Los protagonistas de esta expo fotográfica, comisariada por Diego González, son artistas de gran reconocimiento internacional como Mustafa Sabbagh, Predrag Pajdic, Paco Peregrín, Lars Weber, Armando Branco y Kim Holm.

Licenciado en Bellas Artes, de origen almeriense pero afincado en Madrid, el trabajo de Paco Peregrín es y ha sido muy admirado. No en vano ha obtenido gracias a un extenso y elaborado curriculum ha obtenido reconocimientos como el Premio Nacional de Fotografía Profesional Lux oro en Moda y Belleza 2008. Ha trabajado para marcas como Nike, Adidas, Gant, Mazda o Lee entre muchas otras y ha publicado en numerosas revistas como Neo2, Vanidad, Vanity Fair, Vogue, Tendencias, Elle o Yo Dona. También ha sido profesional de la enseñanza en la Escuela Superior de Artes y Espectáculos TAI durante tres años, así como en otros centros de prestigio: PhotoEspaña, Istituto Europeo di Design, IES de la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid, talleres y conferencias en Photodays (Rovnj,Croacia), Centro Andaluz de Fotografía (Almería), Matadero de Madrid (Central de Diseño) y Escuela de Arte de Jerez (Consejería de Educación de la Junta de Andalucía) entre otros.

Kim Holm es un artista visual que vive en Oslo. Se graduó en 2006 en la universidad de Hyper Island, Suecia. Desde entonces ha trabajado para varios estudios de diseño como Shilo (Nueva York), Bleed y Scandivnavian Design Group, en los que estuvo trabajando principalmente en el Diseño y animación para web, publicidad e identidad. Actualmente trabaja para Toxic en la ciudad de Oslo como Director, diseñador Motion graphic artist. Ha conseguido gran relevancia gracias a uno de sus último trabajos, el video clip “Release The Freq”. Su pasión por la música, el arte contemporáneo y la arquitectura imprime un marcado carácter a su trabajo.

Lars Weber es un fotógrafo y artista visual que vive en Hamburgo y que ha estado trabajando hasta hace poco en una agencia de publicidad. Actualmente desarrolla una nueva revista de moda internacional. Desde antes de iniciar sus estudios en Diseño y Comunicación quiso aprender a fondo fotografía. Ahora reconoce que se siente absolutamente atrapado por ella. La moda para él, además de reconocer que está siempre presente en la vida de la gente, la siente como una manera de comunicación, de presentar nuestra personalidad, una vía para ilustrar nuestros estados de ánimo, ideales políticos y un estilo de vida, en definitiva.

Diseñador, Comisario de Arte y también ponencias sobre arte y cultura contemporánea. Predrag Pajdic reside actualmente en Londres y ha contribuido a incontables publicaciones internacionales. Sus obras han sido mostradas en más de 200 exposiciones obteniendo por ellas gran mérito y reconocimiento. No en vano muchas de ellas ya forman parte de las colecciones del Museo Británico de Londres, del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del Museo de la Moda de París, Victoria & Albert Museum de Londres y de otras innumerables colecciones privadas.

Para Armando Branco dentro del arte también se funde el cine y la música, convirtiéndose en sus aliados que constituyen las bases de su creación. Sus trabajos también se fundamentan en el día a día, en lo cotidiano. Países como Estados Unidos, Alemania, España, Finlandia e incluso el Reino Unido han publicado sus obras.

Es natural de Amman (Jordania) pero actualmente vive en la ciudad italiana de Ferrara. Mustafa Sabbagh estudió Arquitectura en la Universidad de Venecia. Se formó en Londres como asistente de Richard Avedon y en el 2007 colabora con el prestigioso Central Saint Martins College of Art and Design. Sus imágenes han sido publicadas con gran éxito en publicaciones de moda como Arena, The Face, Sport & Street, Mondo Uomo, Kult, Uomo Collezioni, Zoom on Fashion Trends, Gasby, Front, Rodeo, Vogue Italia, L´Uomo Vogue, D La Repubblica Delle Donne. Mustafa ha expuesto sus trabajos en diferentes galerías como el Museo Giovanni Boldini en Ferrara, en Milán o en la feria de arte de Barcelona. Recientemente ha publicado “About Skin” con sus principales obras en la importante editorial Damiani agotando todos sus ejemplares.

Fecha: Del 11 al 18 de noviembre de 2011
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

En el análisis de la experiencia contemporánea se constata una evidencia: la dificultad de pensar el futuro. Así como la modernidad se caracterizó por su prolífica construcción de promesas, hoy no hay más que un presente que siempre reduce nuestras expectativas para mañana. Bajo esta premisa, el comisario Martí Peran presenta en la Fundació Foto Colectania la exposición “Estilo indirecto”, que reúne la obra de ocho artistas contemporáneos: Jordi Colomer, Adrià Julià, David Maljkovic, Chris Mottalini, Javier Peñafiel, Peter Piller, Thomas Steinert y Eve Sussman.

Cada uno de los 8 ensayos fotográficos de “Estilo Indirecto”, de diferentes fotógrafos contemporáneos y tomados en lugares distintos, narran una parte de la historia usando la técnica narrativa que da nombre a la exposición. El estilo indirecto permite al artista apropiarse de las voces y los personajes seleccionando una información concreta para construir pequeños relatos que se sitúan en episodios históricos concretos como la llegada a la luna de Yuri Gagarin (Eve Sussman), la industrialización en la Holanda de los años 50 (Peter Piller) o el intento por capturar el sueño utópico de los seguidores de Charles Fourier (Adrià Julià). La alternativa para abrir la posibilidad de pensar el futuro desde el pasado, obliga así a una compleja operación: hablar mediante un estilo indirecto capaz de usurpar las voces pasadas y reeditarlas de un modo crítico, sobre un lugar y un tiempo distintos de aquellos de los que proceden.

“Estilo Indirecto” se configura pues como un proyecto donde se coleccionan pequeños relatos arraigados en episodios históricos donde cada una de las narraciones pone en juego el pasado, el presente y el futuro.

Fecha: Del 12 de noviembre de 2011 al 28 de enero de 2012
Lugar: Fundació Foto Colectania, C/ Julián Romea 6 D2, 08006 Barcelona (mapa)
Precio: Pago / Primer sábado de mes entrada gratuita

The Private Space presenta “Nippon”, una muestra de cuarenta fotografías de Toru Morimoto (Akashi, 1972) y Tina Bagué (Barcelona, 1974) que complementa la presentación del libro “Japan 日本”, editado por The Private Space.

Las fotografías, tanto de la exposición como del libro, son un extracto del reportaje The Japan Photo Project, trabajo con el que Bagué y Morimoto buscan ampliar la visión que el mundo tiene de Japón, yendo más allá de los tópicos y estereotipos del país que suelen predominar en el resto del mundo.

Fecha: Del 10 al 27 de noviembre de 2011
Lugar: The Private Space, C/ Roc Boronat 37, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El próximo viernes 11 de noviembre a las 20:15h se inaugurará en la sede de la Asociación Fotográfica Enfoque Selectivo la exposición colectiva “Proyecto 11”, que recoge los trabajos de los fotógrafos Juan Manuel Mercado, Teo Calleja, Manel Ahicart, Manel Jara y Christyan Martos. Paralelamente a la inauguración de la exposición se ha programado una serie de actividades alrededor de la misma. De las 18h a las 21h tendrá lugar una sesión de estudio abierta a todo el mundo que traiga cámara fotográfica, y a las 20h se estrenará el corto “La Anunciación”, dirigido por Alejandro Calvo.

Fecha: Del 11 al 30 de noviembre de 2011
Lugar: Asociación Fotográfica Enfoque Selectivo, C/ Tramuntana 51, 08030 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Kowasa Gallery presenta del 5 de noviembre al 7 de enero una exposición monográfica dedicada a la fotógrafa Garance Roussel (Ibiza, 1974). La obra de Roussel explora el nexo entre sentimiento y lugar a través del diálogo entre su propio cuerpo y el bosque que la envuelve en su vida cotidiana. Su cámara registra los espacios imperceptibles que marcan la transición entre los mundos exterior e interior. El conjunto de trabajos reunidos en la muestra –un total de 37 fotografías en blanco y negro, todas ellas positivadas por la autora– resume los rasgos más idiosincrásicos de su lenguaje visual e invita al espectador a percibir las vibraciones de mundos remotos y, sin embargo, paralelos al nuestro.

Enmarcadas en referencias tan diversas como el simbolismo, el espíritu gótico de Edgar Allan Poe y el idealismo transgresor de Baudelaire, las narrativas desencadenadas por las secuencias de Garance Roussel trazan un territorio de paisajes emocionales. En el centro de este enigmático y, en su esencia, abierto escenario se encuentra la artista como un actor más. Al dejarse arropar por el lugar, Roussel parece anhelar la reconstrucción de la experiencia definitiva de lo “Heimlich”, es decir, la sensación de un lugar ancestral, místico e intacto que ofrece refugio y cobija al ser y sus sueños. Empleando como trasfondo, un universo de texturas, formas y aromas que no duda en convertir en extensión orgánica de su propio cuerpo, Roussel siente libre para trascender los límites de su propia existencia y reconocerse como el gran Otro. Las fronteras entre lo perceptible y lo imperceptible se desdibujan, el cuerpo se funde con la naturaleza, y una especie de experiencia sobrenatural se manifiesta en el lenguaje de los signos tangibles.

Roussel explora de una forma obsesiva la afinidad emocional que ciertos lugares concitan, una afinidad que describe en términos de los lazos que uno percibe o intuye pero que ignora si en realidad están justificados históricamente o no. Es fundamental, aquí, señalar el sentido especial que adquieren en su imaginario los antecedentes fotográficos de su familia. Su familia francesa de París, artistas en su mayor parte y también aficionados a la fotografía, solían veranear en una casa situada al borde del bosque de Fontainebleau. Roussel dispone de una amplia selección de copias sobre las excursiones realizadas por este bosque, todas ellas datadas en la primera mitad del siglo xx. La similitud de la luz entre las fotografías familiares de entonces y las suyas de ahora son para ella una obsesión, como si estuviera buscando inconscientemente el encuentro con esas antiguas imágenes a través de lentes de cámaras que también tienen cien años de antigüedad. Como si existiera una conexión invisible entre la localización actual del bosque de Mallorca donde realiza sus series y aquel otro bosque que pertenece a un momento lejano, como si el estado interior que ambos lugares encierran se fundiera en uno solo y, de este modo, persistiera.

El autorretrato, que completa el esquema de reflexión en la obra de Garance Roussel, es portador de una búsqueda existencial y se convierte en la prueba material del enlace del ser con el mundo. No tan explícitas, sino sutiles y crípticas, las formas de su feminidad entran en diálogo con el bosque, entendido visualmente aquí este como la matriz primitiva de ramas de árboles y hojas, mitos paganos y ritos ancestrales. Para Roussel, todas las historias de fantasía y misterio ocurren en bosques encantados habitados por seres maravillosos o terroríficos donde no penetran ni el género humano ni la luz. Ante todo, el bosque facilita un espacio para la imaginación y el delirio: la dislocación del ídolo del espejo, las visiones alucinatorias y el acercamiento a lo desconocido, remoto y prohibido. Nacido del caos original, este espacio abre una infinidad de puertas a otros mundos y posibilita la confrontación con el otro, con la sombra, el sueño maravilloso, con todo lo que yace fuera del lenguaje.

En este cruce entre lo natural y lo sobrenatural, entre la vida y la muerte, la figura de la artista emerge como la suprema encarnación de lo sublime. Guiada por una especie de automatismo psíquico, Roussel sigue fotografiando sin utilizar el intelecto y continúa disparando movida por la intuición, las sensaciones y los sentimientos. Cuando coge una cámara, no piensa, desaparece, ya no es materia, llega incluso a sentirse aturdida y aun a desmayarse al separar la cámara del ojo…

Fecha: Del 4 de noviembre de 2011 al 7 de enero de 2012
Lugar: Espacio 1 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Kowasa Gallery presenta del 5 de noviembre al 7 de enero la exposición “Mirades” de la fotógrafa Maria Villalba Badía. Durante los últimos años, la autora ha viajado por Gambia, Indonesia, Magadascar y Nepal. El resultado es un trabajo que resalta la idiosincrasia y belleza de las personas con las que se ha encontrado, tanto por sus vestidos como por sus caras muy expresivas y especiales, y sobre todo, sus miradas.

Fecha: Del 4 de noviembre de 2011 al 7 de enero de 2012
Lugar: Espacio 2 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita