Les Quatre Columnes de Puig i Cadafalch originals es van aixecar el 1919, on actualment hi ha la Font Màgica de Montjuïc, a Barcelona. El 1928, un any abans de l’Exposició Universal de 1929, el general Miguel Primo de Rivera va ordenar enderrocar-les pel fet de constituir un símbol visible de catalanitat. Des del restabliment de la democràcia, van anar sorgint diverses veus provinents del món cultural i polític i es va proposar la restitució del monument.

Les noves Quatre Columnes van ser inaugurades oficialment el 27 de febrer de 2011. L’exposició “Les Quatre Columnes de Puig i Cadafalch” de la fotògrafa Mariona Peraire documenta el procés de reconstrucció del monument, dut a terme el 2010: des del projecte, a la fabricació dels models, motlles i armadures, passant pels processos d’encofrat, desencofrat i buixardat de la pedra, fins al transport i la col·locació final a la plaça del Marquès de Foronda, entre la Font Màgica i el Palau Nacional de Montjuïc.

Data: Del 9 al 31 de gener de 2012
Lloc: Nau Ivanow, C/ Hondures 28-30, 08027 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Kowasa Gallery presenta, el próximo jueves 12 de enero a las 19:30h, la primera exposición monográfica en España del fotógrafo venezolano Marcel del Castillo. La muestra reunirá nueve instalaciones fotográficas, procedentes de la serie “Somos como un área devastada”, su trabajo más reciente.

“Somos como un área devastada” es un proyecto fotográfico que mezcla la fotografía realista, la composición gráfica y la metáfora del concepto, para desarrollar una idea que apela a la sensibilidad interna y la realidad social por la que nos movemos en el planeta, hurgando en las estructuras abandonadas de nuestro entorno. El trabajo lo integran nueve palimpsestos de composición fotográfica, realizadas en Bailadores y Tabay (Mérida-Venezuela), Araya (Sucre-Venezuela), Maracaibo (Zulia-Venezuela), Madrid, Londres, Munich, Slane y Dublín (Irlanda).

La serie conforma un nuevo paso dentro de un trabajo de investigación fotográfica sustentada en más de quince años de participación y estudios en las artes audiovisuales. A diferencia del anterior proyecto “La Soledad de los Objetos” que Castillo publicó en 2008, este nuevo paso incorpora la composición gráfica en el montaje y el color. Cada obra cuenta con diez o doce fotografías, haciendo que cada una de ellas sea un proyecto en sí mismo.

Fecha: Del 13 de enero al 24 de marzo de 2012
Lugar: Espacio 1 de Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Steve Schofield retrata a fans en sus entornos naturales, explorando la fascinación del pueblo británico por la cultura popular americana y la subcultura del mundo fandom. Su trabajo hace hincapié en la profundidad de las fantasías de estos fans y los métodos que emplean para adoptar esa cultura como parte de su propio estilo de vida, creando una existencia ficticia que les ayuda a escapar del día a día. Schofield los inmortalizó en sus casas mientras realizaban tareas cotidianas, consiguiendo un documento gráfico sorprendente.

Según el propio fotógrafo, su actividad está relacionada con el hiperrealismo: “Reflejo el deseo de mis modelos de crear una existencia utópica basada en sus obsesiones y aficiones, todas ellas influenciadas por la cultura popular. Al fotografiar a estos creadores de disfraces en sus propios hogares y espacios personales en Gran Bretaña, he intentado plasmar cómo, a través de este curioso mundo de la subcultura del reino de los fans, personas de ideas afines establecen una existencia ficticia para huir de la cotidianidad.”

Fecha: Del 12 de enero al 7 de marzo de 2012
Lugar: Fnac Triangle, Plaça Catalunya 4, 08002 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

La galería H2O inaugura el próximo martes 10 de enero a las 20h la exposición “Trans” de la fotógrafa Laura Cuch.

“Trans” es un proyecto fotográfico formado por una serie de retratos de gente que ha tenido un trasplante de órgano y sobre cómo esta experiencia forma parte de su biografía. La posibilidad de vivir gracias al órgano de otra persona, transgrede la visión esencialista occidental sobre la individualidad y la subjetividad: la noción de un cuerpo unificado y contenido en si mismo. Así pues, “Trans” tiene como objetivo ver cómo un trasplante de órgano puede afectar la propia identidad.

Hay gente que ha experimentado cambios en el gusto, la personalidad o su conducta después de un trasplante de órgano y a menudo relacionan estos cambios con los donantes. Casos muy extremos han originado una serie de investigaciones biomédicas que sugieren la posibilidad de que a través de un trasplante de órgano se pueda conectar con información sensorial de la persona donante. Esta posibilidad, sin embargo, no se ha demostrado científicamente y los cambios normalmente se atribuyen a la mejora de la salud, a la medicación o debido al choque psicológico del mismo proceso de trasplante.

No hay duda de que un trasplante de órgano es una experiencia transformadora y de gran complejidad psicológica que puede generar ciertos miedos y deseos. Estas complejidades tienen un papel clave en algunos de los debates actuales como, por ejemplo, si se debería facilitar que los receptores y las familias de los donantes se puedan conocer, si deberíamos aceptar órganos de otras especies, o por qué hay mucha gente dispuesta a donar sus órganos excepto los ojos y el corazón, los cuales culturalmente vinculamos más con el alma que otras partes del cuerpo.

“Trans” es el tercer proyecto de una trilogía que cuestiona la naturaleza del ser humano mediante el tratamiento de temas relacionados con la salud y la enfermedad, la carencia como un condicionante del cuerpo humano y el imaginario colectivo alrededor del cuerpo y de su control. El primero, “Sin Sueño”, es un proyecto sobre gente que por algún motivo duerme muy poco y el segundo, “No Ma”, es sobre mujeres que saben seguro que jamás serán madres. Uno de los retos principales de esta trilogía es explorar visualmente aspectos de la condición humana que no son visibles.

Esta trilogía viene motivada por el interés de explorar experiencias vitales que de algún modo transgreden la idea de un individuo “normal” (establecido y definido por las normas sociales a partir de discursos científicos/culturales) con el objetivo de cuestionar nociones convencionales del ser humano. Mientras que estas experiencias vitales pueden generar una cierta angustia, desde el punto de vista de la disfunción respecto de un cuerpo humano definido ideológicamente, esta trilogía trata los sujetos desde una perspectiva de diferencia positiva.

Fecha: Del 10 de enero al 3 de febrero de 2012
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El proper dilluns 9 gener s’inaugura al Fotoespai Barcelona Centre d’Imatge l’exposició col·lectiva “Autoretrats”, amb els treballs dels antics alumnes de l’escola Tonyi Mateos, Conchi Martinez, Montse Lucena, Josep Trafí, Damiano Simionato, Claire Ussiskin, Xavi Robles, German Sanz, Marina Fernandez, Alex Llaverias, Paloma Moquete, China Laudisio, Laura Heras, Pere Montsant, Sussanna Nieto, Laura Herbera, Victor Jimenez, Josep Guindo, Cristina Campuzano, Valeria Giaginto, Aitor Sierra, Eduardo Corral, Gustavo Rodriguez i Ana Casamian.

Data: Del 9 al 31 de gener de 2012
Lloc: Fotoespai Barcelona Centre d’Imatge, C/ Coroleu 74, 08030 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Els moais de l’illa de Pasqua, pels natius Rapa Nui, resten dispersos per les costes de l’illa. Alguns quasi banyats per l’oceà, d’altres ancorats en vessants de petits turons. Gegants de pedra esculpida amb l’esguard terra endins, protegint el poble de possibles invasors vinguts de la mar immensa… Petit als seus peus un es pregunta com era aquella civilització i admira el seu colpidor llegat creat amb bàsiques eines fa centenars d’anys en aquesta menuda illa, enmig del grandiós Pacífic i tan lluny del continent.

Data: Del 9 al 31 de gener de 2012
Lloc: Llibreria Altaïr, Gran Via de les Corts Catalanes 616, 08007 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El proper dimarts 10 de gener a les 19:30h s’inaugura al centre cultural La Bòbila l’exposició “Vudú a Haití” del fotògraf Sergi Reboredo.

El Festival de Vudú de Saut d’Eau se celebra cada any el 16 de juliol, el mateix dia en què l’any 1847 va aparèixer una visió de la Verge Maria. Milers de devots arribats d’arreu d’Haití es banyen en aquestes aigües per purificar-se o per demanar-li al Gran Mestre que faci realitat els seus somnis.

El vudú és la religió majoritària d’Haití. Els adeptes necessiten ser posseïts per un esperit Iwa per poder comunicar-se amb el Gran Met, el qual està molt allunyat del planol físic.

A la fotografia que acompanya aquesta entrada, una de les assistents està posseïda pel gran Iwa. Té els ulls desorbitats i els seus moviments són convulsos. Una dona entra en trànsit. Aquest estat, moment en el qual els esperits Iwa s’introdueixen en el cos dels sacerdots, és un estat habitual entre els participants en el Festival, i no és estrany observar persones posseïdes que llisquen pel torrent d’aigua, amb els ulls en blanc i amb moviments espasmòdics. Encara que l’epicentre del Festival és l’aigua que cau per la cascada, tots els voltants conformen diferents llocs de culte on els fidels encenen espelmes i resen per demanar fortuna, diners o amor.

Data: Del 9 al 27 de gener de 2012
Lloc: Centre Cultural La Bòbila, Plaça de la Bòbila s/n, 08906 L’Hospitalet de Llobregat (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galería Valid Foto presenta el próximo miércoles 4 de enero a las 19h la exposición de portafolios seleccionados en el Festival Emergent Lleida del 2011. La muestra recoge los trabajos “Ostalgia” de Simona Rota, “Above, the sky” de Cristina Sánchez, “Otras miradas” de Berta Vicente y “Tránsitos” de César Merino.

Tal y como explica Simona Rota, el término “Ostalgia” se acuñó tras la reunificación de Alemania. “Ostalgia” define la nostalgia de ciertas marcas y productos de la vida diaria de la Alemania del Este que acabaron desapareciendo y siendo reemplazados por productos del Oeste. Más tarde, el término se generalizaría para referirse a la nostalgia de la vida bajo el sistema de vida socialista en otros países comunistas de la Europa del Este, como en el caso de la Unión Soviética.

Las imágenes de Simona, se podrían situar bajo la influencia de “New Topographics”, la exposición fotográfica organizada en el 1975 en la George Eastman House de Rochester. Esta exposición colectiva, compuesta por ocho fotógrafos especializados en el paisaje, con nombres tan relevantes como Edward Rucha, Robert Adams o Stephen Shore fue una evolución de la fotografía documental y la representación del paisaje urbano contemporáneo.

Simona sabe combinar el rigor puro en la descripción del paisaje, reduciendo visualmente sus imágenes al estado de simples documentos topográficos. Sin embargo, su trabajo va más allá, añadiéndoles una carga emotiva: contienen el sentimiento de pena y tristeza que produce la ausencia de un sistema político que finalizó y arrastró con su caída el sentido de las construcciones que lo representaron.

Cristina Sánchez presenta un trabajo que según sus propias palabras, tiene el cielo como hilo conductor. La autora, explica que las imágenes de “Above, the sky” son una revisión de todo su archivo fotográfico. Al igual que ocurre con fotógrafos como Hiroshi Watanabe, en su recopilación “Findings”, el trabajo de Cristina se convierte en un acto de contemplación en el que la imagen buscada es libre de aparecer en cualquier momento.

Según Cristina, las imágenes que ella fotografía se filtran a través del punto de vista del espectador, aportándole a éste, una visión de sí mismo y su experiencia. Hemos querido destacar con la selección expuesta, la contraposición de expresividad y dureza de algunas imágenes ante la poética de otras. Unas nos recuerdan a la fotografía japonesa de postguerra y otras a autores con un marcado “estilo europeo” como Klavdij Sluvan.

“Imágenes que buscan ser algo más. Buscan ser transmisoras de un mensaje personal”. Esta es la declaración con la que Berta Vicente presenta su trabajo y la verdad es que no necesita nada más. Su trabajo tiene la frescura de “Tenemos 17”, el libro que el fotógrafo Johan van der Keuken presentó con diecisiete años. Con la diferencia que Berta acaba de cumplir diecisiete años, por lo que los retratos que nos muestra en esta exposición los hizo con dieciséis.

Su juventud no le impide, sin embargo, crear retratos sobrios e inteligentes, donde ha sabido mimetizar al personaje retratado con su entorno. en los retratos de Berta, el fondo y el primer plano partes equitativas de la narración visual. Esta conversación entre fondo y personaje recuerda a otros fotógrafos tales como Avedon cuando utilizó el fondo blanco para aislar a los sujetos de la misma forma que el fotógrafo se aislaba de ellos. O Seydou Keita, que con el aspecto doblemente estampado de personaje y fondo en sus retratos, fue capaz de crear una unidad visual y cultural.

César Merino, en su trabajo “Tránsitos” deambula por un universo personal: en muchas ocasiones utiliza el autorretrato o el retrato de personas cercanas a su entorno sus paisajes cotidianos. Es un ensayo en primera persona que juega con la narrativa de las imágenes usando recursos de presentación como trípticos o dípticos.

Ralph Gibson ya dijo en su día que en fotografía, uno más uno es más que dos. El significado de cada imagen se refuerza y genera nuevas interpretaciones al espectador. Su fotografía nos transmite una atmósfera muy personal.

Fecha: Del 4 de enero al 25 de febrero 2012
Lugar: Galeria Valid Foto, C/ Buenaventura Muñoz 6, 08018 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Hasta el 5 de marzo de 2012, el hotel Eurostars Laietana Palace acoge en sus instalaciones la exposición “Natures” del fotógrafo Víctor Vilamajó.

La serie que presenta Vilamajó podría entenderse sencillamente como un ejercicio de romanticismo sin nostalgia. Recordando ligeramente a las obras y filosofía de los pictorialistas, Vilamajó nos recompone la realidad para mostrarnos una visión sobrepuesta de esta. Buscando la belleza de los detalles y las texturas, nos ofrece una nueva experiencia sensible de la realidad, poniendo a prueba nuestra percepción.

Las imágenes nacen del cruce y unión de fotografías de naturaleza sobre imágenes urbanas de elementos desechos o desgastes. De esta combinación se dan varios resultados; algunas obras se decantan hacia la fuerza de los espacios naturales en estado salvaje mientras que el resto denotan una predilección por motivos más ingenuos y superficiales. La obra fotográfica de Vilamajó tiene, gracias a esta mezcla de imágenes, una textura muy característica que consigue confundir al público, de tal modo que llega a creer que son pinturas lo que está viendo.

Sus influencias se encuentran tanto en el expresionismo abstracto americano fotográfico (Aaron Siskind, Paul Caponigro, Harry Callahan) como pictórico; aunque también, describe el artista, existe una conexión con el arte povera en su voluntad de dignificar todo aquello que se consideraría deshecho.

El uso de la fotografía digital en “Natures” no es únicamente necesaria como un medio de soporte, si no que es la posibilidad creativa, usando la interacción y manipulación de las mismas con la intención de conferir a las imágenes una nueva dimensión que trascienda la simple suma de sus elementos.

En sus trabajos utiliza fotografía analógica y digital, principalmente en blanco y negro, pero también color. Vilamajó siente especial interés en experimentar con las posibilidades del lenguaje y las limitaciones técnicas de los diferentes formatos que puede ofrecer la fotografía.

Fecha: Del 19 de diciembre de 2011 al 5 de marzo de 2012
Lugar: Hall del Hotel Eurostars Laietana Palace, Via Laietana 17, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El Cercle Artístic de Sant Lluc presenta una exposició integrada per dues col·leccions d’imatges pràcticament inèdites realitzades durant les primeres dècades del segle XX, procedents del Fons de l’Agrupació Fotogràfica de Catalunya.

Amb aquesta iniciativa volen retre un homenatge a l’agrupació fotogràfica senyera de Catalunya, entitat fundada l’any 1923 amb la finalitat de fomentar i divulgar l’art de la fotografia en totes les seves vessants, sota l’impuls de noms tan importants de la fotografia catalana com Joaquim Pla Janini, Emili Godes, Pere Català Pic, Otto Lloyd, Agustí Centelles, Antoni Campañà o Salvador Lluch, entre d’altres.

Tot i la cura i els esforços que l’Agrupació Fotogràfica de Catalunya dedica a la recerca i la conservació del seu gran arxiu d’imatges, moltes d’aquestes fotografies encara romanen anònimes. Malauradament, molts dels materials fotogràfics antics, integrats per fràgils negatius de vidre –i poc documentats–, varen patir les conseqüències de les vicissituds ocorregudes al nostre país durant la primera meitat del segle. El nostre antic patrimoni fotogràfic tampoc no va escapar de la dispersió, l’espoli o destrucció material, mentre les imatges posteriors a la Guerra Civil estan documentades.

Aquesta exposició ens permet esbrinar l’evolució de la fotografia durant la primera part del segle XX, que en els inicis, era de caràcter purament documental però ben aviat va anar a la recerca d’un llenguatge propi que li va permetre alliberar-se de la mera funció notarial.

Data: Del 13 desembre de 2011 al 14 gener de 2012
Lloc: Cercle Artistic De Sant Lluc, C/ Mercaders 42, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Desde finales del siglo XVI hasta nuestros días, el género pictórico del bodegón –también conocido como “naturaleza muerta”– se ha ido adaptando a las diferentes corrientes estéticas, renovándose constantemente y convirtiéndose en fuente de experimentación para numerosas generaciones de artistas. En este sentido, el último proyecto del fotógrafo Maurizio Mauri (Roma, 1961) forma parte también de la trayectoria y evolución del género, al proponer un nuevo enfoque del mismo a través del medio fotográfico sin abandonar, sin embargo, las reglas del primitivo bodegón barroco.

En “Nature Morte”, la representación naturalista de los objetos facilitada por la fotografía queda subordinada al cuidadoso estudio de la luz, del mismo modo que en el bodegón italiano pero sin la exuberancia ni profusión de elementos que serían propios de éste. La formulación compositiva se basa, por el contrario, en la austeridad formal que proporcionan unos pocos objetos en estudiada disposición, aunque sin llegar nunca al rigor lineal de algunos bodegones españoles. Por su parte, la búsqueda de un efecto teatral en la puesta en escena, tan característica del Barroco, queda sujeta también a una transformación evolutiva al incluir la figura humana en las composiciones. Se amplía de este modo la dimensión puramente inanimada del bodegón, humanizándolo y propiciando una nueva experiencia visual del antiguo código pictórico, así como la posibilidad de generar nuevos planteamientos en la interpretación alegórica de la escena representada.

Fecha: Del 22 de diciembre de 2011 al 26 de enero de 2012
Lugar: Galería Alex Telese, C/ Palla 11, 08002 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Cristina Nuñez empezó a tomar autorretratos en privado en 1988, lo que le permitió dar forma a sus propias emociones y revelar su presencia al mundo y al mismo tiempo, a través de una mirada sin concesiones sobre sí misma, crear un instrumento para proyectarse como ella quería ser. Estas imágenes se convirtieron en una forma de auto-terapia a través de la cual Nuñez pudo acceder a su “yo” más profundo. “Someone to Love” reúne por primera vez la gran mayoría de los autorretratos realizados por la autora, que le permitieron desarrollar a lo largo de 25 años el método “The Self Portrait Experience”, en el que ella comparte con los espectadores este proceso de exploración interior. La artista, convencida de que “La separación existente entre el arte y la terapia sea intolerable”, considera el método como el punto central de su trabajo artístico.

Fecha: Del 22 al 24 de diciembre 2011
Lugar: Galería H2O, C/ Verdi 152, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita