La galería Alex Telese inaugura el próximo jueves 24 de enero a las 19h la exposición «Aire» de la fotógrafa Rosa Puig.

La fotografía, además de la facultad de describir la realidad de manera veraz, tiene la capacidad -como cualquier otro lenguaje artístico- de transmitir mucho más que aquello que simplemente captamos con los sentidos. Evocador de aspectos intangibles y sugerente de lo no-representado, el arte fotográfico es rico en alusiones que a menudo el espectador tiene que descubrir partiendo de lo que observa. Desde una óptica cercana al “land art”, y a partir de una intervención realizada por la artista en un espacio natural, «Aire» es una serie que gira en torno a la representación de lo invisible. El paisaje y el cielo se muestran como algo anecdótico, sin pretender ser protagonistas de estas imágenes, como tampoco lo son en sí mismas las finas figuras de papel insertadas en la escena que oscilan en el centro del encuadre. La verdadera esencia de estas fotografías es lo etéreo, la propia condición atmosférica. Contra la rotundidad del cielo, de las arboledas fugando en profundidad o de la textura áspera de un paisaje atemporal se antepone siempre la sensación de ingravidez, la levedad de un éter que lo envuelve todo y que se apodera de los elementos de la imagen, bien meciéndolos a su merced -como en el caso de las figuras suspendidas, gracias a las cuales el aire se hace completamente visible-, bien moldeando la propia plástica del paisaje.

Fecha: Del 24 de enero al 8 de marzo de 2013
Lugar: Galería Alex Telese, C/ Palla 11, 08002 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Círculo del Arte y Goethe-Institut Barcelona presentan el próximo jueves 24 de enero a las 19h la exposición «El arte de hacer libros con artistas. Steidl o la dimensión artesanal de la edición».

Su incondicional amor por el detalle ha llevado al impresor y editor Gerhard Steidl (Göttingen, 1950) a construir una de las editoriales de libros de arte más famosas y reconocidas del planeta y a convertir su oficina editorial y taller gráfico de Göttingen en un foco internacional de producción de arte contemporáneo. Su entrega al libro bello y cuidado ha reportado a Steidl la confiada colaboración de figuras artísticas y literarias como Richard Serra, Ed Ruscha, Robert Frank, Jeff Wall, Karl Lagerfeld o Günter Grass.

Steidl domina los secretos que producen la excelencia de un libro. Su forma apasionada de hacer libros fue registrada en el año 2010 en el documental titulado «How to make a book with Steidl», que, al igual que los libros y documentos que recoge esta muestra, puede visualizarse en la sala de Círculo del Arte. La exposición da testimonio de una vida profesional consagrada a producir libros de hoy con artistas contemporáneos y recursos tecnológicos modernos, pero eso sí, con los criterios rigurosos y la exigencia insobornable de una ya lejana tradición bibliófila artesanal en cuanto a la dignidad de los contenidos, la estética gráfica y la calidad material y sensorial de las ediciones.

La exposición y el documental hacen visible la intensa complicidad de Steidl con los artistas en la búsqueda de la mejor solución para cada libro, considerado éste como un ente de personalidad propia que requiere un tratamiento gráfico, técnico y material individualizado. Todos los elementos de los libros de Steidl -el diseño, la tipografía, la selección del papel y de las tintas, los materiales de encuadernación, incluso el olor que desprenden y la sensación que transmiten al tacto- son resultado de una obstinada búsqueda de perfección.

La presentación de la exposición irá a cargo del propio Gerhard Steidl y la inauguración de la misma irá precedida de la proyección del documental «How to make a book with Steidl».

Fecha: Del 25 de enero al 23 de febrero 2013
Lugar: Círculo del Arte, C/ Princesa 52, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El centre cívic Golferichs inaugura el proper dijous 24 de gener a les 19:30h l’exposició «Absentia-Praesentia» del fotògraf Massimo Failutti.

En aquestes fotografies no hi ha presència de persones que desviïn l’atenció de les geometries dels paisatges; aquests, a vegades, estan envoltats en la boira, altres en el clar obscur d’un dia nuvolat o a la clara llum del sol. Amb aquests paisatges l’autor intenta transmetre una sensació d’abandonament i de quietud temporal. Són segons que precedeixen o esperen una acció; la calma reflectida en les imatges és susceptible d’una possible ruptura imminent.

Data: Del 24 de gener al 23 de febrer de 2013
Lloc: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El MACBA presenta la primera exposició retrospectiva de l’artista Ahlam Shibli (Palestina, 1970) coproduïda amb el Jeu de Paume de Paris i el Museu de Arte Contemporânea de Serralves de Porto. L’exposició, que reuneix les obres més significatives de Shibli de l’última dècada, es completa amb «Death» (2011–2012), una nova obra fotogràfica produïda especialment per a aquesta ocasió.

Els treballs fotogràfics d’Ahlam Shibli constitueixen un testimoni complex de la presència i l’absència de la llar. A través d’un estil documental, Shibli desenvolupa una obra que esquiva l’objectivitat associada amb el fotoperiodisme. Més que evidència visual, la seva pràctica fotogràfica consisteix en un procés conversacional amb els subjectes. Cada sèrie representa el coneixement obtingut mitjançant el contacte empíric amb el colonialisme i les situacions de conflicte, però eludint sempre el desenllaç i el dramatisme de les representacions mediàtiques.

En sèries com «Goter» (2002–2003), «Arab al-Sbaih» (2007) o «The Valley» (2007–2008), Shibli desplega una mirada de caràcter topogràfic. Les seves vistes de paisatges, poblacions, assentaments precaris, interiors i exteriors, com també cementiris, aporten un cúmul de signes que mostren els efectes de la dominació israeliana sobre Palestina. El millor exemple d’aquesta complexa narrativa és «Trackers» (2005), una sèrie de fotografies sobre els joves palestins que decideixen allistar-se a l’exercit israelià. En paraules de l’artista, «el projecte investiga el preu que una minoria està obligada a pagar a una majoria de colonitzadors, per ser acceptada, per canviar d’identitat, per sobreviure o, tal vegada, per tot això i més».

Treballs més recents com «Trauma» (2008–2009) confronten la naturalesa ambigua del colonialisme i l’ocupació i la preocupació persistent pel significat de la paraula «llar». A partir de la matança atroç que va tenir lloc a la localitat francesa de Tulle el 9 de juliol de 1944, Shibli reflexiona sobre la paradoxa d’una població que després d’haver resistit a l’ocupació alemanya, anys més tard va protagonitzar una guerra colonial amb Indoxina i Algèria. Sèries com aquesta, o la dedicada a la vida quotidiana en orfenats de Polònia, «Dom Dziecka. The house starves when you are away» (2008), o «Eastern LGBT» (2006), en la qual Shibli documenta les vides de comunitats transsexuals, transporten el seu modus operandi habitual més enllà de la problemàtica palestina.

En la sèrie «Death» (2011–2012), una obra fonamental d’aquesta exposició, Shibli aprofundeix en la manera com els absents tornen a estar presents –»re-presentats»–: combatents palestins caiguts en el transcurs de la resistència armada a l’ocupació israeliana; víctimes de l’exèrcit israelià mortes en diverses circumstàncies (Shahid); homes i dones que s’autoimmolen per matar israelians (Istishhadi); o presos que, en termes molt globals, poden ser considerats màrtirs fallits.

Les nombroses representacions dels màrtirs són el motiu visual que permet Shibli investigar com la comunitat palestina estructura l’esfera pública i domèstica al voltant d’aquestes figures absents i les seves morts. Reduïts sovint a representacions icòniques de cossos i rostres plans sacrificats en nom de la política d’identitat nacional, la proliferació obsessiva de monuments commemoratius és una prova de la naturalesa fantasmagòrica de la llar.

Data: Del 25 de gener al 28 d’abril de 2013
Lloc: Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Plaça dels Àngels 1, 08001 Barcelona (mapa)
Preu: Pagament

El proper dijous 24 de gener a les 19h l’Associació d’Història de Barberà del Vallès organitza una conferència sota el títol «Agustí Centelles i el naixement de la fotografia moderna, a càrrec de Teresa Ferré i Ricard Martínez.

La imatge del món que l’espectador rep avui dia a través dels mitjans de comunicació té el seu naixement en la modernització de la fotografia durant el període d’entreguerres. La xerrada que es proposen Ferré i Martínez dóna una visió de com fotògrafs del renom d’Agustí Centelles han influït en la manera com percebem l’actualitat periodística.

Data: Dijous 24 de gener de 2013
Horari: A les 19h
Lloc: Biblioteca Esteve Paluzie, Plaça de la Constitució s/n, 08210 Barbera del Vallès
Preu: Entrada gratuïta

El Museu Marítim de Barcelona presenta l’exposició «Cambrils anys 60» amb fotografies d’Enric Pàmies, produïda per l’Agrupació Fotogràfica Cambrils amb la col·laboració del Museu d’Història de Cambrils. Enric Pàmies, nascut a Reus el 1923, va iniciar les seves activitats fotogràfiques el 1953, moment a partir del qual va obtenir diversos premis tant a nivell nacional com internacional, fet que li va permetre, entre altres fites, arribar a ser president de la Federació Internacional d’Art Fotogràfic.

L’exposició «Cambrils anys 60» reflecteix diferents aspectes de la vida al port d’aquella població a meitat del segle XX. Just llavors, la línia de la costa i la fisonomia de moltes poblacions banyades per la Mediterrània es trobaven en ple procés de canvi, i un turisme incipient començava a envair la façana litoral. La pressió turística demana urbanitzar i transformar per sempre més molts paisatges on les platges, els roquers i les verdes badies havien estat des de sempre les protagonistes. I mentre es produïen aquests canvis, les comunitats pescadores d’aquests pobles intentaven seguir vivint amb la mirada fixa en els treballs de cada dia.

En aquesta exposició, Pàmies ofereix una visió molt particular d’aquest moment de canvi, amb la gran qualitat d’imatge d’un dels millors fotògrafs del país estretament vinculat al Port de Cambrils.

A la mostra es podran veure també alguns models d’embarcacions de pesca de les col·leccions del Museu Marítim de Barcelona.

Data: Del 18 de gener al 17 de febrer de 2013
Lloc: Museu Marítim de Barcelona, Av. de les Drassanes s/n, 08001 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La galeria Tagomago inaugura el proper dijous 17 de gener a les 20h l’exposició «Atles i altres cartografies» del fotògraf Israel Ariño.

Des de l’antiguitat, els mapes ens parlen de la societat i la cultura que els varen crear, de la seva relació amb el territori, del sentiment d’aquell lloc, i en definitiva, de com era la seva visió del món.

L’exposició «Atles i altres cartografies» -formada per les sèries «Atles», «Terra Incògnita» i «Obirar»- conforma un mapa simbòlic en el qual emergeixen mons insòlits, territoris metafòrics i geografies invisibles impossibles d’expressar-se a través de la raó. Aquest mapa ens parla de manera més autobiogràfica que topogràfica, intenta actuar com a mirall de les nostres pròpies imatges mentals, disminuint l’experiència raonada i fent aflorar les relacions intuïtives amb el paisatge.

La sèrie «Atles» constitueix una síntesi autobiogràfica que agrupa obsessions, aparicions i descobriments on l’acte de fotografiar és també un acte reflexiu que engloba el trànsit d’experiències, temps i llocs així com un desig latent de construir una imatge del món en la qual l’autor pugui reconèixer-se.

Les imatges d’»Obirar» són projeccions d’una mirada encantada, desconcertada, representada a través d’una foscor que es tradueix en interioritat i que ens empeny del visible al invisible. L’espectador aspira aquí a perdre’s en els dominis del sentiment i de la percepció a través de la contemplació del paisatge.

«Terra Incògnita» sorgeix del descobriment d’una terra, explorada per aquell que vol ser observador i observat al mateix temps. És un viatge cap allò desconegut, cap a un espai que es troba lluny de la quotidianitat, que ens interroga i se’ns mostra alhora proper i distant. En aquest joc amb la naturalesa, la mirada, personal i subjectiva, desvetlla imatges estranyes, oníriques, gairebé impossibles.

Data: Del 18 de gener al 28 de març de 2013
Lloc: Galería Tagomago, C/ Santa Teresa 3, 08012 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuita

El centre cívic Golferichs inaugura el proper divendres 18 de gener a les 20h l’exposició «Retrats postmortem» del fotògraf Daniel Amorós.

És la memòria que reobre les ferides que la mort deixa al seu pas en la nostra experiència vital. En el record roman allò que ha quedat d’aquelles persones que ja no estan amb nosaltres, aquella cicatriu que l’últim alè ha gravat en la nostra consciencia.

Així, sota el vel negre descobrim aquell record més immediat que ens reviu l’últim moment, aquell materialitzat amb la màscara de la mort, que fa palès que la mort forma part de la vida per dolorosa que fos l’experiència viscuda.

Data: Del 18 de gener al 22 de febrer de 2013
Lloc: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

El consumo es el tema que anima la tercera edición de Antifashion. «Antifashion 3» se inaugurará el próximo jueves 17 de enero a las 20h en la galería Hartmann_LaSanta con un llamamiento a la rebelión.

Fotografos, diseñadores y un par de ilustradores mostrarán su particular reflexión sobre la sociedad de consumo en una época marcada por una profunda crisis económica a nivel mundial y por las fiestas navideñas, uno de los motores más potentes del consumo en occidente. Hartmann_La Santa, y la comisaria Gigi R. Harrington, apuesta un año más por ofrecer una reflexión sobre los temas sociales más candentes a través de la expresión artística de vanguardia. Los artistas expondrán sus propuestas acerca de las dimensiones que toma el fenómeno del consumo, la moda y la publicidad, y sus consecuencias en la sociedad actual.

«Antifashion 3» se revela en este periodo de crisis económica profunda contra la era de la imagen que crea y estimula a sus potenciales consumidores, invitándolos a definirse a partir de determinadas propuestas comerciales. Gigi R. Harrington comenta que “la comunicación global en la sociedad de consumo conduce al individuo a la uniformidad anulando las diferencias entre unos y otros”.

«Antifashion 3» se presenta en su tercera edición como un abanderado del arte de guerrilla, como un exponente del activismo cultural que generan los momentos de crisis. La exposición centra su discurso en torno al consumismo, defendiendo así, un arte de consecuencias diarias, integrado con la vida de forma utilitaria y con el papel social del nuevo artista, quien sin duda desempeña un rol determinante en la nueva forma de ver el mundo.

La exposición reúne los trabajos de Pete Voelker, Bubi canal, Oscar H Grand, Luis Jaume, Gori De Palma, Yuky Lutz, Mireia Rodriguez, Denisse García, Lina V Persson, Jaume Cosialls, Juanjo Fernandez Ribera, Dizy Diaz, Oriol F.V, Buenaventura Marco, Bianca De Vilar, Kevin Zammit, Cristian Di Stefano, David Escudero, Kiko Alcazar, Krizia Robustella, Pau Roig, Sara Álvarez Montenegro, Raül Vázquez Izquierdo, Sebas Romero, eskenaziencursiva, Monica De La Encina, Adam Colyer, César Segarra, Santiago Garcés, Lan dry, y Angel Cabezuelo @ Manuel Granados.

Fecha: Del 17 al 30 de enero de 2013
Lugar: Hartmann_LaSanta, C/ Sta. Teresa 8 bajos, 08012 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Isabel Muñoz y Eduardo Momeñe son amigos desde hace más de 30 años. Sus carreras fotográficas han seguido cursos diferentes, personales, imprevisibles como todas las obras de creación. Pero cuando en 2012 se le preguntaba a Isabel quién había sido su mayor influencia, ella no sabía responder, pero sí tenía muy claro que Momeñe había sido, al principio de su carrera, clave en su modo de entender la fotografía.

Es de esta premisa de la que se ha partido para proponer esta exposición: juntar a dos artistas que sólo han coincidido en el pasado en una colectiva y trabajarlos juntos por vez primera. De Isabel, las miradas y el movimiento; de Eduardo, el enigma y la memoria, y también la pieza «Retrato nº4», el punto de complicidad que comparten con todos nosotros, un breve vídeo que dentro de su misterio explica muchas cosas de la exposición.

Las ocho fotografías de gran formato de Isabel Muñoz se articulan en cuatro parejas. La primera la componen dos de sus imágenes más conocidas de la serie «Danza Cubana», puro movimiento y sensualidad, iconos ya, seguramente dos de las espaldas femeninas más reconocibles.

La siguiente pareja es de movimiento espiritual, de la serie «Mevleví», donde retrata a los derviches en sus vueltas infinitas hacia estados alterados de percepción. Dos retratos de la serie «Etiopía», delicados y eternos como esculturas, contrastan con las fotografías de los dos mareros que, desafiantes pero igualmente escultóricos, interpelan al espectador en las imágenes de la serie «Maras».

Las imágenes de Eduardo Momeñe fluyen de otro modo, de lo orgánico a lo sólido, del retrato que se esconde a la estructura de hormigón falsa. Inicia el recorrido con imágenes en las que los fotografiados no muestran el rostro: «Die Welt ist Schön» (1982), Acerca de J. Alfred Prufrock -un tríptico inquietante-. Extracto de «Prèsence» y «Untitled Photograph» introducen el instrumento, un violonchelo y un contrabajo, y de ahí, pasamos ya a «El piano de A. Seyss-Inquart», tras el que se intuye una historia trágica. Luego encontramos la dupla verdad-mentira de «Oosterschelde» y «s’-Gravenhage», que desafía las leyes de la verosimilitud, así como la última fotografía, «Bottrop»… ¿Un taxi de EEUU en Alemania?

Fecha: Del 17 de enero al 17 de marzo de 2013
Lugar: Galería N2, C/ Enric Granados 61, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

«The Undescribed Dance», la segunda monografía de Hiro Matsuoka (Japón, 1968), es una publicación autoeditada que reúne el trabajo realizado por el autor entre 2007 y 2010: una serie de treinta y nueve fotografías en blanco y negro acompañadas por citas extraídas de «El retrato de Dorian Gray» (1891), la famosa novela de Oscar Wilde. Del 17 de enero al 30 de marzo, Kowasa Gallery expone en su espacio 2 (librería) una selección de dieciocho fotografías pertenecientes a esta serie, junto a varios ejemplares del libro firmados por el autor.

En esta segunda serie y publicación, que sucede al proyecto «Scenes and Stories» expuesto en Kowasa en 2007, Hiro Matsuoka sigue explorando las posibilidades de composición que ofrece el formato cuadrado, sin alejarse de la atmósfera idiosincrásica que ha marcado su universo fotográfico hasta ahora, minuciosamente construida a base de distorsiones de la perspectiva, juegos ilusorios y guiños ópticos. Los encuadres de las imágenes, poco ortodoxos y fragmentados al máximo, centran la atención en banners de publicidad, pantallas, cristales y espejos, todos ellos elementos de la vida rutinaria de las grandes urbes y de sus espacios de ocio y recreo. El juego de desenfoques y reflejos produce en ellas un efecto alienante y perturbador que a menudo roza el surrealismo.

Aunque las capturas de Matsuoka son directas, la lente de su cámara parece registrar una realidad fuera de sí misma, distorsionada y transformada en otra. En todas estas fotografías, voluntariamente descentradas y desequilibradas, el peso de la imagen se traslada del centro a los bordes, cediendo el protagonismo a los elementos secundarios y dejando que todo quede tan solo sugerido. Sus protagonistas aparecen irreconocibles, a veces desfigurados por completo, con rostros que se diluyen en la sombra o en la luz del sol. La cámara se asoma a lo real, pero termina registrando la imposibilidad de comprender, la resistencia a dejarse llevar por lo que resulta obvio y banal. Todo ello sometido a una fuerte dosis de ironía y humor que revela lo grotesco del lenguaje visual de la publicidad.

En «The Undescribed Dance», Matsuoka experimenta de un modo eficaz con volúmenes gráficos y contrastes de luz, consiguiendo imágenes que funcionan como episodios autónomos. Al mismo tiempo, sin embargo, estas imágenes se entrelazan para dar lugar a un conjunto narrativo de hechos abstractos, sugerentes y elocuentes que no dejan de sorprendernos en su afirmación, una vez más, del juego entre una realidad indescifrable y la ingenuidad de la mirada que la recrea.

Fecha: Del 17 de enero al 30 de marzo de 2013
Lugar: Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Kowasa Gallery presenta el próximo jueves 17 de enero a las 19:30h la exposición «Inerme», una exposición monográfica de Laia Moreto que consta de una veintena de tomas cerradas de flores, plantas y otros elementos de la naturaleza en blanco y negro, todas positivadas por la propia autora. «Inerme» es un vocablo de origen latino que significa ‘desprovisto de defensa física o moral’ y se utiliza en biología para describir la falta de espinas, pinchos o aguijones. El uso paradójico de dicha palabra para poner título a una obra en la que la mayoría de los elementos posee algún tipo de púa o astilla incide en la propia concepción de la naturaleza, en la que la solidez y la fragilidad son capaces de intercambiar sus roles.

Situadas en la encrucijada entre lo tangible y lo intangible, las fotografías de Laia Moreto ponen de relieve estos dos aspectos del orden natural. Plasmadas a modo de transparencias y claroscuros, no solo evocan sino que también asumen la polarización inherente al mundo que nos rodea, las tensiones irresolubles, por así decirlo, entre lo frágil y lo dominante, entre lo bello e impoluto y lo oscuro, entre la flor y sus propios aguijones. En las series “Blanca” y “Negra” que la autora presenta en esta muestra, tal tensión subyace a la piel de un modo sutil y etéreo, palpita sin exceder los límites, y el microcosmos de las plantas halladas en parques y jardines públicos se convierte en una metáfora más global acerca de sentimientos, emociones y pasiones contenidas.

En palabras de la propia autora, “la finalidad de esta obra no es idealizar la naturaleza, ni admirar su belleza, sino mostrar su condición, equilibrar la tensión que existe entre lo vulnerable y lo dominante, y revertir la situación”. Sus fotografías abren un espacio para dejarnos también a nosotros inermes, para recordarnos nuestros propios límites: la finitud de nuestra presencia y la dimensión a la que estamos sometidos como mero engranaje en la inmensidad de la naturaleza.

Fecha: Del 17 de enero al 30 de marzo de 2013
Lugar: Kowasa Gallery, C/ Mallorca 235, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita