Si uno de los objetivos principales de la fotografía es fijar el tiempo, “retratarlo” sería el objetivo oculto de quiénes la practrican desde una perspectiva artística. Una consideración que viene a cuento ante las fotografías expuestas por Jesús Atienza en Il Mondo.

Y es que Atienza ha ido creando con los años una filosofía de la imagen que ha tomado al Tiempo como tema principal aunque nunca explícito ni declarado. Hablando sobre las fotografías expuestas, indicaba hasta qué punto le interesaba dejar reposar unos años las imágenes en un cajón, para permitirles expresar luego todo el “tiempo” que la imagen arrastra o acumula consigo. Darse cuenta de ello modifica la actitud del fotógrafo ante el objetivo: el ojo ya no se fija sólo en la anécdota o en el elemento nuclear que debe centrar la imagen, sino que se abre al “tiempo” para captar la amplitud de lo que envuelve el instante. Ensanchar los minutos para que lo instantáneo pueda abrirse en canal y exhibir sus entrañas, pero también para mostrar las circunstancias exteriores de toda una sociología histórica envolvente.

Pero el Tiempo, para ser retratado, necesita dónde posarse, objetos, personajes y situaciones que le permitan encarnarse, es decir, necesita “temas”. Los de Jesús Atienza son bien ilustrativos de esta obsesión suya por la visión amplia de los “tiempos a retratar”: Marionetas, Pepe Otal, Boxeo, Circo, Tatuajes, Barcelona, Retratos, Sitges, Bondage y Periplos. Los temas citados tienen como denominador común el “límite”: campos de experiencia situados en zonas sociales y existenciales limítrofes, ya sea por exceso (Boxeo, Tatuajes, Bondage) o por hallarse en zonas de actividad periférica (Marionetas, Pepe Otal, Circo, Sitges). Los tres temas no citados tienen significados “metafotográficos” concretos de intención: Barcelona como decorado, Retratos como objetivo y método con el que mirar al Tiempo, y Periplos como expresión de lo que realmente le interesa al fotógrafo: los recorridos de la vida, lo que nos afecta y nos transforma, lo que se prolonga en movimiento.

Temas que nos hablan asimismo de un deseo de situarse en los márgenes sociales, allí dónde “suceden cosas”, y en los que el Tiempo es vivido y deja sus huellas. Una marginalidad que no rehuye la profesionalidad más estricta del fotógrafo, sino que, por el contrario, parece afianzarla aún más, como una ancla a la que agarrarse para que el torbellino de lo temporal no le arrastre a uno.

Centrémonos en el “decorado”, es decir, en Barcelona, el tema escogido por Jesús Atienza para esta exposición. Un decorado que jamás está vacío de almas, una obsesión importantísima para el fotógrafo. Lo que nos indica el carácter teatral de su visión fotográfica, pues del mismo modo que una escenografía sin actores no hace teatro, una ciudad sin habitantes tampoco hace ciudad. La urbe como un espacio laberíntico para los humanos que se mueven por ella. Un paisaje de exteriores, de calles, de fachadas llenas de vida, de rincones singulares. Y en casi todos ellos, un personaje en solitario sobresale del conjunto, como si quisiera a veces escabullirse del mismo. El tema de la soledad surge discreto pero con fuerza en estas imágenes captadas todas ellas (menos una, fácilmente detectable por ser en color) en los años 1979-1980. La soledad del individuo en la ciudad: un tema universal y profundamente contemporáneo. A veces es un señor que vemos de espaldas o que pasa la cabeza gacha, o una señora con la cesta de la compra, o un obrero subido a una larguísima escalera pegando un cartel, o un soldado que sube solo por las Ramblas. Incluso la foto contemporánea nos muestra la soledad de una vagoneta suspendida en el vacío. El tema de la soledad cruza el decorado urbano y su “tiempo retratado”, dándole una importante dimensión dramática.

Unos retratos del tiempo de una época que fue nuestra en su día y que lo sigue siendo, gracias en parte a imágenes como las presentes, y a pesar de las ingentes transformaciones y de sus inevitables declives. ¿Qué queda de aquella Barcelona, además de los documentos gráficos que la sostienen visualmente? La ciudad ha cambiado su piel y nosotros, sus habitantes, también hemos mutado por dentro y por fuera. Darnos cuenta de estos cambios para comprender que Barcelona sigue siendo la misma tras haberse transformado por completo en otra, tal sería el principal de los objetivos de la actual exposición de Il Mondo.

Fecha: Del 13 de diciembre de 2011 al 14 de enero de 2012
Lugar: Associació fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Desde los inicios de las antiguas civilizaciones, el ser humano siempre ha buscado un sitio donde asentarse y desarrollarse, estos asentamientos fueron el prototipo de ciudades antiguas y a su vez, la base que ha dado paso a fundar lo que conocemos hoy como la ciudad moderna.

El hombre moderno se desarrolla en estas grandes ciudades motorizadas, en esa fauna asfáltica donde desplazarse bajo tierra o sobre ella, es un recurso primordial.

Transcurrimos nuestro tiempo en esos espacios llamados los no lugares, somos como espectros en movimiento que van de un sitio a otro mirándonos los unos a los otros recordando imágenes borrosas, compitiendo con los demás, andando contra reloj como un rebaño donde las vestimentas y las marcas son indicadores de cierta identidad y traspasan una posible pluriculturalidad social.

Esta gran masa gris, cambiante, veloz y ruidosa, que al mismo tiempo nos cautiva pero también nos absorbe, se extiende rápidamente a través de sus monumentales construcciones y redes viales unas veces más otras veces menos ordenadas, llegando cada ves más a lugares que en sus inicios, eran ajenos a la urbe invadiendo la reserva.

Pero es ahí donde crecemos, vivimos, o mejor dicho, nos aventuramos día a día en una forma de supervivencia y riesgo como en el caso de algunas ciudades.

Es en ese escenario donde nos nutrimos y suceden las cosas, la globalización, las manifestaciones sociales, la tecnología; son algunos ejemplos de ello, como dijo Rem Koolhaas “la ciudad es lo único que tenemos”, es en ella donde suceden las cosas del mundo, donde habitamos, donde se reconstruye el paisaje urbano una y otra ves, ya sea por tuberías, edificios o enlaces de transporte, esto es interminable.

Nuestra necesidad de habitar el espacio ha sido causa de muchos conflictos ya conocidos en la historia misma, invasiones y guerras. Hoy día tenemos la necesidad de tener nuestro espacio, un refugio donde calmar nuestras ansias personales, pero esta necesidad se frustra dentro del desarrollo industrial de la construcción debido a la gran especulación de las propiedades de los espacios que de alguna manera son “inexistentes” ya que se construyen en el aire.

Con este trabajo el fotógrafo Fabián Castillo quiere mostrar aquellos espacios urbanos que en su experiencia, son lugares en tránsito que transforman el paisaje urbano debido a la construcción de esos lugares habitables llamados multifamiliares.

Sin más la palabra “Construir” puede aludirnos a cuestiones de orden, creatividad, realizar o hacer algo armónico para un fin en específico, pero en este caso no cumple tal cometido si tomamos en cuenta que dentro de su proceso de “construcción”, las molestias y alteraciones en el ambiente son devastadoras.

Es por eso que la construcción resulta una metáfora, ya que busca un orden y estabilidad en el mismo, pero en su proceso lo modifica y lo altera de tal manera que va construyendo el paisaje habitual donde el ser urbano nace, crece se desarrolla y muere.

Fecha: Del 13 de diciembre de 2011 al 14 de enero de 2012
Lugar: Associació fotogràfica il mondo, C/ Calàbria 178, 08015 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La globalización del mundo del arte, el fenómeno MACBA o la transformación de Barcelona en una ciudad de referencia para creadores de todo el mundo, han jugado un papel muy importante en la aparición de un nuevo coleccionismo de arte contemporáneo. La exposición «Barcelona Colecciona» que acoge la Fundación Francisco Godia quiere celebrar este fenómeno y presentar al público una amplia selección de obras de colecciones privadas, muchas de las cuales se exponen por primera vez.

Una escultura del artista norteamericano Dan Flavin formada por seis fluorescentes de colores y un libro de artista de On Kawara, «One Million Years», dan la bienvenida al visitante. Se trata de dos obras minimalistas, que ponen de relieve la búsqueda de lo esencial que ha acompañado la aventura del arte contemporáneo.

En la sala de exposiciones temporales se sitúan algunas de las piezas más radicales, que se interrogan sobre la guerra, el dolor y la soledad. Destacan dos obras de artistas chinos de la colección de la fundación: un óleo de gran formato de Zeng Fanzhi y «Free Tiger Returns to Mountains» de Zhang Huan, realizada con cenizas
de los templos budistas, que contienen simbólicamente los deseos de cientos de personas. Junto a ellas, obras de Jannis Kounellis y Christian Boltanski, Juan Muñoz o Jaume Plensa.

La exposición dedica un apartado al erotismo, que combina vídeo y fotografía, con obras de Nobuyoshi Araki, Leopoldo Pomés o Robert Mappelthorpe.

En el apartado de Espacio destacan las aportaciones del británico Anish Kapoor, junto a una obra de la arquitecta Zaha Hadid, la única pieza de diseño de la exposición. Estas creaciones rabiosamente contemporáneas conviven con piezas de Chillida y Oteiza, obras maestras de la modernidad. Uno de los atractivos de la exposición es la interacción de obras de diferentes épocas y estilos, en un relato de relatos que aborda los múltiples aspectos de la condición humana.

Las fotografías de Andreas Gursky, Thomas Ruff y Hiroshi Sugimoto presentan tras aproximaciones a la arquitectura, desde una perspectiva contemporánea: la infinita repetición, la fugacidad, las sombras.

Un apartado especialmente importante está dedicado a la feminidad, con obras de Cristina Iglesias, Sophie Calle, Rineke Dijkstra o una pieza espectacular de Anish Kapoor que representa simbólicamente el interior de un útero. Marginada de la historia del arte, la mujer cobra un nuevo protagonismo en la creación. Este apartado establece un vínculo sutil con el siguiente, Cuerpo, que incluye obras de body art de Pep Agut, Cindy Sherman o Bruce Nauman. Destaca una obra de Antoni Muntadas, con primeros planos de las manos de hombres de negocios.

La sala dedicada a Tradición e Innovación presenta un vídeo-díptico de Bill Viola, junto a una obra de un joven artista español, Ignacio Uriarte, «The History of the Typewriter recited by Michael Winslow», un espectacular montaje en el que el actor Michael Winslow reproduce los sonidos de una veintena de modelos de máquina de escribir.

La exposición acaba con obras de Jaime Pitarch, Ignasi Aballí y Roman Signier, que tienen en común la reflexión sobre la materia. En el caso de Pitarch y Aballí desde la sutilidad de las marcas del polvo sobre los objetos.

Fecha: Del 14 de diciembre de 2011 al 26 de marzo de 2012
Lugar: Fundación Francisco Godia, C/ Diputació 250, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

De l’1 de desembre de 2011 al 13 de gener de 2012, l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya acull l’exposició de les obres premiades i finalistes del concurs Premios LUX 2011.

Aquests premis i l’exposició, estan organitzats per l’Asociación de Fotógrafos Profesionales de España. A l’edició d’enguany s’hi han presentat un total de 1.700 fotografies repartides en diferents categories: Publicitat, Moda i bellesa, Bodegó i producte, Industrial, Arquitectura, Interiorisme i decoració, Projecte personal, Retrat, Reportatge social, Reportatge temàtic, Paisatge i natura, a més a més de la categoria Júnior.

Els Premios LUX es celebren anualment des de 1993. Els fotògrafs professionals troben en aquest certamen un important aparador i reconeixement per a les seves creacions, gràcies al ressò que obtenen aquests guardons i a la difusió que assoleixen.

Data: De l’1 de desembre de 2011 al 13 de gener de 2012
Lloc: Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, C/ Comte d’Urgell 187, 08036 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta