“Manhattan, había una vez” de Marta Colell

El Estudio Tigomigo de Terrassa inaugura el próximo sábado 20 de diciembre a las 12h la exposición “Manhattan, había una vez” de la fotógrafa Marta Colell.

Manhattan es una parte de Nueva York que todos conocemos, hayamos estado o no, ya que forma parte de nuestra cultura visual al haber sido el escenario de tantas historias, tantas películas, tantos cuentos…

Marta Colell

El trabajo de Marta Colell nos acerca a esos decorados reales, haciéndonos partícipes de algunos momentos cotidianos que allí suceden. Así, somos testigos de escenas donde un pájaro descansa en el lago de los cisnes, una dama despierta de su largo sueño en un museo, una persona se adentra en el bosque de columnas para llevar su maleta a su destino, o un emperador se prueba su traje nuevo en medio de un parque. Todas estas personas tienen algo más en común que su condición de neoyorquinos, son personajes de la historia que nos cuenta hoy este paseo en imágenes, estampas en las que el espectador tiene que mirar, al menos un par de veces, para descubrir todos los pequeños detalles: anuncios sorprendentes, juegos de reflejos, personajes secundarios que dirigen sus miradas hacia lugares imaginarios.

Las fotografías de Marta nos muestran los elementos que conforman la ciudad con su especial y característica visión, ofreciendo además su versión más artesana gracias al trabajo de pincel y emulsión realizado por la fotógrafa y que añade a la imagen ese toque atemporal que permite fabular sobre ella.

Fecha: Del 20 de diciembre de 2014 al 21 de febrero de 2015
Lugar: Estudio Tigomigo, C/ Viveret 17, 08221 Terrassa (mapa)
Precio: Entrada gratuita

“Elegías Fotográficas” de Raúl Urbina

La Taché Gallery inaugura el próximo jueves 18 de diciembre a las 19:30h la primera exposición individual en Barcelona del fotógrafo Raúl Urbina.

La muestra presenta fotografías de diversas series: “Huéspedes de la memoria” (2014), “Chicago, impediré que el viento salga” (2008-2013), “No ticket no exit” (2000-2013) y “Elegías fotográficas” (2014) -serie, esta última, que da título a la exposición-.

Raúl UrbinaAl reunir tal variedad de trabajos, la muestra “Elegías fotográficas” nos permite iniciarnos y a la vez ahondar en el trabajo de Urbina, un trabajo marcado por una determinada concepción de lo fotográfico como herramienta narrativa para contar la historia o las historias. de espíritu rastreador, Urbina indaga y discurre por el entorno que habita y atrapa en sus instantáneas historias características del mundo que le rodea. Desplegando una narrativa marcadamente poética en la línea de algunos clásicos de la fotografía de la segunda mitad del siglo xx, urbina cree firmemente en la cualidad inductiva de las imágenes y, por ello, considera la fotografía como una gran aliada de las fuentes escritas. Como dijera Didi-Huberman, las imágenes atesoran para Urbina la capacidad de desvelar, en cierto modo, lo real.

“Huéspedes de la memoria” gira entorno a conceptos como la memoria, la tierra o la identidad y podría ser perfectamente el retrato de esa Sicilia que tan magistralmente describió Giuseppe Tomaso di Lampedusa en “El Gatopardo”. Las fotografías de la serie “Chicago, impediré que el viento salga” manejan, sin embargo, otros códigos y escenarios -fundamentalmente la ciudad y los suburbios- demostrando el manejo de Urbina con las diferentes naturalezas de lo retratado y su versatilidad como fotógrafo. Ambas series se articulan entre el paisaje y el retrato y contrastan con el trabajo “No ticket no exit”, donde prácticamente desaparece la figura humana y Urbina se aproxima a una cierta abstracción. Las instantáneas de esta serie fueron tomadas en zonas de acceso limitado de diferentes aeropuertos españoles. Finalmente, con el proyecto “Elegías fotográficas” Urbina da un giro hacia la fotografía en su dimensión más objetual al presentarnos 7 pequeños “tomos” que muestran por un lado una fotografía y por el otro un texto picado a máquina sobre papel de algodón. Con este pequeño gesto, Urbina parece situarse en una línea de cruce entre lo fotográfico, lo escultórico y lo literario, activando así multitud de correspondencias. Al fin, todo ello no es sino una reflexión sobre las formas de mostrar la obra fotográfica y una búsqueda de nuevos formatos próximos a la idea del libro de autor y la pieza museable.

Fecha: Del 18 de diciembre de 2014 al 31 de enero de 2015
Lugar: La Taché Gallery, C/ Consell de Cent 292, 08007 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

¡Valid Foto cumple cinco años!

Hace cinco años abría sus puertas la Galería Valid Foto, el proyecto impulsado por Fernando Peracho junto a su socio Brauli Teixidó. Por sus paredes han pasado desde fotógrafos de reconocido prestigio a jóvenes valores con gran proyección, como Toni Catany, Lea Tyrallová, Masao Yamamoto, Álvaro Sánchez-Montañés, Pentti Sammallahti, Berta Vicente, Paco Elvira, Josef Hoflehner, Camino Laguillo o Colita.

El próximo lunes 15 de diciembre a las 19:30h la galería celebra su quinto aniversario con una exposición que reúne obras de sus artistas representados. Durante la inauguración también se presentará la edición del 2015 de los Barcelona International Photography Awards.

Fecha: Del 15 de diciembre de 2014 al 15 de enero de 2015
Lugar: Galería Valid Foto, C/ Buenaventura Muñoz 6, 08018 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposición “Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los 70″

La Fundación Foto Colectania inaugura el próximo martes 16 de diciembre a las 19h la exposición colectiva “Tan lejos, tan cerca. Documentalismo fotográfico en los 70″.

Esta exposición revisa la obra de los máximos exponentes del documentalismo fotográfico en España surgidos en la década de 1970. Autores que reflejaron la sociedad rural, la vida en las pequeñas ciudades de provincia, las culturas marginales y las tradiciones y fiestas populares, con una mirada personal, alejada de cualquier estereotipo.

Herederos, en cierto modo, del realismo humanista de los fotógrafos de la generación anterior, los seis autores que integran esta exposición colectiva se diferencian de aquellos en su enfoque, alejado de los tópicos neorrealistas y marcado por la franqueza; en su forma directa de observar y representar la realidad, recurriendo en ocasiones a encuadres que crean imágenes surrealistas de gran fuerza expresiva; en su conciencia de que el lenguaje fotográfico cuenta con características y recursos propios; y por la percepción clara de hallarse tanto ante formas de vida y tradiciones al borde de la desaparición o la transformación, como ante realidades que evidenciaban la distancia entre la sociedad urbana y la rural.

La realidad que fotografiaron estaba lejos de adecuarse a la iconografía oficial que durante los años del franquismo se había difundido a través de publicaciones ilustradas y guías turísticas, que hacían hincapié en los aspectos más pintorescos, ofreciendo una visión idealizada. Sus trabajos respondían a intereses personales, no dependían de encargos y al tratarse de proyectos a largo plazo les permitieron sumergirse en las realidades que fotografiaban, en estrecho contacto con sus protagonistas y entornos. Las distintas procedencias y modos de entender y acercarse a la fotografía de cada uno de ellos singularizan su obra, mientras que la territorialidad y la temporalidad son los ejes comunes que estructuran sus distintos trabajos.

La muestra reúne los trabajos de Koldo Chamorro, Cristina García Rodero, Cristóbal Hara, Fernando Herráez, Anna Turbau y Ramón Zabalza.

Fecha: Del 16 de diciembre de 2014 al 2 de abril de 2015
Lugar: Fundació Foto Colectania, C/ Julián Romea 6 D2, 08006 Barcelona (mapa)
Precio: Pago

“Gulala” de Ixone Sádaba

Tasneem Gallery acoge del 13 de diciembre de 2014 al 13 de marzo de 2015 la exposición “Gulala” de la artista Ixone Sádaba.

Ixone SádabaLas piezas en blanco y negro, muestran imágenes semi-abstractas, que son primeros planos de trazos realizados en las paredes, techos y pisos de algún recinto. A simple vista nos parece estar ante una composición de texturas y claro-oscuros, a través de las cuales la artista muestra su habilidad con la cámara; pero la fragilidad de estas grandes piezas sobre papel de periódico contrasta con la dureza del contenido. Las imágenes son rastros y huellas dactilares hechas por mujeres y niños que fueron confinados y torturados en la muy temida Amna Suraka (Seguridad Roja) cárcel de la ciudad de Halabja en el de Kurdistán iraquí.

Gulala es la palabra kurda para Amapola de Opio, flor que cubre los campos del Kurdistán en la primavera e internacionalmente es reconocida como la imagen que representa la guerra. En Kurdistan Gulala es uno de los nombres de mujer más populares. Sádaba nos explica que “las imágenes no son sólo una referencia a la pérdida de las mujeres y los niños, sino también hablan de las minorías, y del luto”.

Sobre la técnica de este trabajo Sádaba explica: “La opción de imprimir las imágenes en papel de periódico me permite mostrarlas sin marcos, directamente a la pared, manteniendo esa fragilidad. El papel de prensa no es un material duradero. No es cromogénico o fotográfico, en realidad, es el objeto más perecederos (es el diario de ayer)”.

Este proyecto junto a la serie de retratos “Following the history of representation” forman parte del grupo de obras realizadas por la artista en Halabja, ciudad de Kurdistán iraquí, bombardeada por Sadam Husein en 1988, y donde la artista trabajó de 2008 a 2010 como parte de la Residencia de Delfina Foundation y con la colaboración de KHRP (Kurdish Human Rights Project).

“Gulala” es una muestra clara del recorrido investigativo que realiza la artista, quien fundamentalmente utiliza la fotografía, la instalación y el performance, para explorar los límites del individuo y las tensiones implícitas en la idea de identidad. Analiza la fotografía como una tecnología que ha apoyado al poder y al conocimiento normativo que pretenden definir una imagen y su significado, y a la vez retrata este marco normativo al cual denomina “escenario político” cuestionando el alcance de nuestra mirada.

Fecha: Del 13 de diciembre de 2014 al 13 de marzo de 2015
Lugar: Tasneem Gallery, C/ Castellnou 51, 08017 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposición de Jochen Lempert

El trabajo de Jochen Lempert trata el medio fotográfico desde lo visual y desde la investigación; a menudo, con la intención de cuestionar los criterios de búsqueda de la verdad y los modelos que construyen el mundo. El artista retrata el mundo animal en los contextos más diversos: desde el hábitat natural hasta el museo de Historia Natural, desde el zoo a la ciudad, en lugares remotos o en situaciones u objetos banales. En su incesante búsqueda, Lempert ha conseguido crear un vasto archivo de imágenes cubriendo un amplio espectro que abarca desde vistas cotidianas a composiciones que tienden hacia la abstracción. Este interés en el mundo natural como sujeto se complementa con su exhaustiva exploración de las propiedades y la materialidad de la imagen fotográfica. Analógicas, en blanco y negro y positivadas en el cuarto oscuro, sus fotografías se resisten a cualquier categorización, ajenas a los cánones de la estética actual. El hecho de que sus imágenes se muestren sin marco, directamente sujetas a la pared, aporta a sus trabajos textura, una sensualidad casi objetual y una extraordinaria inmediatez que invitan al espectador a observar más de cerca.

Jochen LempertPero la mirada atenta y sagaz del artista no está limitada al momento en la que realiza el disparo o procesa el material, sino que su trabajo crece desde y a través del espacio. En sus presentaciones recurre a agrupaciones y juegos de escala que responden al lugar de exposición. La colocación y selección del material parten de una elaboración atenta, siempre buscando referencias cruzadas y asociaciones que desvelan sutiles correspondencias. Como escribe Brigitte Kölle: “crea nuevos espacios para pensar”. Las propuestas elaboradas por el artista nos abren nuevas percepciones sobre los patrones, estructuras, las irregularidades o el orden que conforman el mundo natural.

Para esta exposición, Jochen Lempert ha seleccionado una serie de trabajos en su mayoría de pequeño o medio formato, algunos de ellos presentados por primera vez en esta ocasión. En la pared frontal de la sala de exposiciones se disponen cuidadosamente diez de estas piezas, algunas de ellas agrupadas o componiendo series, en una suerte de sucesión continua en la que se encadenan imágenes de plantas, pétalos, flores, una nube de vapor que sale de una taza o una espectacular imagen de plumas superpuestas. La presentación evoca nociones que tienen que ver con la composición, el movimiento, la transformación, el azar o el orden, y a la vez una cierta idea de temporalidad o evanescencia, pero también de equilibrio.

No menos cautivadoras son las obras que se presentan de manera exenta en los muros adyacentes: la sencilla vista de un pájaro blanco sobrevolando una playa, una minúscula fotografía de un paisaje en la que apenas se puede distinguir una liebre, o la impresionante simplicidad de la imagen del cuerpo de una mujer anónima que lleva un vestido de flores. O la serie de diez fotografías “Lyren” –cuyo título se refiere al libro del escritor francés Francis Ponge- que se despliega en el pasillo de la galería como un brillante ejercicio de asociación directa y sin pretensiones, un perfecto ejemplo del diverso, inteligente y sensible universo de Lempert.

En su especial mezcla de figuración y abstracción, la práctica de Lempert va más allá de cualquier posible categorización, y escapa deliberadamente cualquier marco preconcebido; su obra se despliega de manera interminable, cada fotografía es la imagen de una idea que evidencia al mismo tiempo la simplicidad y la complejidad de la excepcional visión del mundo del artista y de la generosidad con la que la comparte.

Fecha: Del 29 de noviembre de 2014 al 23 de enero de 2015
Lugar: Galería ProjecteSD, Passatge Mercader 8 – Baixos 1, 08008 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

“Photographs” de Peter Downsbrough

La galería Àngels Barcelona presenta el próximo jueves 11 de diciembre a las 19 h la exposición “Photographs” de Peter Downsbrough.

Siguiendo la noción de fotografía de Lucy Lippard, el título de esta exposición podría haber sido “Geometrizing life in the photographic work of Peter Downsbrough”, pues esta muestra se centra en su conceptual obra fotográfica, que desde 1978 y hasta la actualidad se ha convertido en una de sus prácticas más reconocidas y entre las que se incluyen también la escultura, la obra sobre papel, las películas, los libros o las intervenciones en el espacio público.

Peter DownsbroughA principios de los setenta, Downsbrough utilizó la fotografía para documentar los diferentes puntos de vista de su obra escultórica, las series de imágenes resultantes servían para la documentación del espacio y la percepción en relación a los diferentes movimientos del espectador tal y como se observa en el primer libro que publicó conteniendo imágenes: “Two Pipes Fourteen Locations” de 1974.

La combinación de series fotográficas y el interés por los espacios arquitectónicos cotidianos (zonas industriales, casas suburbanas, gasolineras, vías de tren, etc), inscribe su trabajo a modo de comentario crítico de la arquitectura y de los nuevos modos de producción que surgieron durante el capitalismo tardío. Sus imágenes se sitúan dentro de la lógica de la aceleración, el consumo y la repetición, algo que observamos también en la obra fotográfica conceptual del mismo período de artistas como: Dan Graham, Sol LeWitt o Ed Ruscha. Su intención no es producir imágenes espectaculares, o sublimes, sino imágenes que exploren la relación entre el tiempo y el espacio mediante el uso del visor de la cámara como herramienta de estructuración; lo que se consigue gracias al no retoque posterior de las imágenes y la austeridad de los títulos, que sólo hacen referencia al lugar y la fecha en la que fueron tomadas las imágenes, al estilo de un diario de viaje.

Las series de imágenes presentadas en esta exposición introducen al espectador en el uso específico que el artista hace de la fotografía en la que los entornos urbanos de la sociedad contemporánea se vuelven cada vez más nuestros entornos “naturales”, transformándose así en lugares donde las estructuras, el tiempo y el espacio se hacen más evidentes a nuestro ojos.

En “D Train, 1978″, la composición de los elementos alrededor de las imágenes de una vía de tren tomadas con una cámara fija, funciona a modo de secuencia en la que el ir y venir de los objetos remiten a los conceptos de duración y espacio, como ocurre en el cine, invitando al espectador a reflexionar sobre el proceso de desplazamiento. En “Divisions#3, 1980 > 2002″, Downsbrough investiga el uso tradicional del espacio como objeto. Mediante desplazamientos, discontinuidades y rupturas, los elementos verticales encontrados, como farolas, postes de la luz, señales, etc., establecen un diálogo con el espacio ofreciendo al espectador nuevas formas de ver e interactuar convirtiéndose en uno de los elementos claves de su práctica artística. La cámara se convierte de este modo en una herramienta estructural y la fotografía resultante en una visión del espacio estructurado en el tiempo, la captura de un fragmento del mundo para así poder mostrar ideas. Por último, “Walmer, 2008″, nos recuerda el interés de Downsbrough en la arquitectura doméstica como una manera de inscribir lo “ordinario” en el espacio y así interactuar con una noción de la realidad entre la documentación y la abstracción. Como el artista ha mencionado: “La fotografía puede ser vista como una forma de ver, no el momento capturado, sino el lugar fotografiado… La fotografía como la visión del espacio / estructurado en cuanto a su tiempo”. Para el artista la fotografía es una manera de pensar/de ver, más que como un mero documento, y una manera de participar en el debate conceptual y crítico de la sociedad contemporánea.

Fecha: Del 11 de diciembre de 2014 al 6 de febrero de 2015
Lugar: Galeria Àngels Barcelona, C/ Pintor Fortuny 27, 08001 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Presentación del libro “A tribute to dreamers”

El próximo viernes 12 de diciembre a las 19h tendrá lugar en Artte la presentación del libro “A tribute to dreamers” del fotógrafo Alfred Mauve.

“A tribute to dreamers” es muchas cosas a la vez: Un libro de fotografía; 15 años de complicidad entre Alfred Mauve y la compañía de teatro-danza de Barcelona, Senza Tempo; una compilación de imágenes misteriosas, sugerentes, inexplicables o inexplicadas; una nueva obra de la compañía Senza Tempo, aunque ahora no a partir del escenario y el cuerpo en movimiento de sus actores, sino del collage de instantes que Mauve ha ido enmarcando y atrapando en todas las ocasiones; una road movie en la que el fotógrafo viaja entre momentos separados por el tiempo; la revelación de la libertad total del fotógrafo, y la gozosa dispersión de los géneros, mediante el impacto incesante y siempre sorprendente de lo onírico o lo inesperado: lo que aún estaba por mostrar.

La presentación contará con las actuaciones de los actores que aparecen en el libro, la música de Sergi Blanch y Iannis Obiols y con las intervenciones de Pablo Ley, dramaturgo y crítico de teatro, y Eva Muñoz, crítica de cine, que nos introducirán en los mundos que en el libro coexisten.

Fecha: Viernes 12 de diciembre de 2014
Horario: A las 19h
Lugar: Artte, C/ Muntaner 83 C, 08011 Barcelona (mapa)
Precio: Entrada gratuita

Exposició “Amics i companys”

En el marc dels actes de l’Any Formiguera, el proper dimecres 10 de desembre a les 19:30h es presenta la primera exposició en homenatge al fotògraf santcugatenc a la Casa de Cultura de Sant Cugat del Vallès.

“Amics i companys” reuneix obres de cinc fotògrafs, companys i amics d’en Pere Formiguera i que formaven part del grup Alabern: Joan Fontcuberta, Rafael Navarro, Manel Esclusa, Manel Úbeda i del mateix Formiguera d’una qualitat extraordinària i moltes d’elles inèdites.

Data: Del 10 de desembre 2014 al 25 de gener de 2015
Lloc: Casa de Cultura, C/ Castellví 8, 08172 Sant Cugat del Vallès (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

4a Setmana de la Fotografia al Cercle Artístic de Sant Lluc

Del l’11 al 19 de desembre se celebrarà al Cercle Artístic de Sant Lluc la quarta edició de la Setmana de la Fotografia.

Ara fa 175 anys, el 10 de novembre de 1839, es va fer a Barcelona la primera fotografia al nostre país: un daguerreotip que mostrava els edificis del Pla del Palau (aleshores plaça de la Constitució), que en aquells anys exemplificava la transformació urbanística de la ciutat.

En aquesta edició de la Setmana de la Fotografia es reflexionarà sobre el nostre entorn urbà amb una exposició de fotografies de Narcís Cuyàs (1880-1953), cedides pel CEC, que va documentar l’obertura de la Via Laietana: una gegantina bretxa de 80 metres d’amplada i uns 900 de llargada que va comportar la destrucció de 2.199 cases i molts palaus medievals, afectant unes 10.000 persones.

Paral·lelament s’han organitzat un seguit d’activitats: una conferència del cronista de la ciutat de Barcelona, Lluís Permanyer, sobre els efectes socials –traumàtics i positius- de la gran operació urbanística que va significar l’obertura de la Via Laietana; una conferència del conservador de l’Arxiu Fotogràfic de l’Ajuntament de Barcelona, Rafel Torrella, sobre el Concurs Artístic de la Vella Barcelona, on la presència dels fotògrafs va ser cabdal per deixar testimoni del canvi urbanístic que va significar el disseny de la Via Laietana; i ,finalment, un taller sobre la història dels procediments fotogràfics i els usos socials de la fotografia amb una demostració pràctica de material original d’època a càrrec del la historiadora Núria Rius i el fotògraf i conservador Pep Parer.

Més informació a:

4a Setmana de la Fotografia

Segon Nadal a Barcelona Visions

Com l’any passat, l’espai Barcelona Visions us anima que regaleu fotografia d’autor aquestes festes. A partir del proper dimarts 9 de desembre a les 19:30h, estudiants de l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya i IDEP mostraran la seva mirada fotogràfica sobre la ciutat i us proposen l’exercici de valorar i posar preu a la seva obra. Mireu, observeu, trieu, pregunteu els condicionants tècnics de les fotografies i poseu-hi un preu.

La mostra reuneix els treballs de Jennifer Zelaya, Sandra Verdugo, Ignasi Tarrazona, Laia Serch, Ulisses Salom, Patricia Rodrigues, Carles Prieto, Patric Marín, Enric Mañas lo Conte, Antoine Khidichian, Irene Humet, Laura González, Javier Garcia Escobar, Irene Díaz, Raúl Cortés, Javier Chicharro, Montse Carné, Anna Blanch, Arnau Solé, Sira Seral, Manuel Rios, Nico de Quiquerán, Marçal Pérez, Helena Llucià, Núria Jiménez, Marc González, Aida Garcia, Rubén Fernández, Javi Fernández, Joan Deulofeu, Isaac Calpe i Alicia Alcaide.

Data: Del 9 de desembre de 2014 al 15 de gener de 2015
Lloc: Barcelona Visions, C/ Banys Vells 7, 08003 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta

Exposició “L’invisible”

Percebem el nostre entorn des d’allò visual, però què passa amb tot el que no podem veure? L’invisible. No sempre la llum arriba a tot el que existeix, malgrat això, ho podem sentir i percebre. No és justament fer visible l’invisible la gran missió de la creació artística? Materialitzar el que no pots veure; emocions, pors, somnis…

El projecte “L’invisible” explora el que és invisible als nostres ulls i visible als nostres sentiments. “L’invisible” envairà el proper dijous 11 de desembre els espais Artspace i Saló de la galeria Mitte amb una selecció especial d’il·lustradors, artistes i fotògrafs que revelen les seves peces invisibles i es guarden una per jugar entre ells.

En el grup dels artistes i dissenyadors trobem a Bernat Solsona, David de les Heras, Clara Nubiola, Àfrica Fanlo, Elisa Munsó, Laura Castelló, Argijale, Guillem Font, Mega, 13pulsions, Eulàlia Esquerdo, Marta Bellvehí, Enserio-Miquel Amela, Ricardo Tomás, Lyona, Ana Luiza Ornelas, Andres Requena, Francesc Moret i Ariadna Minguet Ferrer; i en el grup del fotògrafs trobem a Irene Visa, Laia Gutiérrez, Kety Duran, Laura Vicedo, Blanca Viñas, Alex Llovet, Marc Rosés, Cecilia Díaz, Josep Maria de Llobet i Ludo Wico.

Data: Dijous 11 de desembre de 2014
Horari: De 19 a 22h
Lloc: Mitte Barcelona, C/ Bailén 86, 08009 Barcelona (mapa)
Preu: Entrada gratuïta