El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona presenta, del 25 de febrer al 24 de maig de 2010, «Atopia. Art i ciutat al segle XXI», la primera exposició que el centre dedica a l’art contemporani, comissariada pel director del CCCB Josep Ramoneda i pel comissari i crític d’art Iván de la Nuez.

L’Atopia és el sentiment de malestar de l’individu enfront de la ciutat del present la qual no representa, en cap cas, el paradís somiat o promès que ens ofereix la utopia. L’exposició tracta precisament d’aquest malestar, de la incomoditat entre la ciutat que sí existeix i l’individu. De la tensió entre una ciutat que s’individualitza -esdevé un ens amb vida pròpia, més enllà de nacions, països, estats- i d’un individu que es massifica.

La mostra no s’inscriu en els recents projectes basats en «allò social» o reivindicatiu, ni en les creixents exposicions de denúncia sobre l’especulació o els processos de gentrificació de les ciutats. El que interessa els seus comissaris és una agonia més universal i, al mateix temps, més palpable: la de l’individu que sobreviu i la de la seva resistència enfront de l’apoteosi urbana.

L’exposició aborda a través de 168 obres (pintura, escultura, fotografia, vídeo i instal·lacions) de 41 artistes contemporanis (Sergio Belinchón, Hicham Benohoud, Nuno Cera, Oleg Dou, Andreas Gursky, David LaChappelle, Rogelio López Cuenca, Philip-Lorca diCorcia, Thomas Ruff, Carey Young, etc.) aquesta tensió entre individu i ciutat centrant-se en una urbs que perd les seves funcions com a espai de trobada i realització per a convertir-se en un espai de pèrdua i fracàs.

Data: Del 25 de febrer al 24 de maig de 2010
Lloc: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), C/ Montalegre 5, 08001 Barcelona (mapa)
Preu: Pagament

La fotógrafa Núria Gas presenta el próximo jueves 25 de febrero a las 19h en la escuela de fotografía GrisArt la exposición “Espejos y Reflejos”, un proyecto abierto que parte de un proyecto cerrado llamado “Espejos”.

Este trabajo es el resultado de un proceso de profunda introspección, impulsado por una necesidad de búsqueda personal en una etapa de incertidumbre. Se trata, en realidad, de un diario personal formado por imágenes, en el que la autora se desnuda en cuerpo y alma. La fotografía se convierte en el medio de expresión para canalizar toda una serie de sensaciones y sentimientos no entendidos. Se convierte en su diario, en su espejo.

Tras superar esta confusa etapa vital, la fotógrafa consigue por fin mirarse en el espejo y visualizar un sinfín de reflejos que siguen completando su diario personal.

Esta transición queda manifiesta en la evolución de las fotografías, que van de la oscuridad y borrosidad a la nitidez más absoluta, donde el denominador común es su cuerpo desnudo.

El lenguaje utilizado está influido por su formación artística. Recurre al lenguaje de los símbolos y los colores, y se preocupa en todo momento por el detalle y la puesta en escena.

“Espejos y Reflejos” habla de la manera más sincera desde lo más adentro.

Fecha: Del 25 de febrero al 8 de abril de 2010
Lugar: GrisArt – Escola de Fotografia, C/ Còrsega 415, 08037 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El centro cívico Can Basté inaugura el próximo 25 de febrero a las 20h la exposición «Herederos de lo ajeno» de la fotógrafa Eva Parey.

El éxodo gitano rumano comienza con la caída del régimen de Ceaucescu, en 1989. Miles de familias pierden la cesión de sus tierras, su fuente de alimento. Con escasas posibilidades de ganarse la vida y recursos precarios tienen que emigrar de su país. El origen del que proceden principalmente son Murgeni, Tandarei, Galati y Bucarest.

La familia de Ioana, matriarca de 18 hijos, está dispersa por diferentes puntos de Europa, uno de ellos Barcelona (Sant Andreu). Asentados en un descampado han construido una nueva vida para ganar dinero y enviarlo a su familia en Rumania. La calle, como gran supermercado, abastece a estas familias. La chatarra es su fuente principal de ingresos. Cualquier otro objeto útil es su modo de subsistencia; aquí y allí. Son muchos los que rastrean la ciudad a diario, casi de forma imperceptible, abriendo cientos de contenedores.

Recoger chatarra a pie, con un carro, es un trabajo duro. Requiere paciencia, buena forma física, técnicas de observación y mucha tolerancia a la frustración. Pueden pasar horas hasta encontrar suficiente material que justifique una jornada laboral. No son los únicos que exploran la ciudad, son muchos. La mayoría extranjeros pero también los hay nacionales y con la crisis la cifra va en aumento. Algunas zonas están muy transitadas por lo que es necesario alejarse a zonas más vírgenes. Es habitual en ellos caminar desde Sant Andreu hasta Sagrada Familia, Plaza España e incluso llegar a Santa Eulalia.

El material más preciado es el cobre, con valor de 3€ el kilo. El hierro, a pie, ni mirarlo, ya que en la chatarrería vale 18 céntimos el kilo. El resto de objetos encontrados unas veces son para vender y otras para la familia. Dos pares de zapatos usados los venden por 1€, 3 bolsos también. Un DVD que funcione por 2€, un televisor en buen estado 7€, una bicicleta infantil o un carro sencillo infantil por 2 €, los grandes por 4€. En la calle se encuentra de todo, desde electrodomésticos, electrónica de todo tipo, joyas, ropa, cosmética y juguetes. Cada día es una nueva aventura, nunca saben lo que les deparará. A veces, su vaivén no pasa desapercibido y hay quien les tiende una mano, un gesto que ellos valoran enormemente.

Encontrar trabajo no es fácil. Con un grado de alfabetización justo o incluso nulo, sin experiencia laboral y el estigma de ser gitano rumano, las posibilidades se reducen.

Ajenos a la sociedad en general, heredan lo que ésta ya no utiliza y éste es el punto de unión entre las dos realidades. Es verdad que es un mundo difícil, de buscavidas y triquiñuelas, pero también es cierto que sólo el que conoce su situación puede entenderles.

Fecha: Del 25 de febrero al 27 de marzo de 2010
Lugar: Centre Cívic Can Basté, Passeig Fabra i Puig 274, 08031 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

El proper dijous 25 de febrer a les 20:30h el fotògraf Carlos Prieto farà una projecció de fotografies sota el títol «Fatih, el vell Istambul» al Centre Cívic Golferichs.

«Fatih, el vell Istambul» proposa una mirada al vell Istambul, fugint de les noves àrees de creixement, de les zones turístiques i endinsant-nos a carrers que varen pertànyer a la vella ciutat que ha estat coneguda com a Constantinoble, Bizanci o també Nova Roma entre altres noms al llarg dels segles. Fatih és el veritable Istambul.

Data: Dijous 25 de febrer de 2010
Horari: A les 20:30h
Lloc: Centre Cívic Golferichs, Gran Via 491, 08015 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La joventut de Bruce Springsteen, el crit de Raimon, la serenitat de Lluís Llach, o la ràbia del punk, entre moltes altres imatges dels anys setanta i vuitanta preses pel fotògraf Francesc Fàbregas, formen part de l’exposició “Música pels ulls” que es farà al Palau Robert de Barcelona entre el 23 de febrer i el 2 de maig.

Aquesta mostra arriba a Barcelona després que l’any passat es va exposar a Sant Feliu de Guíxols, en el marc del Festival de la Porta Ferrada. Es tracta d’una retrospectiva fotogràfica i audiovisual de l’obra de Fàbregas, que se situa entre els anys setanta i vuitanta a Catalunya, al començament de molts corrents musicals i culturals en un país que s’incorporava a l’Europa dels temps moderns després d’una dictadura que havia ofegat tot aquest tipus de manifestacions.

Fàbregas és un dels fotògrafs pioners en l’àmbit de la música popular d’aquesta etapa. La seva col·lecció particular d’instantànies és extraordinària, i la mostra del Palau Robert en recull, al costat d’alguns originals de revistes i discos de l’època, una important selecció. L’exposició s’organitza en cinc sales que, al mateix temps, constitueixen cadascuna un àmbit de la mostra: «Arriba el rock»; «L’ona laietana»; «Temps de cantautors»; «Punk, nueva ola i perifèries», i «Temps de grans estadis».

La música pop va ser, durant els primers anys setanta, un dels elements dinamitzadors que les joves generacions van incorporar a la lluita per les llibertats. D’això tracta el primer dels àmbits, «Arriba el rock», que també recull les primeres revistes musicals amb vocació professional. El segon àmbit, «L’ona laietana», se situa al maig de 1973 amb la inauguració de la sala Zeleste, el primer local barceloní fet a imatge dels clubs europeus de música en directe. És a Zeleste on Gato Pérez encunya la definició d’ona laietana per referir-se a la generació de músics de l’època del Canet Rock (1975-1978). «Temps de cantautors» agrupa els Raimon, Serrat, Llach, Montllor i altres cantautors que, omplint estadis, teatres, ateneus o escoles, conquereixen els primers espais de llibertat, malgrat impediments com la censura i les prohibicions.

La transició democràtica va treure al carrer un rock que descobreix el seu vessant urbà i trencador. És el que es pot veure en la quarta de les sales, «Punk, nueva ola i perifèries». Des d’Anglaterra, el punk aporta un component de rebel·lia que s’estén pels barris i l’extraradi de les ciutat, un aspecte que està molt ben documentat per la fotografia de Fàbregas. I, finalment, l’exposició es tanca amb l’àmbit «Temps de grans estadis», situat ja plenament a la dècada dels vuitanta. És l’època de l’eclosió definitiva de la radiofórmula i del videoclip com a instrument comercial per a la gran indústria de la música. El rock omple estadis. La magnitud del fet musical és cada vegada més gran i les grans estrelles s’envolten d’espectaculars muntatges de llum i de color, que incorporen audiovisuals com els que es projecten en aquesta exposició.

Data: Del 23 de febrer al 2 de maig de 2010
Lloc: Palau Robert, Passeig de Gràcia 107, 08008 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

«Dones Valentes» és una exposició fotoperiodística sobre dones que lluiten incansablement per aconseguir els seus drets i mantenir-los, per trencar tabús i estigmes. Dones anònimes que, mitjançant el seu treball quotidià, fan que el món evolucioni cap a una vessant més justa.

Data: Del 22 de febrer al 12 de març de 2010
Lloc: Centre Cultural La Casa Elizalde, C/ València 302, 08009 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La obra de Jochen Lempert es una combinación de arte, investigación científica, documentación y conceptualismo. Él fotografía el mundo natural y sus habitantes. Busca el mundo animal en lugares donde su existencia no ha sido evidenciada, grabando la vida en una amplia diversidad de entornos: de los museos de historia natural a la vida en la calle, de los lugares más remotos a objetos y situaciones banales. Lempert recopila sus fotografías en blanco y negro, reveladas a mano, en un archivo fenotípico que cubre un amplio espectro: desde visiones cotidianas a composiciones que tienden a la total abstracción. Su interés por los animales como tema de trabajo se complementa con una exploración de las propiedades y la materialidad del medio fotográfico. La suya es una posición artística alejada de las tendencias dominantes y de los cánones de la fotografía contemporánea.

En su cuarta exposición en ProjecteSD, Lempert muestra una selección de piezas recientes, algunas de las cuales, fruto de su residencia artística en la Villa Massimo de Roma, se presentan por primera vez. Imágenes seriadas se combinan con piezas individuales. Motivos figurativos se relacionan con fotografías cuyo tema no se puede discernir fácilmente debido a su enfoque experimental. Este es el caso en «Glow-worm (Movement on 35 mm film)», una imagen fotográfica fragmentada en cuatro partes que muestra un haz de luz sobre un fondo de color negro. Lo que la imagen retrata es el movimiento de una luciérnaga sobre una banda de película. La experiencia de Lempert como cineasta experimental se hace evidente en su trabajo fotográfico. «Continental Drift» (Deriva continental) describe otra secuencia cuasi-cinemática de fotografías. A una escala mucho mayor, una enigmática nube oscura desarrolla una progresión de formas en el cielo. Estas imágenes, de un cierto romanticismo dramático, que parecen más dibujos al carboncillo que fotografías convencionales, nos hacen pensar en la película «Crosswords» de Bruce Conner. «Continental Drift» está sutilmente relacionada con la pieza que se muestra a continuación, «Works by Charles P. Alexander from 1915 to 1974» (2005), que se compone de siete fotografías de páginas de libros. Se trata de las investigaciones de este biólogo americano acerca de las típulas, tal y como se editaron en varias publicaciones científicas de diferentes países durante un determinado periodo de tiempo. La serialidad y la repetición, la noción de archivo y la inevitable referencia a la investigación se hallan en el trabajo de Lempert.

«Kiangs» es un set de 2 fotografías casi idénticas. Como explica el propio artista: “En el año 1990, tomé una fotografía de un grupo de Kiangs en el Museum für Naturkende de Berlín. Regresé en 2005 y, sin recordarlo, los fotografíé de nuevo. Las dos imágenes resultaron ser muy similares”. La diferencia surge de este acto de repetición.

En otra pared de la galería se yuxtaponen dos fotografías individuales. «Etruscan Sand» muestra una composición abstracta, casi pictórica, que es a su vez un fotograma de arena. La otra, «Zur Photosynthese», muestra hojas de un árbol enredadas contra una pared por el efecto del viento. Ciertamente se puede encontrar una coherencia visual entre las dos aunque la lógica de la yuxtaposición es al mismo tiempo escurridiza. Una relación incluso más compleja se establece entre otras dos obras: «Untitled» y «Transmission I». Capas de sombra y luz se contraponen en la primera, una composición de seis fotografías que muestra la imagen de unas hojas de plantas. Ese trabajo está curiosamente emparejado con «Transmission I», una imagen macro de otra hoja que se asemeja a una cuadrícula o a una compleja red de estructuras.

En otra disposición, «Untitled (Constellation)», un vibrante enjambre de vida apenas se percibe sobre el fondo oscuro y borroso de un jardín en una composición de una fuerza silenciosamente cautivadora. En el primer plano de la imagen se capta un momento fugaz. Eso sucede también en la serie de cuatro partes «Fly».

La obra de Lempert, de una gran simplicidad pero generadora de múltiples lecturas, desafía cualquier clasificación. Como Brian Schollis señala: “Lejos de ser meros “estudios naturales”, las fotografías de Lempert evidencían una sensibilidad dirigida a separar orden y circunstancia, y, a través de un estricto control de la progresión, varicación, foco, escala y exposición, a convertir ese orden en algo cautivador”.

Fecha: Del 9 de febrero al 3 de abril de 2010
Lugar: Galería ProjecteSD, Passatge Mercader 8 – Baixos 1, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Toshiko Sakurai, fotógrafa y periodista de profesión, presenta por primera vez un trabajo por el cual abandona la cámara y se dedica a la experimentación de la homónima técnica fotográfica del quimigrama.

El empleo de una técnica fotográfica de las menos formales y de las más arriesgadas, se suma a la tentativa de crear imágenes reales, iconos o símbolos como en la más representativa obra «Elementos».

El hecho de tratar el papel fotográfico con substancias, que a pesar de ser materiales naturales se encuentran lejos de ser inertes, acompaña la intención de recrear los fenómenos naturales, bajo la grafía de los «kanji» que representan los cincos elementos de la naturaleza en las filosofías orientales: fuego, tierra, agua, madera y metal.

Más allá de la pura y simple experimentación, en el quimigrama hay la voluntad de Toshiko de crear un arte vivo y casi orgánico donde la obra evolucione constantemente debido a la reacción del soporte a factores ambientales diversos, derivando en una obra que no puede ser vista dos veces siendo la misma.

Fecha: Del 18 al 28 de febrero de 2010
Lugar: red03 art gallery, C/ Sant Antoni dels Sombrerers 5, 08003 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

D’entrada, quan ens situem per primera vegada davant les fotografies de Paloma Merchan, si fem un anàlisi de reconeixement, podríem afirmar que ens presenta diversos espais íntims. Ens introdueix en l’àmbit privat de persones que desconeixem absolutament i en tot cas ens hi aproximem a través del que ens suggereixen aquests individus i els entorns que habiten.

En una segona lectura, podem adonar-nos que Paloma Merchan, d’una manera subtil, defugint les afirmacions explícites, fàcils i evidents, ens fa partícips d’un fragment de vida d’un conjunt de dones que entenen el gènere o la identitat d’una manera diferent a la instaurada per la cultura dominant, heterosexual o normativa.

Ètnia, classe social o, en aquest cas, identitat i gènere, són estereotips, rols o patrons culturals, que fins ara es creien universals. Tanmateix, aquestes veritats pretesament incontrovertibles han estat qüestionades des dels seus fonaments. Les fotografies de Paloma Merchan inciten a la reflexió, des del moment que normes socials que creiem inamovibles són qüestionades per diferents sectors de la nostra societat que plantegen noves maneres de viure d’acord amb quelcom tant important com és el gènere.

L’objectiu de l’autora és trencar els estereotips normatius mitjançant la documentació de noves realitats en aquest cas de persones que s’identifiquen amb la teoria o el moviment ‘queer’, persones que se situen fora d’allò que es considera convencional. Nous models de vida que s’afirmen i s’elaboren en processos de continuat, i què qüestionen tot allò identificable sota els paràmetres de normalitat / anormalitat.

A través d’aquestes fotografies advertim que la identitat resulta una percepció fluctuant i mòbil a través de la qual l’individu es manté en permanent construcció, fins al punt que els gèneres no estan supeditats a una única sexualitat.

Data: Del 17 de febrer al 21 de març de 2010
Lloc: Espai Cultural NIU, C/ Almogàvers 208, 08018 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

En 2002 empieza el proyecto «Poste mon amour» que acabará publicado por la editorial suiza Lars Müller en 2007. 150 oficinas de correos suizas plasmadas en cientos de fotografías de medio formato a color.

«Poste mon amour» se define entre el arte y el documento. El arte contemporáneo es formalista, es negocio y está en crisis. En este trabajo vemos como el arte se vuelve a dirigir hacia lo humano, hacia la preservación de nuestra memoria, nuestra identidad. Jean-Luc Cramatte sublima las oficinas de correos suizas con su enfoque limpio y directo. Lugares ejemplificadores de orden, eficacia y normas se ven en las fotografías humanizados por detalles como chaquetas o recuerdos de un viaje.

El servicio de correos postal sufre desde hace años su mayor crisis: Internet y los correos electrónicos. Actualmente en muchos países las oficinas de correos se reducen a la mitad, recortándose también los puestos de trabajo. «Poste mon amour» pretende fijar en el tiempo la esencia del correo postal.

A lo largo de la historia han sido muchos los encargos fotográficos que han pretendido documentar una sociedad y que actualmente nos ayudan a conocer nuestros orígenes. «Poste mon amour» pone su granito de arena en la construcción de la identidad de un servicio que durante cientos de años ha sido el responsable de la comunicación y las relaciones interpersonales.

Fecha: Del 18 de febrero al 26 de marzo de 2010
Lugar: The Private Space Gallery, C/ Roc Boronat 37, 08005 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

R. L. Stevenson va dir una vegada que la més alta aspiració d’un escriptor hauria de ser que una (o tan sols una part d’una) de les seves obres acabés, amb el temps, esdevenint un conte. Un conte no és res més que una petita història, potser fins i tot real, que a cop de ser recitada, repetida, copiada, reinterpretada i/o parodiada s’acaba convertint en part de la nostra memòria col·lectiva. I és que el conte posseeix un parell de components que el fan, potser, el més atractiu dels gèneres literaris. El primer és l’oralitat, imprescindible per garantir el trànsit entre un simple relat escrit o una anècdota viscuda o escoltada a una experiència comuna. Els contes són de tothom, els remots autors (Andersen, Perrault, els Grimm o Rabelais) aconsegueixen la immortalitat precisament quan es desdibuixen entre les veus d’àvies, pares, trobadors i xerraires de barra de bar.

L’altre tret radica en el caràcter de trànsit que el conte intrínsecament té. Un conte és una porta al món del somni i, per això, pot permetre’s llicències únicament possibles en la particular lògica d’aquest món. El conte és l’ambigú on la mare acompanya al nen, cada vespre, abans de que aquest travessi sol les cortines de vellut de la nit. I és, alhora, una porta de retorn, encara que només sigui per una estona, al paradís perdut de la infantesa. Dalí, a qui a vegades li agradava suplantar la seva Gala en el paper de bruixa, deia que només hi havia una cosa que odiava més que els nens; odiava els que pintaven com els nens. Dalí, el qual va ser titllat, despectivament també de “pintor de somnis”, segurament amagava darrera de les seves boutades un desig, si voleu freudià o paranoic-crític, de poder pintar, com molts altres artistes ho volen, amb la llibertat absoluta que ho fa un nen.

Marc Vilallonga, en aquesta nova proposta, frueix d’aquesta llibertat creativa emprant la fotografia manipulada per ordinador amb el virtuosisme exquisit d’un flautista d’Hamelin. “Petites promeses, grans enganys” ens obre els portals a paisatges de gran format, en els que es fa tangible la sensació d’irrealitat del malson i de la faula i ens mostra també finestres, més petites, que encara accentuen més la condició de nexe virtual entre dos mons que tenen les seves imatges. I conte contat, qui sap si s’ha acabat?

Data: Del 18 de febrer al 20 de març de 2010
Lloc: La Xina ART, C/ Doctor Dou 4 – Bajos, 08001 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

La exposición «Antipersonnel 1:1» de Raphaël Dallaporta trata de identificar con un enfoque documental los diferentes modelos de minas antipersona y las submuniciones existentes aún a día de hoy en todo el mundo. Fotografiadas sobre fondo negro a tamaño real, con una estética reflejo de un catálogo de perfumes, las minas de Raphaël Dallaporta despiertan fascinación y repugnancia. Una manera de recordar que la guerra es un negocio como cualquier otro, y el negocio de las minas antipersona, el más vicioso y perverso por excelencia.

Se trataba ante todo de denunciar un mercado en el que las minas son productos fabricados, diseñados y vendidos, dice Dallaporta, fascinado por el tema desde que se encontró con mineros durante su estancia en Bosnia en 1998. En «Antipersonnel 1:1», por una vez las minas son objetos que exudan belleza; la belleza del diablo: fotogénicas, atractivas y sensuales, fotografiadas como objetos de diseño, con sus mejores vestidos de satén de acero o de bronce. La mirada se queda fascinada ante la belleza inquietante de estos objetos. Y en contraposición, la lectura de las explicaciones que las identifican con precisión: nombres, origen, año de producción, peso, dimensiones, impacto humano; la fascinación deja sitio a la repugnancia y nuestra conciencia vacila delante de esta perversa y viciosa realidad.

Dallaporta no nos muestra el impacto de las minas anti-personales, el cual ya es bien conocido; sino las relaciones causa-efecto de su uso continuado hoy en día en el mundo, y por consiguiente consigue lo que la fotografía periodística, a menudo no consigue. Además lo hace de una forma que es casi subversiva, es decir, una manera muy parecida a la que funcionan las minas.

Este trabajo documental ha seducido a Jody Williams, Premio Nobel de la Paz en 1997 y embajadora de la Campaña Internacional para Prohibir las Minas Antipersona, así como al destacado fotógrafo inglés de la casa Magnum Martin Parr, quien seleccionó a Dallaporta en 2004 para participar con la muestra en los Encuentros de Fotografía de Arles.

Fecha: Del 17 de febrero al 31 de marzo de 2010
Lugar: Tasneem Gallery, C/ Castellnou 51, 08017 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita