Este proyecto experimenta y reflexiona sobre la construcción de la identidad a través de la pose, mostrando las reacciones y reflexiones de los «sujetos» al sufrir la destrucción de su imagen. Para esto se proponen dos «acciones» a las que deben enfrentarse: una, la construcción de su propia imagen, en la que el fotógrafo no se pronuncia; y dos, asistir en el momento a la destrucción de la misma.

El cuerpo de este proyecto es la suma del contexto en el que se ven inmersos los «sujetos» y la ilación de éstos (en el momento) con el fotógrafo: la exploración de la imagen perfecta, la lucha por la imagen deseada, el dominio que creen de sí y el control que ejerce el fotógrafo sobre ellos.

La colaboración de los «sujetos» se ha conseguido a través de dos vías: anuncios en páginas web y el simple boca a boca. En ambos casos la única información que les proporcionaba era que iban a ser retratados. Una vez en el estudio, se explica el primer ejercicio: el «sujeto» se enfrenta a la cámara (a su propia imagen). Deben ser ellos los que construyan la imagen (trabajar la pose). Acto seguido, una vez conseguido el retrato, la imagen, el fotógrafo procede, sin previo aviso, a la deformación del rostro con cinta adhesiva. Todo el proceso se documenta en foto y en vídeo. En este último caso, el «sujeto» no sabe que está siendo grabado. Se pretende una respuesta natural, sin artificio, sin consciencia, sin un discurso previo.

Finalmente, el formato en el que se presenta este proyecto es el díptico, formato que permite analizar, relacionar y enfrentar las dos «acciones». Estos son montados del siguiente modo: sección izquierda, construcción de la identidad (sólo fotografías); sección derecha, destrucción de la identidad (fotografías+vídeos).

Fecha: Del 27 de enero al 24 de febrero de 2011
Lugar: GrisArt – Escola de Fotografia, C/ Còrsega 415, 08037 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid y El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presentan simultáneamente la exposición “Desaparecidos”, comisariada por la fotoperiodista Sandra Balsells. Esta muestra fotográfica del fotoperiodista Gervasio Sánchez pretende aproximarnos al tema de la desaparición forzosa en países como Chile, Argentina, Perú, Colombia, El Salvador, Guatemala, Irak, Camboya, Bosnia-Herzegovina y España entre los años 1998 y 2010.

“Desaparecidos” se erige como un contundente documento contra el olvido y tiene como objetivo rescatar la memoria sepultada de personas desaparecidas en varios conflictos bélicos y procesos de represión. La presentación de la exposición se inscribe en una acción cultural de gran envergadura que, por primera vez en el panorama expositivo español, implica la exhibición simultánea en tres ciudades -Barcelona, Madrid y León- de un macro proyecto fotográfico centrado en la misma temática y a cargo del mismo autor pero con versiones y contenidos diferentes. Aunque la selección de fotografías que se exhibirá en cada uno de estos centros es totalmente distinta, las muestras mantienen la misma estructura narrativa, los mismos bloques temáticos y las tres concluyen con un significativo epílogo dedicado a España, en el que se aborda el actual proceso de búsqueda y exhumación de personas desaparecidas durante la Guerra Civil y la dictadura franquista.

Además de material fotográfico, la exposición incluye dos grabaciones audiovisuales que nos acercan a la experiencia de testimonios de familiares de desaparecidos y muestran y reproducen el sonido ambiente de centros de detención y lugares de inhumaciones.

La relación de Gervasio Sánchez con el drama de los desaparecidos arranca en Guatemala en 1984, año en el que inicia su trayectoria profesional como periodista independiente, especializado en conflictos armados. Desde entonces y hasta la actualidad, Gervasio Sánchez ha cubierto numerosos conflictos bélicos y ha desarrollando varios proyectos a largo plazo sobre las víctimas. En estos 25 años de actividad profesional, el tema de la desaparición forzosa ha sido una constante en la obra del fotógrafo que, de manera intermitente, se ha sumergido en numerosos países afectados por esta problemática. La exposición “Desaparecidos” constituye el proyecto más extenso y voluminoso de los realizados hasta ahora por Gervasio Sánchez.

En el marco de la exposición, los tres centros celebrarán también unas jornadas destinadas a reflexionar y debatir el fenómeno de la desaparición forzosa.

Fecha: Del 2 de febrero al 1 de mayo de 2011
Lugar: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), C/ Montalegre 5, 08001 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

La galería Corretger5 inaugura hoy 22 de enero a las 20h la exposición «Tabú» de la artista iraní Golsana Heshmati, un proyecto de fotografías y fotomontajes.

El trabajo de Golsana Heshmati capta al espectador a través de poderosas imágenes sarcásticas y rigurosas cuyo hilo conductor parece ser la ironía, el orden y la simetría utilizados en el arte islámico. Expresa al máximo el disgusto emocional y psicológico de una mujer musulmana cuya moralidad y fe religiosa son destruidas por una sentencia moral de su sociedad por romper los tabúes.

Fecha: Del 22 de enero al 22 de febrero de 2011
Lugar: Galería Corretger5, C/ Corretger 5, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

En 2008, la marca Polaroid anunciaba el fin de la fabricación de película para sus cámaras de fotografía instantánea con la intención de dedicarse exclusivamente a lo digital. Un símbolo de la fotografía analógica caía.

Desde ese mismo momento, miles de usuarios de todo el mundo creaban grupos de apoyo en internet y exposiciones para pedir la comercialización de los nuevos carretes, que finalmente se logró en marzo de 2010.

La “desaparición” de la polaroid motivó a muchos usuarios a retomar los formatos analógicos y recuperar no solo la famosa fotografía instantánea, sino también vinilos, cintas de VHS, cámaras de carrete y máquinas de escribir. Se constataba que formatos analógicos y digitales podían convivir y coexistir en beneficio del usuario.

La exposición «It’s alive, alive!» se perfila como un ejercicio ligado tanto a la técnica como a la memoria. 15 artistas recuperan fotografías y películas antiguas o realizan nuevos trabajos utilizando formatos analógicos. Juntos, crean una especie de archivo de memoria personal y colectiva, donde polaroids, Super 8, diapositivas o escritos a máquina nos transportan a una infancia y adolescencia cargada de recuerdos.

Una muestra para ver de cerca, con pequeños formatos, íntima y personal.

Fecha: Del 20 de enero al 18 de febrero de 2010
Lugar: KKKB, C/ Joaquim Costa 9, 08001 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

A pesar de su capacidad de realizar instantáneas, el medio fotográfico no deja exento al autor de un proceso largo y a menudo lleno de dudas. La exposición «Work In Progress» presenta las experimentaciones actuales así como algunas series iniciadas o en curso de algunos de los artistas de la galería, entre los que encontramos a Caterina Barjau, Pere Cortacans, Liu Bolin, Paula Ospina, José Antonio Carrera y Raimon Solà.

Fecha: Del 20 de enero al 26 de febrero de 2011
Lugar: Galería Tagomago, C/ Santa Teresa 3, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«On The Block. Harlem Private View» de Susanna Pozzoli (Chiavenna, Italia, 1978), es un íntimo retrato fotográfico de todas las casas del tramo de la 121st Street entre Lenox Avenue y Adam Clayton Powell Jr. Boulevard. Una zona que vive un polémico proceso de gentrificación: gente nueva que llega al barrio con un mayor poder adquisitivo que el de sus habitantes habituales, provocando que suban los precios de las viviendas y que la población “histórica” tenga que emigrar a otras zonas.

Pozzolli llegó a Harlem en julio de 2007 mediante el programa de residencia internacional para artistas emergentes Harlem Studio Fellowship by Montrasio Arte (HSF by MA). Intrigada por la realidad que le rodeaba, empezó a trabajar en este proyecto que ha desarrollado en tres años de trabajo. El resultado es una serie de fotografías artísticas de medio formato que, con un gran cuidado por la técnica y los detalles compositivos, representa un interesante documento histórico-social del barrio, ya que captura la esencia de un conjunto de espacios privados en proceso de desaparición y cambio.

“Harlem se está transformando a un ritmo acelerado; muchas casas antiguas se convierten en apartamentos de lujo, en contraste con las viviendas de la comunidad afroamericana que tras vivir allí desde hace muchos años ven como buena parte de sus residentes tienen que irse porque los alquileres se disparan de precio”, declara Pozzoli, consciente de ser parte de ese controvertido proceso de cambio: una joven artista europea que va tocando a las puertas de los brownstone (las típicas casas de piedra arenisca), de los bares, de la escuela o de la iglesia pidiendo a los vecinos que le dejen entrar para fotografiar sus espacios…

“He vivido momentos preciosos pero también situaciones duras con la gente, que no siempre tenía una actitud positiva hacia a mi proyecto. Una experiencia directa que, pese a no percibirse en la exposición, para mí es fundamental”, comenta la autora. La exposición consta de sesenta y seis fotografías que transportan al espectador al interior de diversas casas y locales de Harlem. Todas las imágenes fueron tomadas con luz natural, para respetar la atmósfera de cada lugar y dar dignidad a sus objetos. Así, la ausente presencia humana se advierte sin ser visible, para que nos imaginemos las caras de las personas que habitan en esos espacios y que sus objetos nos cuenten historias.

Tras pasar por el California Museum of Photography de Los Angeles, la muestra llega a Barcelona el próximo 20 de enero, día en que Pozzoli dará una charla, sobre el proyecto y sus dinámicas relacionales, además de presentar el libro «On The Block. Harlem Private View» (editado por Umberto Allemandi & C. y Montrasio Arte), a la venta en The Private Space Shop.

Fecha: Del 20 de enero al 4 de marzo de 2011
Lugar: The Private Space Gallery, C/ Roc Boronat 37, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Este texto no tendría que empezar así, seguramente no tendría ni que empezar, no tendría que existir, no hace falta hablar de lo que no existe, de lo que no quiere existir, de lo que casi no somos capaces de ver o de lo que sólo se nos aparece en el escenario de la intuición. Alguien más leído diría que la poesía seria lo más adecuado para traducir estas imágenes, utilizando el recurso de “leer una fotografía” o de “fotografiar un poema”.

Pero las imágenes que gracias a Pere Formiguera se hacen visibles estaban y están en algún sitio, Formiguera sólo nos indica el camino, nos abre la puerta, enciende la luz y provoca la sensación de que las estamos viendo!

Parecen reales, de una realidad cargada de discursos, de teorías, pero por un instante nos sentimos humanos, por un instante vemos algo!

Aceptamos para poder continuar que la poesía sería lo más cercano a lo que estamos viendo, pero Formiguera suple al poeta sin hacer poesía, suple al fotógrafo sin hacer fotografía, suple al creador sin hacer de dios, Formiguera se nos presenta esta vez sin intermediarios, solo, sin espacio para la desnudez, ni para las emociones, ni mucho menos para el atrevimiento de señalar lo esencial.

Formiguera estaba o está en algún sitio que desconocíamos, que desconocemos, no hace falta preguntarle de dónde viene, cómo o por qué lo ha hecho, su respuesta está ahí, su respuesta elimina la pregunta, pero el diálogo continua, sin milagros, sin magias, sin intermediarios, solo.

Fecha: Del 20 de enero al 12 de marzo de 2011
Lugar: Galería Fidel Balaguer, C/ Consell de Cent 315 – entl. 2ª, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Anna Malagrida (Barcelona, 1970) desarrolla una visión personal a través de la fotografía y el vídeo. Concebidos a menudo en torno a la oposición dialéctica entre interior y exterior, sus trabajos invitan al espectador interrogarse sobre su propia mirada. La ventana, el escaparate, el velo o la frontera son algunos de los recursos utilizados por la autora para hacer dialogar los diferentes espacios y medios.

Su interés por la naturaleza de la imagen fotográfica y su relación con otros medios como la pintura o el vídeo la llevan a explorar los límites de la fotografía, su relación con el tiempo y a cuestionarse su capacidad documental. Este aspecto es desarrollado a través de uno de los recursos más estudiados en la historia del arte que se convierte en protagonista absoluto en toda su obra: la ventana. Una ventana que tiene un papel muy claro: fotografiar una ventana es fotografiar un cuadro, es la imagen de una imagen. La ventana es también una frontera que delimita dos espacios, interior y exterior. Y el vaivén entre esos dos espacios tiene que ver en el trabajo de esta artista con la idea del movimiento y de la duda, la subjetividad de la mirada frente a la certitud de un medio aparentemente racional.

Esta serie de fotografías, comenzada en París a finales de 2008, es un recorrido por los escaparates de bajos comerciales parisinos cerrados o en proceso de remodelación. La autora propone un punto de vista diferente al de la serie Point de Vue que realizó en 2006 y hace referencia a la colección de escaparates que el fotógrafo Eugène Atget catalogó a principios del siglo XX en París.

Las ventanas son fotografiadas desde la calle, no desde su interior, y aparece el reflejo de la ciudad. Ya no es la memoria la que conforma el discurso entre el afuera y el adentro; no hay referencia a la nostalgia de una realidad perdida, sino a la fugacidad que conlleva la desocupación o la reforma de un espacio y el tiempo se muestra como transformación. Los escaparates han perdido su uso, su función, y aparecen como objetos. Los cristales de las fachadas están cubiertos con brochazos de pintura blanca, conocida con el nombre de «Blanco de España» y las fotografías ponen en evidencia el gesto pictórico, anónimo, inscribiéndolo en la historia de la representación –del arte conceptual al expresionismo abstracto‐ y dejan ver las tensiones sociales a través de las inscripciones y dibujos anónimos. El graffiti realizado desde el interior con todo tipo de frases y dibujos se convierte en una frontera que rebota la mirada y nos devuelve nuestro reflejo en el cristal. El interior desaparece y quedan la pintura y el reflejo de una ciudad que se transforma en tiempos de crisis. La depresión económica se encarna en lo abstracto. La pintura blanca cubre los signos de una actividad pasada y nos priva del dispositivo óptico que representa el escaparate.

En esta exposición de escaparates compuesta por fotografías y un vídeo, Malagrida vuelve al tema de la ventana como frontera. En una dialéctica entre opacidad y transparencia, la fotografía se encarna como superficie capaz de representar a la pintura, una superficie tan plana que a veces la mirada del espectador parece rebotar para confrontarse a sí misma. Pero transparente otras, y entonces la cámara capta con aparente naturalidad la poesía de la vida moderna.

Fecha: Del 19 de enero al 19 de marzo de 2011
Lugar: Galeria Senda, C/ Consell de Cent 337, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

L’exposició fotogràfica sobre Haití que es presenta al Palau Robert mostra la devastació i la catàstrofe humanitària provocada pel terratrèmol que va sacsejar aquest país del Carib el gener del 2010. “Haití, un terratrèmol que dura segles” és el títol d’aquesta exposició que organitzen la Generalitat de Catalunya i la Federació Catalana d’ONG per al Desenvolupament, i es pot visitar del 18 de gener al 13 de febrer, a la Sala Cotxeres.

L’exposició dóna a conèixer la magnitud de la destrucció i denuncia que l’extrema pobresa ha convertit el terratrèmol d’Haití en una de les pitjors catàstrofes de la història. Un terratrèmol de magnitud 7,2 en l’escala Richter, amb epicentre a 15 km de la capital haitiana, que va sacsejar el país el 12 de gener de 2010. Un sisme que va deixar 220.000 morts i dos milions d’afectats.

Les fotos que s’hi exposen pertanyen a les ONG i fotògrafs següents: Waldo Fernandez; Madame Théodore (Mans Unides); Noorani, Ramoneda i LeMoyne (Unicef); Charles Eckert (Ajuda en Acció); Robert King, Laurent Duvillier, Lee Celano, Susan Warner i Nielsen Louise Dyring (Save the Children); Assemblea de Cooperació per la Pau; Pablo Tosco, Iván Muñoz i Carlos Cazalis (Intermón Oxfam), i Daristóteles (FARMAMUNDI).

A l’exposició també s’hi poden veure els dibuixos de l’il·lustrador i escriptor Jomà i l’audiovisual “Imatges contra l’oblit”. Les ONGD que estan treballant l’emergència a Haití han captat les imatges d’un poble que lluita per tirar endavant i sortir de l’extrema pobresa, agreujada pels efectes devastadors del terratrèmol. La mostra de vídeos reflecteix la duresa de la vida quotidiana de centenars de milers d’haitians i haitianes que sobreviuen en campaments de refugiats o en refugis improvisats; la vulnerabilitat de les dones, que pateixen la violència de forma generalitzada, i els infants; l’atenció mèdica, psicològica, alimentària i de sanejament de la població afectada; el brot de còlera i la seva prevenció; i els desplaçaments de població a la recerca de millors condicions de vida.

Data: Del 18 de gener al 13 de febrer de 2011
Lloc: Palau Robert, Passeig de Gràcia 107, 08008 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta