticos de glorias y tragedias pasadas en todas sus dimensiones. Algo así, por ejemplo, sucede en «Aion II» (Nueva York, 2003), la única de las seis series que transcurre fuera de Europa y que está situada inesperadamente en un contexto plenamente contemporáneo. De la misma manera que las persecuciones del Imperio romano contra los primeros cristianos han dejado sus huellas en los paisajes de «Aion I» (Italia), en «Aion II» el paisaje se convierte en un campo de batalla. Los fantasmas del 11-S recorren las calles de Manhattan y el presente resulta igual de explosivo que el lejano pasado. Aun así, las imágenes de Lang parecen apuntar que, más allá de la política, lo importante es encontrar el sentido trascendental de esos lugares, un sentido que los vincula, a modo de un horizonte invisible, con una espiritualidad universal sin precedentes. Es precisamente este aspecto no fotografiable del paisaje, por encima de cualquier elemento material y tangible —la arquitectura, la religión, la monumentalidad—, lo que Lang ha intentado captar a lo largo de toda su trayectoria.

Asimismo, las fotografías de Lang, con su uso expresivo de la luz, su grano y sus contraluces mágicos, parecen hacer alusión a Caspar David Friedrich y los grandes románticos del siglo XIX. Aun así, se trata de una interpretación puramente fotográfica —a través de la lente y la luz que se inscribe en el negativo—, de un nuevo foto-pictorialismo, quizá nostálgico, pero atravesado por la omnipresencia fantasmal de nuestros tiempos. El presente que rige nuestra conciencia histórica choca inevitablemente con la imagen metamorfoseada de esos lugares que trae ante nuestros ojos la cámara de Andréas. Ante todo, se trata de la naturaleza instintiva de la creación fotográfica, tal como Cartier-Bresson la había descrito: el instante en el que las emociones convergen mágicamente y el pasado, el presente y el futuro se inscriben y se filtran mediante la mirada contemplativa del fotógrafo.

Repleta de emoción y de sutil sofisticación, la obra de Andréas Lang se aleja de la fría objetividad de la Escuela de Düsseldorf, que ha dominado el panorama de la fotografía alemana a lo largo de las últimas décadas. Mientras la mayoría de los fotógrafos hoy centran su trabajo en los efectos de la globalización e industrialización, Lang se dedica a desvelar el aspecto oculto del paisaje y la fotografía. En su caso, fotografiar se convierte en un acto puramente personal, íntimo y exclusivo. Así pues, la objetividad es reemplazada por la subjetividad, y el estado anímico del autor desafía al imaginario colectivo. Como un peregrino en medio de lugares sagrados cuyo destino se ve afectado irremediablemente por el peso del mito y la tragedia, Lang aspira a descifrar con su cámara el aspecto críptico y desértico de las ruinas y de la naturaleza. Su cámara busca y, finalmente, consigue acceder a la imagen del mundo que nos rodea —una imagen interior, contenedora de realidades, culturas y cuestiones existenciales diversas, que han ido moldeándose con el tiempo en una nueva visión de la humanidad.

Fecha: Del 16 de septiembre al 30 de octubre de 2010
Lugar: Espacio 1 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Toda fotografía, como escribió Roland Barthes, ‘es un certificado de presencia’, lo que vemos ‘ha estado absoluta e irrecusablemente presente, y sin embargo ha sido ya diferido’. Está y no está; o está pero sumergido en su propia imagen.

‘Después del objeto viene la imagen’, observó Maurice Blanchot. ‘La cosa estaba ahí, la atrapamos en el momento vital en que iba hacia algo, pero en el instante en que se ha vuelto imagen ha dejado de estar a nuestro alcance, ha dejado de ser nuestra contemporánea’. Se ha vuelto, pues, la presencia de una ausencia o, dicho de otro modo, la aparición de algo que ha desaparecido. Lo mismo puede aplicarse a la persona que aparece retratada, se parece en todo a sí misma y, sin embargo, no es ella; es como el cadáver, su propia imagen. No es, por ello, descabellado pensar en la Fotografía como una suerte de cementerio donde cada toma es un pequeño monumento funerario, donde se cuenta la historia de aquello que ha sido.

Para su nueva exposición en ProjecteSD Iñaki Bonillas toma prestado el título del célebre libro de cuentos de M. R. James, «Historias de fantasmas de un anticuario», con el propósito de abordar la fotografía desde la perspectiva de Barthes y Blanchot, y presentarnos tres ‘historias de fantasmas’, tres estudios en torno a la (no)persistencia de la imagen y su naturaleza espectral.

La primera de estas exploraciones, «Los ojos», reúne doce fotograbados de retratos extraídos del archivo JR Plaza en los que el retratado se resiste a mirar a la cámara. Este trabajo está relacionado con la inquietud que provoca que la persona fotografiada sea capaz de ‘ver’. Una inquietud que se acrecienta cuando el retratado nos niega lo que tiene en común con los vivos: la mirada. La distancia, de por sí insalvable entre nosotros y esa persona, ese fantasma sumido en un más allá de la imagen, se acentúa. El retratado no nos ve pero nosotros tampoco a él: se ha escapado detrás de sus ojos. La cualidad espectral de esta pieza se intensifica al ser presentada a partir del negativo fotográfico, calificado por el poeta Robert Desnos como el verdadero espectro, el único capaz de merodear de foto en foto.

La serie «Tineidae», nombre en latín de la familia de las polillas, es el resultado de someter un grupo de fotografías del archivo JR Plaza a la acción de las polillas de la ropa. Según indica el diccionario, el término polilla ‘puede ser aplicado a cualquier cosa que destruya algo lenta e instintivamente’ como, por ejemplo, el tiempo. Blanchot afirmaba que la imagen sigue al objeto: ‘es lo que queda de él, lo que nos permite tener todavía algo de él cuando ya no haya nada’. Sin embargo, la imagen fotográfica no es eterna. ‘Incluso si ha sido fijada sobre los soportes más resistentes’, decía Barthes, ‘no es por ello menos mortal: como un organismo viviente, nace a partir de los granos de plata que germinan, alcanza su pleno desarrollo durante un momento, luego envejece’. Al ser atacada por la luz, por la humedad, ‘empalidece, se extenúa, desaparece; no queda más que tirarla’. Esta naturaleza temporal, perecedera, la vincula con la frágil condición de la memoria humana, especialmente cuando la fotografía se utiliza para substituir el recuerdo original de un suceso.

La tercera serie mostrada es una reflexión acerca de la relación entre la Historia, el otro territorio por excelencia de los fantasmas, y la Fotografía. La memoria histórica positivista aprovechó el efecto de realidad de la fotografía para dar la ilusión de proximidad y de transparencia a los sucesos del pasado. Todos crecimos con la idea de que el pasado, como dice Barthes, ‘es tan seguro como el presente, porque lo que se ve en el papel es tan seguro como lo que se toca’. Nuestros libros de texto son eso: álbumes de familia. Y, sin embargo, no hay quizá una prueba más clara de que el testimonio de la fotografía es tan fugaz como el oral, que las páginas vacías de un álbum de estampas que nunca será llenado; que una historia que no será contada porque es la de un país que ya no existe. Expuesta sobre mesas, la serie «Checoslovaquia» presenta imágenes de páginas de un antiguo álbum publicado en el extinto país. La particularidad reside en que los espacios previstos para pegar las estampas siguen estando tal y como se encontraron: en blanco. Únicamente se han alterado los textos. Bonillas les ha dado un orden, o quizás un desorden universal, el alfabético, para que cualquiera pueda leer o ver en esos vacíos su propia historia.

Fecha: Del 16 de septiembre al 6 de noviembre de 2010
Lugar: Galería ProjecteSD, Passatge Mercader 8 – Baixos 1, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El proper dimecres, 15 de setembre, a les 19:30 h, tindrà lloc a La Virreina Lab del Palau de la Virreina la inauguració de l’exposició «Fotomercè 2009». Com cada any, s’exhibiran les imatges dels guanyadors i dels seleccionats del concurs popular de fotografies de la Festa Major de Barcelona. A la convocatòria de l’any passat s’hi van presentar gairebé 2000 instantànies, de les quals se n’han seleccionat un centenar que formaran part, juntament amb les guanyadores en les diverses categories, de l’exposició. Tots aquests treballs es complementaran amb les imatges del fotògraf convidat i fotocronsita oficial de La Mercè 2009, Àlex García.

Data: Del 15 de setembre al 17 d’octubre de 2010
Lloc: La Virreina Centre de la Imatge, La Rambla 99, 08002 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galería Hartmann estrena temporada el próximo jueves 16 de septiembre a las 20h con la exposición «Mister G» del francés Gilbert Garcin. «Mister G» es un compendio de imágenes publicadas en su último libro bajo ese mismo título y editado por Filigranes. Sus imágenes están confeccionadas con la dedicación del artesano y el talento del poeta: recorta fotografías de sí mismo y las pega en pequeños decorados en los que recrea un universo irreal que ofrece claves para entender la vida y nuestro mundo. Pegamento, tijeras, una cámara y un derroche de talento. Y como artista es joven: comenzó al jubilarse como vendedor de lámparas. Acaso por ello sus imágenes se inspiran en el cine primitivo, pero Garcin es sobre todo un surrealista que se acerca a la magia onírica y melancólica de Meliès. Creador vigoroso, escribe una suerte de «biografía ficticia» que es al mismo tiempo un tratado poético y nada solemne sobre la condición humana. «Comenzar a los 65 años tiene muchas desventajas, y una sola ventaja: la experiencia vivida», comenta el artista.

Fecha: Del 16 de septiembre al 25 de octubre de 2010
Lugar: Galería Hartmann, C/ Sta. Teresa 8 bajos, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita